Es uno de los actores más reconocidos de Hollywood, fue alcohólico durante décadas, es experto en Shakespeare -ha participado en más de una decena de obras y adaptaciones del dramaturgo- y compositor de bandas sonoras. No hay intérprete como Anthony Hopkins (Margam, Gales, 1937). El hombre que aterrorizó al mundo como Hannibal Lecter en El silencio de los corderos, que ha ganado dos premios Oscar y que lleva más de seis décadas poniéndose en la piel de otros, empezó su carrera en la actuación porque se hartó de que le llamaran “estúpido” debido a su dislexia. “Algo en mi naturaleza me pedía estar aislado. Pero sí tenía un lado creativo y a los 17 años decidí que estaba harto de que me llamaran estúpido. Me dije: “Voy a hacer algo. No sé cómo, pero voy a ser actor”, le contó a El País hace tres años.

Aquel adolescente terminó estudiando en el Cardiff’s Royal Welsh College of Music & Drama y más tarde, tras el servicio militar, ingresó en la prestigiosa Royal Academy of Dramatic Art de Londres, de la que se graduó con medalla de plata en 1963. Después llegarían el teatro, la compañía del National Theatre dirigida por el actor y director Laurence Olivier y, finalmente, una carrera cinematográfica que lo convertiría en uno de los mejores actores de la industria.

La paz de no tener respuestas

“Cuando era un actor joven era muy intenso y ambicioso”, reconoció en la misma entrevista. Una forma de enfrentarse a su profesión —y a la vida— que, según Hopkins, se ha ido diluyendo con la edad. “Al envejecer te das cuenta de que no es para tanto”. ¿Le daba poder hacerse mayor? ¿Acumular lo vivido y lo experimentado? “Lo que te da es una sensación de paz. Creo que según envejeces sabes menos cosas. Cuando era joven sabía de todo. ¿Pero ahora? Nada”, afirmó. “Intuyo que no entender nada es parte del final de la vida. (...) Me fascina porque nadie puede explicar qué es el tiempo. Simplemente, no tiene sentido y me hace dudar de todo. En fin, solo soy un actor y no sé nada de nada. “Apenas puedo salir de la cama cada mañana”, añadió.

Esa incertidumbre parece haber sustituido también algunas de las expectativas que tuvo durante su juventud. “No me he puesto objetivos, de hecho, procuro depurar mi mente de cualquier deseo. Es mejor no esperar nada. No pidas nada, no esperes nada y acepta todo. Ese es mi lema”, puntualizó, para añadir que “el miedo no es un buen acompañante”.

Y por eso sin miedo a nada, este pasado agosto publicó Life Is a Dream, su primer álbum de música clásica, una colección de doce composiciones escritas a lo largo de más de seis décadas e interpretadas por la Philharmonia Orchestra bajo la dirección del venezolano Gustavo Dudamel. “La música fue mi primer deseo, mi primer anhelo. He estado componiendo toda mi vida”, explicó Hopkins con motivo del lanzamiento. Las piezas recorren recuerdos de su infancia en Gales, su familia y algunas de las experiencias que lo han acompañado durante toda su vida.

Patrick Stewart, el inolvidable capitán Jean-Luc Picard de Star Trek y profesor Charles Xavier de la saga X-Men, ha fallecido este miércoles a los 86 años en su casa en Los Ángeles. La noticia ha sido confirmada por su representante este jueves, quien ha señalado que el actor británico atravesó un breve y conmovedor proceso con la enfermedad de Alzheimer y de demencia con cuerpos de Lewy”.

Nacido en Inglaterra en 1940, el actor se formó en la Bristol Old Vic Theatre School e se incorporó a la prestigiosa Royal Shakespeare Company, donde interpretó numerosas obras del dramaturgo inglés. Su recorrido fue tal que en 2010, la reina Isabel II le otorgó el título de caballero por sus contribuciones a este arte. “Para mí, los caballeros del teatro representaban no solo la cúspide de la profesión, sino también el prestigio en que se tenía a dicha profesión”, dijo tras enterarse del galardón.

Sin embargo, el reconocimiento internacional no le llegó hasta finales de los años ochenta, cuando, con 47 años, se convirtió en el capitán Jean-Luc Picard de Star Trek: La nueva generación (1987-1994), así como en varias películas de la franquicia. En los 2000. dio vida al profesor Charles Xavier en la saga X-Men, que lo consagró como uno de los rostros más reconocibles del cine de superhéroes. Participó en una decena de cintas, la última Logan (2017), donde coincidió con la actriz hispanobritánica Dafne Keen. Vinculándose al Universo Cinematrográfico de Marvel, Steart recuperó al personaje en Doctor Strange en el multiverso de la locura (2022), papel que volverá a retomar este 18 de diciembre, con el estreno de Vengadores: Doomsday.

