"¡Este es el Titanic gay!". Con esta comparación resumía Javier Ambrossi la ambición de La bola negra, la película que ha terminado de consolidar a Los Javis en el panorama internacional. En un reportaje publicado en The Guardian, el periodista Ryan Gilbey se adentra en el universo de esta épica queer, una producción que combina la Guerra Civil española, el deseo y los prejuicios con un despliegue visual en el que tiene cabida una dimensión profundamente íntima.

Sus autores tenían claro que querían ir más allá de lo que se espera de una película de esta temática. "Estoy harto de que las películas LGBTQ+ sean de nicho", explica Ambrossi al diario británico. Su objetivo era hacer "la película de guerra más grande y gay de la historia", una declaración de intenciones que se traduce en una historia dividida en tres épocas: 1932, 1937 y 2017. Las distintas tramas, conectadas por un relato inacabado de Federico García Lorca, exploran el rechazo, la identidad y la memoria queer en España.

Los cineastas buscaban, así, desmarcarse del cliché, y probar con el más difícil todavía. "Mucha gente ha dicho que echaba de menos algo así. Quieren comprar palomitas y que les den una gran película como Titanic", señalaba Ambrossi durante la entrevista, cuando le venía a la mente el mejor titular para vender su propia película: "¡Este es el Titanic gay!".

El resultado, según describe Gilbey, es un collage maximalista que mezcla escenas de guerra con encuentros contemporáneos y un estilo visual exuberante. A ello se suman las apariciones de Penélope Cruz, con uniforme militar y peluca rubia, y Glenn Close, que interpreta a una estudiosa de Lorca y habla en español. Una combinación que aspira a recuperar la experiencia de las grandes películas concebidas para disfrutarse en pantalla grande.

Un estreno en cines sin precedentes para Netflix

Ese espíritu también explica la estrategia de distribución de La bola negra. Según cuenta The Guardian, sus directores insistieron en mantener una larga exhibición cinematográfica antes de cerrar la venta de los derechos para Estados Unidos a Netflix. La película permanecerá 47 días en los cines estadounidenses, un periodo récord para la plataforma.

El recorrido de la cinta también alimenta las expectativas de cara a los premios. Tras compartir el reconocimiento a mejor dirección en Cannes con Paweł Pawlikowski, Los Javis afrontan la temporada con una película que, según Gilbey, parte como una de las grandes aspirantes a los Óscar, con serias posibilidades de competir en categorías como mejor película y mejor dirección.

Entre sus posibles rivales figuran La Odisea, You Can See Everything (Puedes verlo todo) y Artificial, todavía pendiente de estreno, además de otros títulos que puedan sumarse a la carrera. Queda por ver si La bola negra logra convertir el entusiasmo internacional en una cosecha de nominaciones y premios.

El director Alexander Payne, ganador de dos premios Oscar por los guiones de Entre copas y Los descendientes, se enfrenta a una demanda por presunto plagio relacionada con Los que se quedan, la película protagonizada por Paul Giamatti que obtuvo cinco nominaciones a los premios Oscar. El guionista británico Simon Stephenson sostiene que la historia se basa en Frisco, un libreto suyo que nunca llegó a producirse.

La demanda, presentada este miércoles, también señala como responsables al guionista de la película, David Hemingson, al productor Mark Johnson, a Miramax, Focus Features y otras entidades empresariales. Stephenson ya había denunciado las supuestas similitudes ante el Sindicato de Guionistas de Estados Unidos (WGA) en 2024, pero la organización le comunicó que no podía resolver el conflicto y le recomendó acudir a un abogado.

Según la denuncia, existen 46 coincidencias argumentales entre ambos guiones. Frisco, escrito por Stephenson entre 2012 y 2013, sigue a un médico desanimado que trabaja en un hospital y debe hacerse cargo de una adolescente con una personalidad especialmente despierta. Durante un viaje a San Francisco, ambos estrechan su relación, hasta que el protagonista decide abandonar su empleo y emprender un recorrido por el país.

