Dietro lo spettacolo di Ballando con le Stelle c’è un’organizzazione complessa, fatta di professionalità, intuizioni e lavoro di squadra. A raccontarla è Luca Alcini, storico regista del programma, che ogni sabato sera coordina una macchina televisiva in cui preparazione e improvvisazione devono convivere. Nel dialogo con Milly Carlucci, nella cura delle esibizioni e nella gestione degli imprevisti, emerge un mestiere che richiede esperienza, rapidità e sensibilità. In questa intervista Alcini ripercorre i momenti più significativi della sua esperienza, svela i segreti della trasmissione e riflette sul potere delle immagini nel raccontare la danza e le emozioni dei protagonisti.

Quali sono le principali sfide che deve affrontare un regista alla guida di una macchina televisiva complessa?

Ballando con le Stelle è una delle macchine televisive più complesse. La prima sfida consiste nel saper interpretare linguaggi e stili di ripresa differenti. C’è il momento del ballo, che richiede una documentazione rigorosa di ciò che accade in pista, trasformandola al tempo stesso in uno spettacolo visivamente coinvolgente. C’è poi il talk, dove tutto è imprevedibile: non sai chi prenderà la parola, quando interverrà o come si comporterà. In quel caso la regia deve essere istintiva e immediata. Un altro elemento fondamentale sono le intro, brevi cortometraggi che precedono le esibizioni e introducono il racconto del ballo. Anche queste richiedono un linguaggio specifico e la capacità di trasformare pochi secondi in una narrazione televisiva efficace. C’è poi un principio al quale tengo particolarmente: la regia deve rimanere un passo indietro rispetto al prodotto. Non deve diventare una dimostrazione di bravura tecnica, né prevalere con continui cambi di telecamera. È al servizio dello spettacolo e deve fare in modo che nulla vada perduto di ciò che coreografi e concorrenti hanno costruito. A volte bisogna avere il coraggio di privilegiare un’inquadratura meno spettacolare, ma più importante per il racconto, rispetto alla pura estetica. Infine, c’è la sfida del ritmo. Ballando è una diretta molto lunga, che può protrarsi dalle 21.30 fino all’1.40 di notte. Mantenere per tante ore precisione, attenzione e fluidità narrativa richiede un notevole sforzo anche psicofisico. La difficoltà è impedire che il trascorrere del tempo finisca per compromettere il ritmo e la qualità della trasmissione.

Il rapporto professionale con Milly Carlucci è fondato su un confronto costante. Come si conciliano la visione artistica, le esigenze televisive e la necessità di gestire l’imprevedibilità della diretta?

Il dialogo con Milly è articolato e continuo. Siamo entrambi perfezionisti e, talvolta, le nostre volontà si sovrappongono, ma negli anni abbiamo costruito un’intesa sempre più solida. È un autentico lavoro di squadra: Milly è la direttrice artistica e il confronto sulla costruzione dello spettacolo avviene soprattutto durante le prove, quando valutiamo le diverse possibilità fino a raggiungere una decisione condivisa. La sfida è conciliare le esigenze artistiche con quelle televisive. A volte maestri e concorrenti propongono idee bellissime, magari ispirate a sequenze cinematografiche, ma la televisione ha un linguaggio e precisi limiti tecnici. Il nostro compito è trovare ogni volta il giusto equilibrio. Cerchiamo di pianificare tutto ciò che è possibile: dalle coreografie alla consulenza musicale, fino alla sequenza delle inquadrature e all’organizzazione delle telecamere. Ma siamo in diretta e non possiamo tornare indietro. Per questo dobbiamo essere pronti a cambiare programma in qualsiasi momento, se interviene un imprevisto. La componente più imprevedibile è il talk: il confronto tra giuria e concorrenti, le reazioni e le dinamiche che nascono dopo ogni esibizione. Nulla è provato in anticipo. Non possiamo sapere chi prenderà la parola, quali movimenti farà o se un giudice si alzerà improvvisamente dal bancone. Quello che arriva al pubblico è spesso il frutto di una risposta istintiva, sostenuta dall’esperienza e dalla capacità di interpretare ciò che accade in tempo reale. Il nostro lavoro consiste proprio in questo: tenere insieme una macchina organizzativa rigorosamente pianificata e la libertà dell’improvvisazione.