Una película sobre la Guerra Civil emitida ocho meses después de la muerte de Franco

Pero mucho antes de convertirse en uno de los grandes iconos de la ciencia ficción, Patrick Stewart interpretó a una figura clave de la historia de España: Francisco Largo Caballero, dirigente socialista y presidente del Gobierno de la Segunda República durante la Guerra Civil. Fue en 1976 cuando el británico participó en The Madness: Scenes from the Spanish Civil War, una producción de la BBC que reconstruía algunos de los episodios del conflicto español y que se emitió cuando apenas habían transcurrido ocho meses desde la muerte de Franco.

Dirigida por James Cellan Jones y escrita por John Elliot, la película, de 85 minutos de duración, se emitió el 21 de julio de 1976 en BBC Two, coincidiendo con el 40º aniversario del estallido de la Guerra Civil. A través de una reconstrucción dramatizada del conflicto, la producción reunía a algunas de sus principales figuras políticas y militares. Junto a Stewart, Zena Walker interpretó a la dirigente del Partido Comunista Dolores Ibárruri ‘La Pasionaria’; Bill Fraser encarnó al socialista Indalecio Prieto; y Clifford Rose dio vida al general Emilio Mola, uno de los principales responsables del golpe militar que tuvo lugar el 17 de julio de 1936.

Charli XCX (Charlotte Emma Aitchison; Cambridge, 1992) ha dejado claro que lo que más le apasiona en el mundo es la música, el cine y la moda. Muestra de ello es, literalmente, el título de su último álbum: Music, Fashion, Film, publicado en julio. La portada habla por sí sola: una foto en blanco y negro con John Cale, miembro del grupo de rock The Velvet Underground, fundado a mediados de los 60; el diseñador de moda Marc Jacobs y, por último, el cineasta Martin Scorsese.

Y aunque la música ha sido su principal ocupación durante más de una década —su álbum debut llegó en 2013—, ha comenzado a hacerse un hueco en la industria del cine. Este 2026 ya lleva varios estrenos: en el Festival de Cine de Berlín The Moment, un mockumentary donde se mofa de sí misma y su brat summer; compuso su primera banda sonora al completo, la de la particular versión de Cumbres borrascosas, de Emerald Fennell. El 4 de diciembre llegará a España I want your sex, del estadounidense Gregg Araki, y cuya cinta lideran Olivia Wilde y Cooper Hoffman. Sin embargo, su debut en la interpretación llegó el año pasado: Erupcja, protagonizada por la cantante y dirigida por el cineasta estadounidense Pete Ohs, está disponible en Filmin desde el pasado 23 de octubre.

La película sigue a Bethany (Charli XCX), una joven que viaja a Varsovia junto a su pareja, Rob (Will Madden), con quien tiene previsto casarse. Pero sus vacaciones dan un giro cuando una erupción volcánica les impide continuar con sus planes y los deja atrapados en la capital polaca. Tras esto, Bethany decide reencontrarse con Nel (Lena Góra), una amiga de la infancia, con la que comenzará a replantearse toda su relación. Porque erupcja no solo es la palabra polaca para “erupción”, sino también la palabra que describe una “expresión o liberación repentina e intensa de emoción, temperamento o violencia”.

“Domina la acción con una astucia clásica”

La cinta se rodó en Varsovia durante el verano de 2024, en pleno fenómeno mundial de brat. “La manera en la que [Pete Ohs] hablaba de hacer sus películas me recordaba a la de crear un álbum”, explicó la cantante en una entrevista concedida a Variety en octubre de 2024. “Nuestros procesos creativos parecían estar conectados de alguna manera y me pareció adecuado y emocionante explorar algún tipo de colaboración”.

La artista también reconoció que aquella experiencia había sido completamente diferente a cualquier otro proyecto en el que había participado. “Reunirnos, escribir todos los días y rodar inmediatamente lo que habíamos escrito fue una experiencia muy inmersiva. En cierto modo, era casi como hacer teatro”, aseguró durante un coloquio celebrado en Londres el pasado mes de junio. “Fue muy espontáneo e inspirador. Espero que esta película anime a otras personas a coger una cámara y trabajar con sus amigos”, añadió.

Estrenada en el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF) el año pasado, Erupcja le encantó a la crítica. La película cuenta con un 82% de valoraciones positivas en Rotten Tomatoes, cuyo portal destaca la interpretación de Charli XCX y describe como un drama “genuino y contemplativo”. The Hollywood Reporter alabó la cinta asegurando que “Pete Ohs yuxtapone la naturaleza tranquila de la narración con una narración directa que le da a la película una cualidad novelística”, mientras que The New Yorker elogió a la cantante: “Domina la acción con una astucia clásica, y su interpretación, enérgica pero serena, demuestra una gran comprensión de que la actuación en el cine favorece el mínimo esfuerzo”.

La Junta Electoral Central (JEC) ha abierto este jueves un nuevo expediente sancionador al presidente del Gobierno y candidato del PSOE a la reelección, Pedro Sánchez, por el vídeo publicado en redes sociales el pasado 24 de octubre junto al Guernica, de Pablo Picasso, en el interior del Museo Reina Sofía. En el citado video, Sánchez defendió el ‘No a la guerra’ ante el cuadro que el autor pintó para reflejar el horror del bombardeo ocurrido en la localidad vasca durante la Guerra Civil española por parte de la Legión Cóndor alemana y la Aviación Legionaria italiana.