En Los que se quedan, un profesor malhumorado, interpretado por Giamatti, pasa las vacaciones navideñas en un internado junto a un alumno, al que da vida Dominic Sessa. La denuncia sostiene que las semejanzas entre ambas historias van mucho más allá de una premisa compartida y acusa a los demandados de trasladar elementos del libreto original con modificaciones superficiales.

"Los demandados construyeron su película utilizando Frisco como plano", afirma la demanda, que también sostiene que la estructura y distintos acontecimientos del guion de Stephenson se incorporaron a la película a través de las aportaciones de Payne al trabajo de Hemingson.

Payne ya había rechazado las acusaciones

El conflicto no es nuevo. Según la documentación presentada, los agentes de Stephenson intentaron que Payne dirigiera Frisco en dos ocasiones: primero, en 2013, y después, en 2019, cuando se llegó a contemplar una posible producción de Netflix con Bob Odenkirk como protagonista. En ambas ocasiones, el cineasta habría descartado el proyecto. Cuando las acusaciones trascendieron en 2024, Payne las rechazó públicamente durante el Festival de Cine de Sarajevo, donde calificó la denuncia de "la mayor estupidez del mundo".

Stephenson, que ha trabajado en películas como Paddington 2, Luca y que ahora se ha encargado de escribir la secuela de Wonka, ya había defendido que las coincidencias entre los dos libretos no podían atribuirse a una casualidad. Inspirado en parte en sus experiencias como pediatra, su guion llegó a ocupar el tercer puesto de la Black List, el archivo con los mejores guiones de Hollywood todavía pendientes de producción.

Conocida por ser una de las actrices más valientes y atrevidas del Hollywood actual, Jennifer Lawrence, de 36 años, ha sorprendido con sus declaraciones recientes sobre cómo la maternidad de su segundo hijo cambió por completo su carrera y vida. Estos cambios físicos la han llevado a someterse a una operación quirúrgica para elevarse el pecho.

"Todo volvió a ser normal tras el primer parto. Después del segundo, nada volvió a la normalidad", explicaba recientemente Lawrence en The New Yorker al hablar de su cuerpo, la relación con Hollywood y el desnudo integral que protagonizó en la película Sin malos rollos (2023), una escena que dio la vuelta al mundo.

La actriz ha reconocido que esto provocó que pasara por quirófano, y más teniendo en cuenta que contará con otro desnudo en su nueva película. Lawrence aparecerá próximamente en What Happens at Night, una adaptación de la novela homónima de Peter Cameron, dirigida por Martin Scorsese y coprotagonizada por Leonardo DiCaprio.

Al preguntarle si se habría operado si no fuera una actriz famosa, ella confesaba que la presión de la industria ha influenciado su decisión. "Quizás no me habría operando con tanta urgencia, aunque creo que lo habría acabado haciendo", reconocía. Su hijo nacía en abril de 2025 y, en noviembre, la actriz ya se estaba sometiendo a la operación de cara al rodaje de la película de Scorsese, previsto para principios de 2026.

Anteriormente, Lawrence ya había hablado de las actrices y algunos de sus tratamientos estéticos más populares, como el bótox y los rellenos dérmicos. La estadounidense explicaba que ella evitaba los rellenos que pudiera resultar perceptibles ante las cámaras y defendía la importancia de mantener la movilidad en la frente.

Este mismo año, la actriz retomará su papel de Katniss Everdeen en Los juegos del hambre: Amanecer en la cosecha, una nueva entrega de la saga que llegará a los cines en noviembre y que supondrá el regreso de uno de los personajes más emblemáticos de su carrera, con el que Jennifer Lawrence alcanzó la fama internacional y se consolidó como una de las actrices más reconocidas de Hollywood.

Durante décadas, las adaptaciones cinematográficas de videojuegos arrastraron una reputación complicada. Sin embargo, en los últimos años panorama ha cambiado considerablemente y los estrenos recientes demuestran que es posible trasladar grandes universos interactivos a la gran pantalla sin perder aquello que los hace especiales. 2026 ha sido especialmente interesante para el género, con producciones que han conseguido demostrar que es posible cautivar tanto a los aficionados como al público general.