Quanto conta la capacità di gestire l’imprevisto nella regia di una trasmissione in diretta come Ballando con le Stelle? E come si decide, in pochi istanti, cosa mostrare al pubblico?

L’imprevisto è una componente costante e mette alla prova chiunque lavori dietro le telecamere. Sono serate caratterizzate da una forte adrenalina e da un livello di concentrazione elevatissimo. In quei momenti bisogna affidarsi all’istinto, ma soprattutto all’esperienza. Nel corso degli anni è successo davvero di tutto, anche episodi che avremmo preferito evitare. Penso, per esempio, a Giusy Versace che ha perso la protesi durante la trasmissione: un evento del tutto inatteso, davanti al quale non era possibile intervenire. È accaduto in una frazione di secondo e, in fondo, faceva parte di ciò che stava succedendo in quel momento. Anche per questo è stato giusto raccontarlo. La regia deve essere capace di seguire gli eventi  con una velocità straordinaria. In studio abbiamo circa 30 monitor, dieci dei quali dedicati alle telecamere. Quando accade qualcosa di imprevisto, devo individuare immediatamente l’immagine giusta e decidere cosa mandare in onda. È una responsabilità importante, perché quella scelta determina ciò che arriva nelle case dei telespettatori e, di conseguenza, il modo in cui viene costruito il racconto. La televisione, infatti, non ha soltanto una scrittura fatta di scalette e coordinamento, ma anche una scrittura per immagini. Un primo piano sul volto di una persona che si emoziona può raccontare molto più di tante parole. Come diceva Carmelo Bene, “non c’è migliore scenografia che il volto di una persona”. Il primo piano, in questo senso, è uno strumento narrativo potentissimo, una possibilità che distingue il linguaggio televisivo dalle altre arti sceniche.

Quanto può incidere la regia sulla resa di una coreografia e quanto sono importanti luci e scenografia nella costruzione dello spettacolo?

Una coreografia può essere impeccabile, ma la regia ha il compito di valorizzarla e renderla ancora più spettacolare. Essendo al servizio della coreografia, scegliamo inquadrature, luci ed effetti in funzione del racconto che i ballerini hanno costruito. Dobbiamo enfatizzare i momenti più significativi e dare il giusto risalto agli elementi di maggiore impatto, senza soffermarci su quelli meno rilevanti. C’è poi il rapporto con la scenografia, che rappresenta un altro elemento fondamentale. Le esibizioni si sviluppano all’interno di ambientazioni che cambiano grazie agli elementi scenici e agli enormi ledwall alle spalle dei ballerini. La regia deve quindi trovare un equilibrio tra ciò che accade in primo piano e quello che prende forma sullo sfondo, integrando ogni elemento nel racconto visivo. Un ruolo determinante è affidato anche alle luci. Il direttore della fotografia, Marco Grimaldi, è straordinario e riesce a realizzare effetti di grande impatto. Altrettanto importante è il lavoro scenografico di Francesco Sasso, responsabile anche dei contenuti sui led. È proprio dalla sinergia di queste tre componenti – regia, luci e scenografia – che nasce la magia di Ballando con le Stelle. 

Quanto conta la capacità di anticipare un’emozione nella regia di una diretta? E come si trova il giusto equilibrio tra il racconto della coreografia e quello delle emozioni dei concorrenti?

Saper anticipare un’emozione è una delle qualità fondamentali di un regista. Bisogna avere una sorta di termometro emotivo, quasi una capacità di prevedere ciò che sta per accadere. Mi viene in mente Minority Report, con i suoi “precog”, capaci di anticipare gli eventi. La regia in diretta, in fondo, non è così lontana da questo concetto. Con il tempo ho imparato a riconoscere i segnali, anche quelli più impercettibili, attraverso i quali le persone manifestano ciò che stanno per vivere. Esistono codici psicologici e comportamentali che, con l’esperienza, si impara a interpretare: uno sguardo, un gesto, un movimento possono anticipare un’emozione, un abbraccio o una reazione inaspettata. Anche la scelta di indugiare su un volto nasce dall’istinto. Non possiamo perdere nulla della coreografia, che va raccontata nella sua interezza, ma vogliamo anche cogliere ciò che accade sul piano emotivo. Per questo alterniamo alle inquadrature a figura intera, necessarie per seguire i movimenti, primi piani e mezzi primi piani molto brevi, ma intensi. Ci interessa raccontare lo sguardo di chi, in quel momento, sta mettendo tutto se stesso nella performance, affrontando contemporaneamente la pressione della competizione e le proprie emozioni personali. Sono dimensioni diverse, ma ugualmente importanti. Il compito della regia è riuscire a custodirle entrambe, senza perdere né la bellezza della danza né l’umanità di chi la interpreta.