Denunciado por el Partido Popular, el partido alega que Sánchez realiza ante el cuadro “un balance de la actuación de su Gobierno en materia de política internacional, contraponiendo sus decisiones a las adoptadas por otros”. Por este motivo, la Junta considera que Sánchez podría haber vulnerado los artículos 50.2 y 53 de la Ley Orgánica del Régimen Electoral General (LOREG), relativos a la “neutralidad institucional” y a las limitaciones sobre la utilización gratuita de medios públicos con fines electorales. Por ello, además de abrirle un expediente sancionador, le ha requerido que retire el vídeo de los perfiles en redes sociales. Este ya no se encuentra disponible.

En su escrito, la defensa de Sánchez sostiene que el vídeo constituye “una reflexión sobre la posición de España en materia de política internacional, la defensa del multilateralismo, la solución pacífica de los conflictos y el respeto de los derechos humanos”. Asimismo, asegura que no contiene mensajes electorales, peticiones de voto ni descalificaciones a otras formaciones políticas.

De la misma manera, alegan que la utilización del Museo Reina Sofía no es competencia de la Junta Electoral Central y que su acceso y funcionamiento “se produjo conforme a sus normas de funcionamiento, sin ocasionar gastos extraordinarios ni restringir el acceso de los ciudadanos”.

Sin embargo, la JEC considera que el presidente del Gobierno aprovechó las facilidades y los medios públicos puestos a su disposición por razón de su cargo para grabar un vídeo que contiene referencias favorables a la gestión de su Ejecutivo. Así lo sostiene el organismo después de examinar un informe remitido por el director del Museo Reina Sofía el pasado 27 de octubre, en el que se aclara que la Presidencia del Gobierno no solicitó permiso para realizar una grabación, sino una visita institucional a la colección y, en particular, a la sala donde se expone el Guernica.

“La visita recibió el tratamiento reservado a las visitas protocolarias institucionales, que pueden realizarse fuera del horario de apertura al público por jefes de Estado y de Gobierno, autoridades y otras personalidades públicas. Por este motivo, no se tramitó una autorización de utilización de espacios, ni se practicó liquidación de tasa alguna, al considerar el Museo que no se había producido una cesión de espacios sujeta a dicha normativa”, escriben. Aunque el museo señala que no fue necesario contratar servicios extraordinarios ni restringir el acceso al público, la Junta considera que estas circunstancias no excluyen una posible infracción electoral.

Las declaraciones de Sánchez ante el ‘Guernica’

En cuanto al contenido del vídeo, la JEC sostiene que Sánchez sí realizó un balance favorable de las decisiones adoptadas por su Gobierno. “Cuando unos apostaban por las bombas, nosotros dijimos no a la guerra”, afirmó el presidente, que también reivindicó su negativa a elevar el gasto militar al 5% del PIB y la denuncia del “genocidio del pueblo palestino en Gaza”. El organismo electoral considera que estas manifestaciones “exceden de la exposición de principios generales de política internacional”, al incorporar valoraciones favorables de determinadas actuaciones gubernamentales y contraponerlas a las posiciones de otros actores políticos.

La Junta subraya que la ausencia de una petición expresa de voto o de referencias a otros partidos no impide apreciar una posible vulneración de la legislación electoral. Tampoco considera relevante que el vídeo se difundiera exclusivamente a través de las cuentas personales de Sánchez y no mediante los canales institucionales de la Presidencia del Gobierno.

Por todo ello, la JEC ha estimado la denuncia del Partido Popular, ha ordenado la retirada del vídeo y ha abierto un expediente sancionador al presidente. Este es el sexto expediente sancionador de Sánchez y el segundo que se le abre en este periodo electoral. El primero se tramitó tras la rueda de prensa que ofreció en la Moncloa el pasado 6 de octubre, después del Consejo de Ministros que aprobó los dos decretos ley sobre vivienda que habían sido derogados la semana anterior por el Congreso.

Karra Elejalde (Vitoria, 1960) sabe bien lo que es vivir bajo una dictadura. El actor, ganador de dos premios Goya, es hijo de una mujer republicana y atea, de un padre nacionalista y católico y nieto de un militar fusilado en 1942. Una historia familiar que tuvo gran impacto durante su infancia, especialmente cuando Francisco Franco regía España. Y así lo ha recordado Elejalde con motivo de la promoción de Arriba Tutto, el largometraje debut del humorista José Mota, una tragicomedia en la que se reivindica, como lleva haciendo décadas Mota, la comedia y el humor.

Precisamente, durante una conversación con el medio Entefocos, el protagonista de Ocho apellidos vascos ha reflexionado sobre la falta de libertades durante el franquismo y la creciente idealización de esta época por parte de jóvenes. Uno de cada cinco españoles de entre 18 y 24 años califica el régimen de Franco como “bueno” o “muy bueno”. “Los que tengan 50 años, no conocieron vivir con Franco”, ha comenzado explicando el actor, que tenía 15 años cuando murió el dictador, el 20 de noviembre de 1975.