En ese contexto, hay un proyecto que podría beneficiarse enormemente de esta nueva etapa: la película de BioShock. La adaptación lleva años dando vueltas por Hollywood y todavía tiene un largo camino por delante, pero los últimos estrenos de ciencia ficción y videojuegos ofrecen motivos para ser optimistas sobre su futuro.

La película de BioShock sigue adelante y tiene varios ejemplos recientes en los que inspirarse

La última actualización importante sobre la película llegó a través de una entrevista de The Direct con Francis Lawrence, director vinculado al proyecto, quien confirmó que la producción continúa en desarrollo. La noticia resulta especialmente relevante teniendo en cuenta los antecedentes de una adaptación que lleva más de una década intentando llegar a los cines.

Los primeros planes para llevar BioShock a la gran pantalla comenzaron a desarrollarse entre 2008 y 2013, pero terminaron cancelándose oficialmente. En 2022, Netflix anunció una nueva película basada en la franquicia, aunque la ausencia de novedades durante los últimos años había generado dudas entre los seguidores. Ahora, las declaraciones de Lawrence permiten recuperar cierta confianza en que el proyecto terminará materializándose.

Y el momento elegido podría ser bastante favorable. Las adaptaciones de videojuegos han dejado atrás buena parte de los prejuicios que las acompañaban, con títulos como Super Mario Galaxy: La película o Resident Evil demostrando que existen diferentes maneras de trasladar estas experiencias al cine. A esto se suma Proyecto Salvación, que ha reforzado el interés por la ciencia ficción y se ha convertido en uno de los grandes éxitos cinematográficos de 2026.

La combinación es ideal para el universo de BioShock. La saga de videojuegos destaca por sus mundos distópicos, su ambientación opresiva y una narrativa repleta de giros argumentales. Además, uno de los principales obstáculos que ha encontrado Francis Lawrence, que es trasladar al cine la conexión que se establece entre el jugador y el protagonista, podría encontrar la guía perfecta en Resident Evil.

La película de BioShock todavía necesita superar varios desafíos antes de llegar a Netflix, pero cuenta con una ventaja importante: su universo tiene personalidad de sobra. Lo que tiene que conseguir Lawrence es trasladar esa atmósfera y el trasfondo de la saga a la gran pantalla.

En los años 70, dos jóvenes actores británicos comenzaron a despuntar en la Royal Shakespeare Company, una de las compañías teatrales más prestigiosas de Inglaterra. Aunque ambos se admiraron desde el primer minuto, no sería hasta el año 2000 cuando sus lazos se estrecharían hasta convertirse en una de las amistades más genuinas de la industria del cine, cuando coincidieron en el rodaje de X-Men, dirigida por Bryan Singer. Hablamos del recién fallecido Patrick Stewart, quien interpretó a Charles Xavier, y de Ian McKellen, quien dio vida a Magneto.

A lo largo de las décadas, su amistad se ha mantenido y fortalecido, especialmente después de que Stewart anunciara que padecía alzhéimer. Ahora, 50 años después de aquel primer encuentro entre ambos, McKellen ha querido despedirse de su gran amigo con un emotivo mensaje en las redes sociales que acumula más de un millón de interacciones

"Antes que nada, Patrick se definía por haber nacido y crecido en Yorkshire, el orgulloso condado del norte de Inglaterra que amó hasta el final. Lo podías escuchar en su voz con su acento y en la honesta severidad con la que te decía lo que pensaba y sentía. Los hombres de Yorkshire no toleran medias verdades ni evasivas ante los grandes temas. Llevaba el corazón en la manga, lo que lo convertía en un hombre en quien confiar, a quien admirar y, en mi caso, amar", comenzaba McKellen, quien también recordaba cómo ambos se conocieron en la compañía teatral.

Con el paso de los años, Stewart y McKellen construyeron una amistad marcada por el cariño, el respeto mutuo y una complicidad que nunca ocultaron públicamente, en la que se acompañaron mutuamente en su gran salto a Hollywood.