Il trasferimento dall’Auditorium del Foro Italico a Saxa Rubra ha comportato cambiamenti nell’organizzazione e nella vita della produzione?

Il trasferimento a Saxa Rubra, deciso dall’azienda, ha comportato alcune difficoltà che abbiamo progressivamente superato. Il precedente allestimento all’Auditorium del Foro Italico era il risultato di anni di lavoro e aveva raggiunto un equilibrio quasi perfetto. Ballando con le Stelle, infatti, non è soltanto lo studio televisivo, ma un insieme di ambienti indispensabili: sartorie, trucco, scenotecnica, sale prove e spazi di socialità. Anche la sala ristoro ha un ruolo importante: è il luogo in cui concorrenti e professionisti si incontrano e costruiscono relazioni lontano dalle telecamere. Dopo dodici o tredici settimane di lavoro, si diventa una vera famiglia. Ricordo le parole di Riccardo Rossi, che mi ha detto: “Vorrei che questa esperienza non finisse mai”. È una testimonianza del clima che cerchiamo di garantire, perché il benessere e il rispetto di concorrenti, ballerini e artisti sono una priorità per tutto il gruppo di lavoro. A Saxa Rubra lo studio è rimasto sostanzialmente simile, anche dal punto di vista visivo. Le differenze più significative riguardano gli spazi che ruotano attorno alla produzione.

Qual è stato il momento più difficile da affrontare nella tua carriera di regista a Ballando con le Stelle?

Non dimenticherò mai il blackout che colpì la finale di Ballando con le Stelle, quando eravamo ancora all’Auditorium del Foro Italico. Credo sia una delle situazioni peggiori che possano verificarsi in televisione, soprattutto, durante un appuntamento così importante. A rendere la situazione ancora più complicata fu il mancato funzionamento del gruppo elettrogeno, il sistema di emergenza che avrebbe dovuto ripristinare automaticamente l’alimentazione elettrica. Ci ritrovammo completamente al buio e i telespettatori videro soltanto uno schermo nero, come se la televisione si fosse spenta. Intorno a me si scatenò il caos: i tecnici correvano, si chiamavano a gran voce e cercavano di individuare il problema per ripristinare il segnale nel minor tempo possibile. Furono i dodici minuti più lunghi della mia vita professionale. In una situazione del genere, il regista può fare ben poco: si tratta di un problema esclusivamente tecnico e bisogna mantenere la calma, attendendo che la squadra riesca a ripristinare il sistema. È un’esperienza che ti mette profondamente alla prova. Quella finale mi è rimasta impressa e sono certo che non la dimenticherò mai.

Quanto influenza oggi il linguaggio dei social le scelte della regia televisiva?

La regia non tiene direttamente conto delle possibili ricadute sui social, soprattutto perché Ballando con le Stelle è un prodotto in diretta e non può essere condizionato da modalità di fruizione successive. È naturale che le immagini realizzate vengano poi riprese e condivise sulle piattaforme digitali, ma questo non ha mai determinato modifiche a ciò che accade in trasmissione. Il programma ha comunque sviluppato iniziative specificamente pensate per il mondo social, da Ballando Segreto ad altre forme di comunicazione dedicate. Siamo molto attivi su questi canali, ma si tratta di contenuti progettati e realizzati appositamente per il pubblico digitale. Non credo, quindi, che il linguaggio televisivo stia cambiando per adattarsi ai social. Sono due ambienti distinti, con modalità di fruizione, finalità e codici comunicativi differenti, che possono dialogare tra loro senza necessariamente sovrapporsi.

In che modo la regia contribuisce a trasformare le emozioni in momenti di spettacolo?