“Yo sé lo que es besarse en Vitoria, en el parque de la Florida, cuando yo tenía 16 años, y que venga la Policía y diga: ‘¿Qué estás haciendo?’”, ha relatado, para proseguir con la conocida como Ley de Vagos y Maleantes y recordando la falta de libertad de reunión. “Sé lo que era no poder ir más de tres en la calle. No había libertad de reunión”, ha señalado, antes de poner como ejemplo las sociedades gastronómicas privadas del País Vasco. “En Euskadi nos gusta mucho tener un txoko gastronómico, pero no te podías juntar 24 personas. Tenías que entrar de uno en uno, a escondidas, hacer la cena y luego irte de uno en uno a casa”, ha añadido.

“Chavalote, espabila”

Más allá de las restricciones que recuerda de su juventud, Elejalde ha querido poner el foco en la imagen idealizada del franquismo que se está transmitiendo a las generaciones que no vivieron la dictadura. El pasado 12 de octubre, tras el desfile de la Fiesta Nacional en las inmediaciones de la Puerta del Sol, decenas de jóvenes se presentaron con el brazo en alto y cantando el Cara al sol con el objetivo de “reventar” la acampada por la vivienda.

El actor ha cuestionado que los “recuerdos familiares” puedan convertirse en una referencia para valorar los duros años del franquismo y su posteridad. “Al abuelito se le quiere mucho. Y mi abuelo dice: ‘Con Franco vivimos mejor’. Y dices: ‘Ay, bonito’”, ha ironizado. “Eso se está imponiendo, que yo hago caso porque mi abuelito me daba la paga el domingo, me llevaba al circo y mi abuelito, vamos, tiene razón”, ha continuado. chavalote, espabila, porque cualquier tiempo pasado nunca fue mejor. Nunca fue mejor, la verdad que no”, ha finalizado.

Una de las mujeres que mejor expresó la desesperación fue Sylvia Plath (Boston, 1932 - Londres, 1963). La poeta y autora de La campana de cristal y la primera en recibir un Premio Pulitzer a título póstumo se suicidó unas semanas después de publicar una novela semiautobiográfica, que en un principio se publicó bajo el pseudónimo de Victoria Lucas. A través de sus poemas, Path le habló al mundo de su salud mental.

La autora tuvo una vida marcada por la depresión, por la que fue tratada con electroshocks. Hija de profesores universitarios, fue una niña sumamente perfeccionista, influida por la estricta educación que recibió y por la influencia de su padre. Cuando publicó su primer poema con ocho años, en 1941, para la sección infantil del periódico The Boston Herald, tuvo claro que la escritura era su pasión.

En 1950 ingresó en el prestigioso Smith College y tres años después, tras ganar un concurso literario, consiguió una plaza como “editora invitada” en la revista Mademoiselle en Nueva York. Lo que parecía un verano de ensueño terminó acabando fatal. En otoño intentó suicidarse por primera vez, algo que terminó retratando en La campana de cristal. La propia autora la describió como una obra autobiográfica que necesitaba escribir para “liberarse del pasado”. Fue publicada en Reino Unido el 14 de enero de 1963, menos de un mes antes de su muerte.

Más allá de mirarse al espejo

Pero escribir desde la propia vida no significaba limitarse a contarla. “¿Tus poemas tienden ahora a surgir de los libros en lugar de tu propia vida?”, le preguntó el crítico Peter Orr en 1962. La escritora defendió que las experiencias más extremas debían pasar por un proceso de elaboración antes de convertirse en literatura. “Mis poemas surgen inmediatamente de las experiencias sensoriales y emocionales que tengo, pero debo decir que no puedo simpatizar con esos gritos del corazón que no están informados excepto por una aguja o un cuchillo, o lo que sea. Creo que la experiencia personal es muy importante, pero ciertamente no debería ser una especie de caja cerrada y mirarse en un espejo, una experiencia narcisista. Creo que debería ser relevante, y relevante para las cosas más grandes, las cosas más grandes como Hiroshima y Dachau y demás”, añadió.

Plath se casó con el poeta Ted Hughes en 1956, con el que tuvo dos hijos. Su separación, que llegó seis años después, la llevó a una profunda depresión que a su vez coincidió con una etapa de enorme intensidad creativa: durante el otoño y el invierno de 1962 escribió buena parte de los poemas que después formarían Ariel.

Plath murió el 11 de febrero de 1963, con solo 30 años. Tras su muerte, Hughes se convirtió en el albacea de su legado literario y se encargó de editar y publicar buena parte de la obra que había dejado inédita. Ariel apareció en 1965, en una selección y orden distintos a los que Plath había preparado originalmente, mientras que The Collected Poems, editado también por Hughes y publicado en 1981, recibió al año siguiente el Premio Pulitzer de Poesía. Plath se convirtió así en la primera poeta en recibir el galardón a título póstumo.