"Mi primer gran recuerdo fue unos años después, cuando me lo encontré en la calle, en el centro de Londres. Me habló de una oferta para asumir un papel principal en Star Trek. 'Pero, Patrick, piensa en tu carrera en los escenarios del Reino Unido. ¿Realmente quieres arriesgarte a perderte en Hollywood durante años y años?", confesaba el actor.

"Bueno, asumió el riesgo y, gracias a Dios, que lo hizo. No solo por sus devotos trekkies, sino por el público del cine y el teatro, que se maravilló al verlo aprovechar su fama internacional para protagonizar una serie de éxitos cinematográficos (X-Men, por supuesto), así como grandes obras clásicas de Shakespeare, Ibsen, Arthur Miller, Peter Shaffer, Pinter y Beckett en Stratford-upon-Avon, el West End de Londres y en Broadway. Estados Unidos fue su hogar adoptivo, donde conoció a su adorada Sunny, quien lo cuidó en la salud y en la enfermedad, en las buenas y en las malas", añadía.

A pesar de haberse convertido en una estrella internacional y de desarrollar buena parte de su carrera en Estados Unidos, Stewart siempre conservó un fuerte vínculo con su tierra natal. Un sentimiento de pertenencia que ambos siempre compartieron y que McKellen ahora recuerda.

"Pero nunca abandonó sus orígenes. Uno de los mayores motivos de orgullo para el actor más respetado y querido de su generación a ambos lados del Atlántico fue su nombramiento como Canciller de la Universidad de Huddersfield en Yorkshire. Su última actuación en Vengadores: Doomsday aún está por verse", concluía McKellen.

Esta despedida, que ya acumula más de un millón de interacciones y ha recibido mensajes de grandes estrellas de Hollywood, se convierte en una oda a una amistad sincera que ha trascendido la barrera del tiempo y del espacio. Un vínculo que permanecerá vivo en esta y cualquier otra vida. Porque, como decía Charles Xavier a Magneto: "Siempre estaré ahí, viejo amigo".

Elke Sommer, actriz de "El premio", cinta que protagonizó en 1963 junto a Paul Newman y que le valió un Globo de Oro, ha fallecido. La intérprete, en cuya filmografía también destacan títulos como "Diez negritos", "Zeppelin" o "El nuevo caso del inspector Clouseau", secuela de "La pantera rosa", ha muerto a los 85 años a causa de una insuficiencia cardíaca.

La noticia del fallecimiento de Sommer, que tuvo lugar el pasado miércoles en su casa de Bel-Air, la dio a conocer su hijastro, Sebastian Walther, al diario alemán Bild. "Elke falleció tranquilamente alrededor de las diez de la noche. Ahora por fin puede volver a estar con su querido marido", señaló Walther. Su esposo, el hotelero Wolf Walther, había fallecido el pasado 22 de julio.

Hija única, Elke Schletz, verdadero nombre de la actriz, nació en Berlín el 5 de noviembre de 1940. Su padre, Peter, era pastor protestante y falleció cuando ella tenía 14 años; su madre, Renata, se dedicaba a las labores del hogar. A los 17 años, se trasladó sola a Londres, donde pasó un año trabajando como cuidadora de niños en una familia antes de iniciar sus estudios universitarios.

Su primer contacto en el mundo del espectáculo tuvo lugar durante unas vacaciones con su madre en la localidad costera italiana de Viareggio, cuando un desconocido le colocó una banda mientras estaba sentada en una cafetería y la proclamó ganadora de un concurso de belleza. Una fotografía publicada al día siguiente en la prensa llamó la atención de un productor cinematográfico.

Debutó en la gran pantalla en 1959 y, con el impulso del actor y cineasta italiano Vittorio De Sica, inició una trayectoria que, gracias a su dominio de los diferentes idiomas, la llevó a trabajar en producciones italianas, francesas, españolas, británicas y alemanas antes de dar el salto a Hollywood. Sommer saltó a la industria estadounidense con "El premio" (1963), un thriller de espionaje dirigido por Mark Robson en el que compartió protagonismo con Paul Newman.

