A lo largo de su rotunda filmografía, Na Hong-jin había dejado claro que sabía cómo filmar persecuciones exudando adrenalina pura, ya sea a pie (The Chaser, 2008) o sobre ruedas (The Yellow Sea, 2010), y tejer agresivos relatos de género con carcasa de retrato comunitario (El extraño, 2016) sin que la violencia que anida en cada rincón impida exabruptos de humor escatológico o absurdo.

En Hope unifica todos esos elementos en una tormenta eléctrica de acción capaz de desencajar ojos de órbitas con su exhibicionismo técnico, temerarios derrapes en los cambios de tono y una entrega sin remilgos al entretenimiento que ignora el miedo al ridículo.

Si la hora inicial es antológica por su elaborada contención a la hora de ocultar a la criatura que siembra el caos en una apacible localidad portuaria –ya que durante mucho tiempo solo es perceptible en off a través de sonidos y su reguero de destrucción–, cuando el director decide revelar esa carta también desbarata el tablero de juego.

Su apuesta por una estridencia grotesca y desvergonzada, que empapa tanto el diseño visual como en su plasmación con CGI alérgico a la física, solo puede leerse como un liberador arrebato infantil de apología de la diversión por delante de la buena etiqueta.

Cine de atracciones a la máxima potencia, Hope se reinventa sobre requiebros y variaciones de una estilización del pillapilla mientras se aleja de los terrenos aseados de Tiburón o Alien, tan respetados (bueno, hoy en día), para despeñarse por las escarpadas y abruptas fallas de la saga Resident Evil de Paul W. S. Anderson.

Una defensa de la espectacularidad en sí misma, sin hueco para el espectador cínico, de la que cada vez cuesta más encontrar abanderados como el disparatado S. S. Rajamouli (RRR), que seguramente aplaudiría esa tríada final de coche-caballo-monstruo.

En una era de asimilación occidental post-Parásitos y post-El juego del calamar, Hope recupera la capacidad del cine coreano para descolocar al mundo.

De esas películas a las que es mejor enfrentarse sin saber nada de ellas, Colisión no es una historia más sobre un atraco a un banco, aunque ahí estén cuatro enmascarados robando una caja fuerte en plena crisis económica de 2013.

El contexto socioeconómico tampoco es lo más importante, aunque sirva de excusa para comprender los ideales, objetivos, impulsos, peleas y traiciones que llevan a los protagonistas a arriesgar sus vidas por lograr hacerse con el botín.

Arriesgarlas en el sentido más literal, pues es un accidente de coche huyendo del lugar del crimen el que desemboca en una trama que desconcierta con sus giros en un principio, pero que, una vez comprendida la verdadera naturaleza de la película, se convierte en un ejercicio creativo que su director, Daniel Sánchez Arévalo, ha sabido trasladar perfectamente a la pantalla, haciendo de ella un thriller que desconcierta (en el buen sentido), engancha y entretiene.

Que sus protagonistas sean Laia Costa, Karra Elejalde, Luis Zahera, Tamar Novas y Álvaro Cervantes, a los que también se unen Lluís Homar y Adriana Ozores, es la guinda de un pastel que no esperábamos disfrutar tanto.

Si la primera película sentó las bases de este universo zombie, la segunda se adentra en el terreno del cine bélico, con ecos de Michael Bay y Kathryn Bigelow, para mostrar cómo la sociedad afronta una situación límite mientras trata de instaurar un nuevo orden mundial.

A través de una base de supervivientes en Canarias y una misión de un grupo de militares en la península, Apocalipsis Z: Nuevo mundo amplía su escala con hordas de zombies más numerosas y una mayor complejidad técnica, gracias a sus magistrales efectos prácticos y al uso de múltiples equipos de grabación y drones.

Entre los soldados destaca un recluta novato, interpretado por Carlos Alcaide (El internado: Las cumbres), una de las jóvenes promesas de la interpretación española. El actor protagoniza algunas de las secuencias más tensas, tanto en la base militar como en una plaza de toros abandonada, marco de dos de las escenas más ambiciosas de la película.

Su mirada encarna la inocencia ante el horror, en una película cuyo guion, escrito por Ángel Agudo (Estación Rocafort), se distancia de la segunda novela de la trilogía de Manel Loureiro que adapta para ofrecer una versión más cercana a nuestros días, a través del prisma del covid y las crisis migratorias.