Woody Allen (Nueva York, 1935) cumple 91 años este 30 de noviembre y, al menos por ahora, no parece dispuesto a jubilarse. El polémico director estadounidense se encuentra desde principios de octubre en Madrid rodando su película número 51, una comedia romántica ambientada en el mundo diplomático que pasará durante seis semanas por más de treinta localizaciones de la región. El Ayuntamiento y la Comunidad Autónoma de Madrid han financiado la cinta con 1,5 millones de euros cada uno. En total, tres millones de euros para “promocionar” Madrid como destino turístico, según figura en los contratos.

El proyecto supone además el regreso de Allen al cine después de que en 2023, tras estrenar Golpe de suerte, asegurara que quería retirarse porque hacer películas se había vuelto “agotador”. La jubilación, sin embargo, ha durado poco. “No me quiero retirar del cine aún”, aseguró el pasado 1 de octubre, durante la presentación del proyecto que contó con José Luis Martínez Almeida e Isabel Díaz Ayuso, y donde definió la capital como el escenario “perfecto” para una historia con “romance, intriga e infidelidad”. Tampoco es la primera vez que España se convierte en escenario de una de sus películas. Será la tercera después de Vicky Cristina Barcelona (2008), rodada en Barcelona y Asturias, y Rifkin’s Festival (2020), ambientada en el Festival de San Sebastián.

La financiación de la película volvió a poner encima de la mesa el dinero que destinan las arcas públicas madrileñas, y más teniendo en cuenta que el presupuesto del gobierno de Ayuso este 2026 para ayudas a la producción de largometrajes es en total de tres millones de euros.

Una financiación con polémica

El dinero, precisamente, es una cuestión sobre la que Allen reflexionó hace más de dos décadas. En 2002, al recoger el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, el cineasta comparó el Hollywood con el que había crecido con el cine europeo que descubrió después de la Segunda Guerra Mundial. Así, recordó que Fellini, Buñuel, Kurosawa, Bergman, De Sica o Truffaut le hicieron descubrir que una película podía ser algo más que entretenimiento: “Enseguida nos dimos cuenta del potencial que tenía el cine para convertirse en una forma de arte”, dijo.

Su diagnóstico sobre la industria estadounidense de aquel momento fue bastante menos amable. “Actualmente, los Estados Unidos han entrado en un periodo poco creativo en cuanto al cine. Los estudios conciben sus proyectos para hacer dinero”, afirmó, antes de lamentar que muchas producciones estuvieran destinadas al “más bajo denominador común” y que la tecnología hubiera terminado imponiéndose sobre las historias. “El elemento humano se ha perdido por completo”, sentenció.

Allen fue todavía más gráfico al hablar de las cifras que movía Hollywood: “Se gastan cientos de millones y se pierden cientos de millones en un fin de semana. Se gastan más dinero en publicidad en una película que todo el dinero que Buñuel se gastó en toda su vida haciendo películas. La situación se ha desmadrado por completo”, añadió, para concluir: “Espero que los europeos sigan liderándonos y guiándonos en nuestro camino, porque al final de Estados Unidos no nos está llegando nada”.

Milo Quifes, o mejor dicho, su personaje, Carlos, está borracho en una taberna. Es Granada, 1932. La bola negra, la última película de Los Javis, ha empezado hace un rato mientras el personaje de Quifes tiene una presión enorme que se le agalopa en su propio pecho. Es homosexual. Lo sabe el joven y lo intuye casi toda la ciudad. Por eso no es de extrañar que, pese a su insistencia para formar parte del Casino de Granada, le hayan otorgado una “bola negra”.

De vuelta a la taberna, Carlos baila y se entrega. La cámara le sigue; se tambalea hasta llegar a la cantaora: “Si algún día yo a ti te llamara / Y tú no vinieras (...) La muerte amarga / La muerte amarga, compañerita mía / yo la apeteciera”. Le toca la cara para reconfortarle mientras canta. Ella es María Terremoto (María Fernández Benítez; Jerez de la Frontera, 1999), la mujer de 27 años, heredera del clan de cantaores Terremoto.

“La mayoría de la gente me dice que para ellos es la mejor escena de la película y la que más les ha llegado”, cuenta en una entrevista con Infobae España. No solo lo dice ella o quienes la escriben. También los miles de comentarios que inundan las redes sociales desde que en mayo, coincidiendo con el Festival de Cannes —donde se presentó la cinta y donde Los Javis ganaron Mejor Dirección— se compartió un clip de dicha escena de apenas un minuto y medio de duración. Durante el torpe baile de Carlos, una de las bailaoras le entrega una bola de billar blanca. Es la aceptación de sí mismo.

Ahí es donde entra la voz de María en la Seguiriya de los valientes. Fue el compositor y músico Raül Refree el que apostó primero por ella, y segundo porque el tema a interpretar fuera una seguiriya, “un palo del flamenco que está asociado a la pena, al dolor, a la fatiga, a la angustia. Y es un momento de catarsis“. La letra, que habla de una ausencia tan insoportable que lleva a desear la muerte, también conecta con otro de los personajes de la historia, interpretado por Mona Martínez, que le confiesa a Carlos que ha perdido a su hijo. ”Creo que le venía como anillo al dedo".