Su interpretación le valió el Globo de Oro a la actriz revelación en 1964, distinción que aquel año compartió con Tippi Hedren y Ursula Andress. Poco después encarnó a Maria Gambrelli, la empleada doméstica sospechosa de asesinato cuya inocencia se empeña en demostrar el torpe inspector Clouseau de Peter Sellers, en "El nuevo caso del inspector Clouseau" (1964). Dirigida por Blake Edwards, aquella segunda entrega de la saga de "La pantera rosa" le proporcionó uno de los personajes más recordados de su carrera.

Durante la segunda mitad de los sesenta, Sommer alternó la comedia, el suspense y las aventuras de espionaje junto a algunas de las principales estrellas de Hollywood. Norman Jewison la dirigió en "El arte de amar" (1965), con James Garner y Dick Van Dyke, y también compartió pantalla con Glenn Ford y Rita Hayworth en "La trampa del dinero" (1965). En 1966, Sommer interpretó en "El Oscar" a una diseñadora de moda que mantenía una relación sentimental con un actor egocéntrico, encarnado por Stephen Boyd.

Ese mismo año, dio vida en la comedia de Bob Hope Vaya, me equivoqué de número a una rebelde estrella del cine francés, harta de protagonizar anuncios publicitarios de productos de baño de espuma. Su filmografía de aquellos años incluyó también "Más peligrosas que los hombres" (1967), una sátira sobre el control del petróleo saudí en la que dio vida a una asesina lesbiana, y "La mansión de los siete placeres" (1968), nueva entrega en clave de parodia de las aventuras del agente Matt Helm en la que trabajó con Dean Martin y Sharon Tate.

Colaboarción con el padre del "giallo"

En los años setenta, su regreso al cine europeo dio lugar a una de las etapas más singulares de su trayectoria: su colaboración con Mario Bava. A las órdenes del maestro del terror italiano protagonizó "Orgía de sangre" (1972), junto a Joseph Cotten, y "El diablo se lleva los muertos" (1973) en la que dio vida a una turista estadounidense que, durante su estancia en España, cae en las redes de Satanás, interpretado por Telly Savalas.

Con el paso de los años, Sommer compaginó el cine con el teatro y la televisión. Sobre los escenarios protagonizó montajes como Irma la Dulce y otras comedias, mientras que en la pequeña pantalla interpretó a Magda Goebbels en la miniserie "Inside the Third Reich" (1982) y participó como invitada en distintas series estadounidenses como "Hospital" o "Vacaciones en el mar".

Su actividad artística también abarcó la canción, con varios discos como intérprete de cabaret, y la pintura: celebró su primera exposición a los 24 años y llegó a presentar un programa divulgativo sobre esta disciplina.

Sayer Ji | May 2, 2025

… I had a direct, revealing encounter with NPR’s embedded bias in May of 2021, when Geoff Brumfiel, one of their senior correspondents, reached out to feature me in a piece titled: “For Some Anti-Vaccine Advocates, Misinformation Is Part Of A Business.” The article was a thinly veiled attempt at character assassination—an example of media functioning not as a seeker of truth, but as a weapon of narrative warfare.

Rather than ignore or stonewall, I made an unusual decision: I invited Brumfiel into a cross-interview, recorded and published in full transparency above. This format allowed both of us to pose questions to each other, and for the public to witness the full, unedited context. The result was deeply revealing—not just of NPR’s approach, but of the larger media machinery it represents.

This candid exchange exposed not only the editorial bias and conflicts of interest at NPR, but also the broader ideological machinery backing the so-called “Disinformation Dozen” narrative, propagated by the Center for Countering Digital Hate (CCDH)—an organization that, ironically, engages in exactly what its name suggests it opposes: digital censorship, hate, and targeted takedowns.

The False Framing of “Anti-Vax” and “Misinformation”

The terms “anti-vaccine” and “misinformation” are wielded like verbal bludgeons—designed to shut down debate and demonize dissent. But the reality is far more nuanced. At GreenMedInfo.com, we curate and publish peer-reviewed research, offering the public access to scientific literature often ignored by mainstream outlets. This is not “misinformation”—it is scientific transparency.