I confronti tra giuria, maestri e concorrenti sono parte integrante dello show. La scaletta può cambiare anche all’ultimo momento e la regia deve adattarsi rapidamente, mantenendo ritmo e fluidità. Il suo compito non è soltanto seguire chi parla, ma valorizzare anche le reazioni degli altri protagonisti attraverso i cosiddetti piani d’ascolto, che spesso raccontano quanto le parole. Le emozioni, invece, nascono sulla pista: la televisione le raccoglie e le amplifica, restituendole al pubblico con maggiore intensità. Un primo piano, per esempio, può rendere una lacrima molto più potente di quanto sarebbe visibile dalla platea. La regia diventa così una lente d’ingrandimento capace di esaltare ciò che accade, affidandosi alla sensibilità e all’istinto del regista.

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Una storia nata dal dolore che, attraverso il cinema, è diventata memoria collettiva e che ora trova una nuova forma sul palcoscenico. Il ragazzo dai pantaloni rosa arriva al Teatro Sistina dal 29 ottobre al 1° novembre, prima di intraprendere un tour che porterà il musical in diverse città italiane. A trasformare il racconto cinematografico in spettacolo teatrale è Massimo Romeo Piparo, che firma l’adattamento insieme a Roberto Proia, sceneggiatore del film. Al centro resta la vicenda di Andrea Spezzacatena, quindicenne vittima di bullismo e cyberbullismo, la cui storia ha aperto una discussione profonda sulle conseguenze della violenza psicologica, sull’isolamento e sul peso che le parole possono avere soprattutto durante l’adolescenza.

Una storia che cambia linguaggio

Il passaggio dal grande schermo al teatro non è però una semplice trasposizione. Piparo sceglie infatti la strada del jukebox musical, costruendo il racconto attraverso alcune delle canzoni più conosciute del pop-rock italiano. La musica diventa così parte integrante della narrazione e accompagna emozioni, ricordi e passaggi della storia. Nella selezione trovano spazio, tra gli altri, Canta ancora di Arisa, brano simbolo del film e vincitore del Nastro d’Argento come miglior canzone originale, insieme a 100 messaggi, A modo tuo, Gigante, Il filo rosso, La fine, Sogna ragazzo sogna di Roberto Vecchioni, Una musica può fare e Volevo essere un duro. Gli arrangiamenti sono affidati al maestro Emanuele Friello.

Il teatro come specchio della società

La scelta teatrale nasce dalla volontà di non fermarsi alla rappresentazione della tragedia, ma di utilizzare il palcoscenico come luogo di confronto. Il bullismo diventa così il punto di partenza per parlare di adolescenti, famiglie, scuola e responsabilità collettiva. Non soltanto una denuncia, dunque, ma un invito a interrogarsi su quanto sia necessario imparare a riconoscere e rispettare l’unicità degli altri.

Uno sguardo sul futuro

È questa, per Piparo, la sfida più significativa del progetto: trasformare una vicenda drammatica in un racconto capace di lasciare spazio anche alla speranza. Una prospettiva che lo ha portato a immaginare Andrea non soltanto come il protagonista della sua storia, ma come una presenza narrativa capace di accompagnare il pubblico. Il personaggio torna idealmente sulla scena nella versione adulta, attraverso la figura di un Andrea ventisettenne che guarda al passato e racconta ciò che avrebbe potuto essere il suo futuro.

A interpretare Andrea adolescente sarà ancora Samuele Carrino, già protagonista del film e tra i giovani interpreti più interessanti della nuova generazione. Con lui torna anche Sara Ciocca. Nel ruolo della madre di Andrea ci sarà Rossella Brescia, chiamata a confrontarsi con un personaggio di forte impatto emotivo. Christian Roberto interpreterà invece Andrea a 27 anni, assumendo anche la funzione di narratore e voce del “domani”. Il cast comprende inoltre Donato Altomare, nei panni del padre Tommaso; Matteo Volpotti, che interpreta il professor Gioli, insegnante di musica eccentrico e trascinante; Tommaso Pieropan, nel ruolo di Christian, il ragazzo che incarna la dimensione del bullo; e il giovanissimo Michele Mula, che interpreta Daniele, il fratellino di Andrea. La squadra creativa completa il progetto con la direzione musicale di Emanuele Friello, le coreografie di Dalila Frassanito, le scenografie di Teresa Caruso, i costumi di Cecilia Betona, le luci di Umile Vainieri e il suono di Stefano Gorini. Il musical raccoglie l’eredità di un film prodotto da Eagle Pictures e Weekend Films, nato dal libro scritto da Teresa Manes, madre di Andrea Spezzacatena.

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