Una vez hecha la composición, que surgió en casa de Los Javis, quedaba llegar a plató. “Estaba nerviosa porque, al final, es un terreno que yo no controlo, aunque lo que haga sea cantar y recitar y a mí me encante interpretar”. “Para mí no fue incómodo, o sea, al revés, fue muy guay y ellos son muy cariñosos y maravillosos, la verdad”. A esto había que sumarle que Milo Quifes no había bailado nunca.

La cantaora había ensayado la secuencia apenas un día antes, pero sin el actor, a quien ni siquiera conocía. “No sabía que esa escena era con Milo, no tenía ni idea”, confiesa. Cuando llegó al rodaje, la taberna ya estaba ambientada y el equipo llevaba varios días preparando la coreografía bajo la dirección de Belén Martí Lluch, que ya trabajó en La Mesías o Mariliendre, serie que corre a cargo de Suma Content, la productora de los cineastas. Sin embargo, una vez que empezó a sonar la música, todo fluyó con naturalidad. “Allí había una energía y un aura que no te lo puedo describir. Era como que se respiraba magia”, asegura. “Fue muy bonito trabajar con Milo. Me parece una persona maravillosa y un pedazo de actor. A mí también me lo puso muy fácil”.

Lorca, fiel compañero: “Dejó una escuela para aprender a ser libre”

Antes de comenzar la seguiriya, Terremoto recita un fragmento de Yerma, una de las tragedias más conocidas de Federico García Lorca, para el que los directores sí que le dieron indicaciones sobre cómo interpretar. “Aunque no esté ahí [en la película] su figura presente todo el tiempo, es que se respira Lorca. Se respira en todo”, asegura la cantaora sobre la cinta de Los Javis, cuyo poeta entronca las tres líneas temporales que forman la cinta.

Su admiración por el autor se remonta a su infancia, cuando tenía apenas seis años, cuando descubrió Bodas de sangre en el colegio. “Con esa edad tampoco es que entiendas muy bien el concepto de esa obra, pero a mí me maravilló”, recuerda. Romancero gitano, el Zorongo y Sonetos del amor oscuro son algunas de las obras que menciona mientras habla de él. “Es que se me pone la piel de punta, porque me encanta”, confiesa, en quien también se ha inspirado para algunos de sus temas, como Indomable, una colaboración con el zaragozano Juano Bona que reinterpreta y adapta libremente Zorongo Gitano.

El impulso artístico que el granadino ha cogido en los últimos años se aprecia en el cine —también en la literatura y en la música—, no solo con La bola negra, sino también con el documental La voz quebrada, estrenado hace unas semanas, o Enlorquecido: Solo el misterio nos hace vivir; el homenaje del cantaor Miguel Poveda también en formato documental.

“Yo creo que él vino al mundo con un cometido en la vida, que no solo era dejarnos un legado literario inmenso y una fuente inagotable de su poesía. También vino con el propósito de, en tiempos donde escaseaba la libertad, los derechos de las mujeres, de las personas homosexuales, de los gitanos, de cambiar la forma de ver las cosas”, reflexiona. ”Creo que dejó una escuela para aprender a ser libre, a ser feliz, a amar, a querer, a sentir y a ver la vida de la manera que tú quieras. En aquella época hubo personas que sufrieron hambruna, asesinatos, discriminación, marginación y torturas. Me parece una aberración lo que se hacía. Y Lorca vino a romper con todo eso, hasta el punto de su muerte", reivindica. “Yo creo que todo el que le descubre abre una puerta interna dentro de él. Para mí es como un ser celestial, un estandarte de la libertad y de la literatura”, asegura. “Él amaba el flamenco, y al flamenco le ha dado mucho y le ha regalado mucho. Para mí sigue vivo. Que después de tantísimos años siga presente en los corazones de tanta gente me parece brutal”.

Coincidiendo con el estreno de La bola negra en Estados Unidos —llegó el pasado 16 de octubre—, la jerezana cree que esto solo servirá para exandir la figura de Lorca. “Me pone muy feliz que el habla hispana llegue allí y se vea la película en español. Creo que se merecen sentirla de verdad, con la respiración, con la tos que le entra al actor en un momento concreto, con cada detalle. Tienen que vivir la película”, reivindica.

Y pese a que en España la cinta va por su sexta semana en cines —superando los 31 millones de euros recaudados—, la cantaora no pudo verla hasta hace apenas unos días. La experiencia la dejó completamente sobrepasada. “Salí con los ojos de haberme hartado de llorar, consternada. No quería hablar de la película ni de nada. Me quería tomar una tila y acostarme”, recuerda. Verse en la gran pantalla también fue toda una experiencia: “No quería que me mirara nadie. Pensaba: ‘¿Soy yo? Estoy en el cine’“. Y pese a que quiere que haya una próxima vez, por ahora está dando forma a su próximo disco, para el que no quiere ponerse plazos. ”Quiero que esté muy cuidadito, que sea un disco muy bien tratado. Aunque no le guste al que lo escuche, por lo menos que diga que está impoluto“, explica. Y advierte: “Creo que la gente no se lo espera y que va a impactar mucho, sobre todo al sector flamenco, pero me da igual. Yo quiero que se enteren de lo que vale un peine”.