Yet NPR painted me as a profiteer, part of an “anti-vax industry.” They ignored the fact that GreenMedInfo is ad-free and freely accessible, and that Stand for Health Freedom, which I co-founded, is a nonprofit platform defending bodily sovereignty and informed consent.

I challenged NPR and Brumfiel to investigate their own funding relationships—particularly with PhRMA and the Gates Foundation, both of which have donated millions to support pro-vaccine messaging through NPR. When media entities are underwritten by the very industries they’re reporting on, how can the public trust what they hear?

Corporate Sponsorship & Narrative Control

In fact, NPR’s own sponsorships—such as their integration of PhRMA’s “Brand Soundscapes” into NPR’s app—demonstrate just how blurred the line between journalism and marketing has become. And while Brumfiel insisted editorial decisions are independent, the systemic nature of these relationships is hard to ignore. As I pointed out during our dialogue, when NPR receives tens of millions in funding from groups that directly benefit from mass vaccination campaigns, their reporting on those topics cannot be assumed neutral.

The larger story here isn’t about me. It’s about how public media institutions, originally designed to be accountable to the people, have become extensions of corporate and governmental power.

It’s almost hard to remember, but just a few years ago, a lot of very smart people thought that science was in terminal decline. Respected researchers were writing papers with titles like “Are Ideas Getting Harder to Find?”, “Papers and patents are becoming less disruptive over time”, and “Slowed canonical progress in large fields of […]

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Hope es un espectáculo bestial. En este caso, de trepidante y furiosa acción ante la amenaza aniquiladora de unos seres muy extraños. El título no hace alusión a ninguna esperanza, sino al nombre del pueblo que un día amanece literalmente patas arriba cuando una fuerza ingobernable lo destruye todo. La primera hora de Hope, que empieza con el jefe de policía local a pocos kilómetros del pueblo examinando a una res destrozada por las garras de un animal desconocido, es una delirante persecución sin respiro dentro del laberinto de calles, tiendas, oficinas y mercados del pueblo destruido. Un ejemplo asombroso del arte del exceso.

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Hope

Dirección: Na Hong-jin.

Intérpretes: Hwang Jung-min, Jo In-sung, Hoyeon, Michael Fassbender, Alicia Vikander.

Género: ciencia ficción. Corea del Sur, 2026.

Duración: 160 minutos.

Estreno: 30 de octubre.

Función de noche, obra maestra de Josefina Molina, sobrevuela como algo más que un fetiche cinéfilo la ópera prima de Javier Giner, autor de la serie autobiográfica Yo, adicto. Si en aquella película de principios de los ochenta —también con el teatro de fondo y también con el cine de John Cassavetes en su espíritu—, asistíamos al doloroso ajuste de cuentas de un matrimonio separado, el ajuste de Giner ocurre en solitario, sin posibilidad de réplica, ante el espejo roto de dos vidas bifurcadas en una misma ciudad, Bilbao.

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Esta soledad

Dirección: Javier Giner.

Intérpretes: Oriol Pla, Marina Salas, Gemma Martínez, Kai Etxaniz, Itziar Lazkano, Ione Irazábal.

Género: drama. España, 2026.

Duración: 110 minutos.

Estreno: 30 de noviembre

Las tradiciones paganas británicas y celtas en torno al mimbre se basan en el misticismo de la madera de sauce y proceden, entre otras fuentes de las antiguas Grecia y Roma, del geógrafo Estrabón, a principios del siglo I, que describió un coloso de paja y madera frente al que se colocaban seres humanos y animales antes de ser quemados, y de La guerra de las Galias, de Julio César, en el siglo I a. C., que contó cómo los antiguos druidas construían gigantescas efigies con ramas de mimbre y las rellenaban con hombres vivos como sacrificio para sus dioses.

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Wicker

Dirección: Alex Huston Fischer, Eleanor Wilson.

Intérpretes: Olivia Colman, Alexander Skarsgard, Elizabeth Debicki, Peter Dinklage.