Aitana (Sant Climent de Llobregat, 1999) no solo tiene una, sino dos puertas abiertas sobre el futuro de su música mientras continúa con su gira Cuarto Azul World Tour, que próximamente hará escala en Estados Unidos. La cantante catalana ha adelantado algunos detalles de sus próximos proyectos musicales en una entrevista concedida a GQ, en la que también ha abordado cuestiones que van más allá de lo musical, como la crisis de la vivienda, su patrimonio inmobiliario o incluso el pago de impuestos en España.

Si hace un año y medio Aitana revelaba en La Revuelta que tenía “cuatro casas”, dos de ellas alquiladas, ha rechazado no solo especular con la vivienda, sino también la posibilidad de trasladar su residencia fiscal al extranjero para pagar menos impuestos. “En su momento me compré una casa en Miami para poder trabajar allí, pero tributando siempre en España, porque también dicen que a las personas que ganan más, hay que freírlas a impuestos. Y estoy completamente de acuerdo”, ha afirmado. Yo te aseguro que la mitad de mis ingresos se van a Hacienda y eso nunca lo voy a cambiar. Nunca me vas a escuchar quejarme de eso. Entiendo que tengo un privilegio por ganar dinero con las cosas que hago".

La cantante, que se encuentra entre las artistas españolas con mayor proyección internacional, también ha reivindicado la importancia de contribuir a la financiación de los servicios públicos. “Se entiende que con ese dinero se paga a médicos, bomberos, profesores…“, ha afirmado el periodista Sebas E. Alonso. “Si esa mitad de mis ingresos va para eso, pues ya está”.

“No voy a buscar estrategias para irme a Andorra ni tampoco excusas para mudarme a Miami”

Cuando en octubre de 2024 se conoció que Aitana se había comprado una casa en el estado de Florida por 1,4 millones de euros, no tardaron en llegar las críticas. Según aseguró la revista Semana, la cantante abandonaba España para poner rumbo a las Américas de manera definitiva. Algo que ella misma tuvo que desmentir. “Cuando se criticó que yo tuviera una casa en Miami tuve que salir a decir: ‘No, yo tributo en España. Mi casa en Miami es únicamente para trabajar y pasar temporadas, pero siempre dentro del límite de días porque yo voy a pagar mis impuestos aquí, en España’”, ha vuelto a recordar.

De la misma manera, ha querido marcar distancia sobre tributar fuera. “No voy a buscar estrategias para irme a Andorra ni tampoco excusas para mudarme a Miami”, en referencia a dos destinos que han protagonizado el debate sobre la tributación de artistas y creadores de contenido españoles. “No sé si esto en un futuro cambiará, pero la verdad es que yo soy muy feliz en mi país”, ha concluido.

Aitana también ha lamentado que su silencio ante determinadas polémicas haya contribuido a construir una imagen pública con la que no se identifica. “Muchas veces, por el hecho de haberme callado, se crea una imagen de mí que no es real. Pienso: ‘Tío, no tienes ni idea’. Eso me da mucha rabia”, ha reconocido, para además hacer autocrítica: “He hecho cosas mal, pues claro, un montón. Y gracias a eso he podido aprender mucho”.

Noviembre está a la vuelta de la esquina y, con él, arranca la temporada de premios cinematográficos en Estados Unidos. Los Gotham Awards, los galardones que reconocen anualmente lo mejor del cine independiente, serán los encargados de dar el pistoletazo de salida a una temporada que augura alguna que otra posibilidad para el cine español. Si ya hace unas semanas se anunció que La bola negra contará con Gotham Vanguard Tribute, un homenaje a la película y a su equipo, este martes se ha conocido que la cinta dirigida por Javier Calvo y Javier Ambrossi aspira a otros dos premios: el del Público y el de Mejor interpretación revelación, al que opta Guitarricadelafuente por su debut como actor.

Y no será todo para La bola negra. Penélope Cruz, que también forma parte del reparto de la película de Los Javis, está nominada a Mejor interpretación de reparto por La invitación, la nueva película de Olivia Wilde y remake de la española Sentimental, de Cesc Gay, que también compite en las categorías de Mejor película, Mejor guion adaptado y Premio del Público.

El camino de ‘La bola negra’ hacia los Oscar

La 36.ª edición de los premios se celebrará el próximo 30 de noviembre en el Cipriani Wall Street de Nueva York. La ceremonia es una de las primeras grandes citas del calendario de los premios estadounidenses, que culminará el 14 de marzo de 2027 con la entrega de los Oscar.

En el caso de Guitarricadelafuente, su nominación supone un nuevo reconocimiento a su primera incursión en la interpretación, por la que el pasado 1 de octubre ya se hizo con el Discovery en el SCAD Savannah Film Festival. El cantante, que da vida a Sebastián, competirá en esta ocasión por el premio a la Mejor interpretación revelación con Adia, por Your Mother Your Mother Your Mother; India Amarteifio, por Clarissa; Colas Quignard, por La Gradiva; y Mason Reeves, por Josephine. Como ocurre con el resto de categorías interpretativas de los Gotham, el galardón no distingue entre actores y actrices.

En el caso de Cruz, que en 2008 recibió el mismo premio de Honor que recibe ahora La bola negra, también ganó el premio al Mejor Reparto junto a Scarlett Johansson, Rebecca Hall y Javier Bardem por Vicky Cristina Barcelona, de Woody Allen. En esta ocasión, la actriz española competirá por el premio a Mejor interpretación de reparto con Adam Driver (Paper Tiger), Andrew Garfield (Artificial), Sandra Hüller (Fatherland), Channing Tatum (Josephine), Tom Courtenay (Queen at Sea), Esmé Creed-Miles (Sentido y sensibilidad), Skyler Gisondo (Primetime), Kate O’Flynn (Tender Loving Care) y Tao Okamoto (All of a Sudden).

Aunque estas nominaciones suponen un nuevo impulso para el cine español en Estados Unidos, no garantizan ni permiten anticipar una candidatura a los Oscar, ya que los Gotham Awards y la Academia de Hollywood cuentan con sistemas de votación y criterios de selección diferentes. La siguiente fecha clave para La bola negra, elegida para representar a España en la categoría de Mejor película internacional, llegará el 15 de diciembre, cuando se anuncien las shortlists de los Oscar. Si supera ese primer corte, tendrá que esperar hasta el 21 de enero de 2027 para saber si consigue una de las cinco nominaciones definitivas. Ese mismo día se conocerá si finalmente consigue nominación en la categoría de Mejor película —a secas—, como dictan las apuestas, al que puede optar independientemente de su candidatura internacional. La carrera culminará el 14 de marzo, con la celebración de la 99.ª edición de los premios de la Academia.

Para hablar de los premios que tiene Francis Ford Coppola (Detroit, 1939) es casi más fácil hacerlo de los que le faltan. El director estadounidense, autor de algunas de las películas más importantes del siglo XX, desde El padrino (1972) y El padrino II (1974) hasta La conversación (1974) o Apocalypse Now (1979), acumula cinco Oscar, seis Globos de Oro, dos Palmas de Oro y un BAFTA. Incluso, una Concha de Oro en el Festival de San Sebastián por Llueve sobre mi corazón, en 1969. A esa colección de galardones se le sumó en 2015 el Premio Princesa de Asturias de las Artes. El jurado destacó entonces su “independencia emprendedora y creativa” y una trayectoria que había ejercido una “decisiva influencia en la transformación y renovación de la industria y el arte cinematográficos”.

Precisamente durante su discurso en Oviedo, el cineasta reflexionó sobre el valor del arte y la incapacidad de este para influir en los horrores del mundo. “Algo que he notado durante el entusiasmo de este honor de Asturias: el supuesto de que un director de cine, y la fama que trae consigo, es capaz de usar el cine para resolver los problemas del mundo”, dijo a mitad del discurso. “¡Ojalá que fuera así, pero, desafortunadamente, no ostento tal poder! Puede que un día sea capaz el cine de realizar tales milagros, pero, de momento, es como Prometeo, atado por las cadenas del “mercantilismo”, controlado y neutralizado en el nombre de los beneficios exentos de riesgo".

El cine frente al mercantilismo

De la misma manera, el también guionista y productor, defendió que el arte puede servir también para entretener, una postura que su generación, en la que encajó a cineastas como Ingmar Bergman, Akira Kurosawa, Federico Fellini, Roberto Rossellini y Luis Buñuel, defendía: “Nosotros sentíamos que sí, sin duda. Esto siempre ha sido el objetivo”. Sin embargo, tal y como expresó el cineasta, el cine, estaba cambiando gracias a la tecnología, algo que una década después se ha acentuado gracias a la inteligencia artificial.

Lejos de ver esos avances como una amenaza, el productor afirmó entenderlos como una oportunidad. “Toda arte interpretativa es una creación y un subproducto de la tecnología”, dijo. “Esta es la emoción verdadera de la especie humana; que cada generación de niños pueda correr más rápidamente, saltar más alto, tocar instrumentos musicales con una excelencia técnica asombrosa y soñar con expresiones cinematográficas nuevas que ni siquiera podemos sospechar”.

Esa defensa del riesgo creativo ha seguido marcando su carrera. Después de décadas intentando sacar adelante Megalopolis, Coppola decidió financiar personalmente la película con unos 120 millones de dólares y mantener la propiedad del proyecto, precisamente para poder realizarlo al margen de las fórmulas comerciales habituales. Estrenada en Cannes en 2024, la cinta llevó hasta el extremo esa voluntad de experimentar que ya reivindicaba en Oviedo casi una década antes. Aquel discurso de casi ocho minutos terminó, además, con una cita de Miguel de Cervantes, perteneciente a la segunda parte de El Quijote.