Género: fantasía. Reino Unido, 2026.

Duración: 105 minutos.

Estreno: 30 de octubre.

Los cineastas con una línea marcada de actuación, de estilo y de temáticas, a los que les ha ido bien en la mayoría de sus películas, y que sin embargo deciden en un determinado momento de sus carreras dar un arriesgado giro en su caminar artístico y profesional con un trabajo que pocos esperaban de él, ya han ganado puntos con la decisión. Salga como salga, porque el volantazo conlleva riesgo e impetuosa vitalidad.

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Colisión

Dirección: Daniel Sánchez Arévalo.

Intérpretes: Laia Costa, Álvaro Cervantes, Tamar Novas, Karra Elejalde, Luis Zahera.

Género: thriller. España, 2026.

Plataforma: Netflix.

Duración: 122 minutos.

Estreno: 30 de octubre.

Toda película de terror es, en cierto modo, una película sobre arquitectura: ningún otro género tira tanto de luz, espacios y perspectivas, da tanto protagonismo a una escalera o convierte una puerta en umbral e interrogación. En el cine de terror las casas se convierten en unos personajes tan famosos como (o más que) sus protagonistas, desde la mansión victoriana de Psicosis (1960) hasta la casa que parece tener ojos de Terror en Amityville (1979), de los pasillos enmoquetados del hotel Overlook en El resplandor (1980) a la pequeña cabaña de Posesión infernal (1981). Y es ante la pantalla cuando el espectador se convierte, a su modo, en un efímero creador de planos, formas y estructuras. Cada vez que gritamos a la pantalla “¡No bajes ahí!" es porque sospechamos que el arquitecto de ese viejo caserón no diseñó una vía extra de evacuación para ese sótano.

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Hasta el mismísimo Stephen King se ha preguntado cómo nos puede gustar el terror: “Me preguntan por qué escribo lo que escribo, por qué la gente quiere leerlo y va al cine para verlo. ¿Por qué hay personas dispuestas a pagar por sentirse extremadamente incómodas?”, plantea en su ensayo Danza Macabra (Valdemar). Cuando leemos un libro o vemos una película de terror, como quizás hayamos hecho esta semana de Halloween y Todos los Santos, muchas veces experimentamos emociones negativas: miedo, inquietud, en ocasiones incluso asco o angustia. Sin embargo, llenamos salas de cine, devoramos libros y acudimos a clubs de lectura y festivales de cine especializados en terror. ¿Por qué lo pasamos de miedo con el miedo?

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¿Qué piensa ‘el rey del terror’ de todo esto?

A principios de los 80, tras el éxito de Carrie y El resplandor, Stephen King ya estaba cansado de que le preguntaran por qué escribía historias terroríficas. “¿Por qué tiene la gente semejante interés en mi interés… Y en el suyo propio?”, se pregunta en Danza Macabra, publicado en 1981 (y reeditado en 2024 en España por Valdemar). “Creo que, más que otra cosa, es porque todos tenemos un postulado enterrado en nuestras mentes: que sentir interés por el horror es malsano y aberrante”. En este gigantesco ensayo, en el que King hace un repaso histórico y personal por la literatura y el cine de terror entre 1950 y 1980, el escritor apenas se detiene a responder a estas preguntas. Como respuesta, remite a un ensayo anterior, publicado en El umbral de la noche, su primer libro de relatos: “No tengo el más mínimo interés en recalentar ese viejo guiso en estas páginas, si están interesados, les recomendaría que lo leyeran”.

Aquí va un tupper de ese guiso: la idea de King en los 70 es la que han seguido defendiendo muchos escritores desde entonces, que el miedo en la ficción nos ayuda a lidiar con nuestros miedos reales. “Cuando usted lee una obra de horror, no cree realmente lo que lee”, escribe. “No cree en vampiros, hombres lobos, camiones que arrancan repentinamente y que se conducen solos. Los horrores en los que todos creemos son aquellos sobre los que escriben Dostoievski, [Edward] Albee y [Ross] Macdonald: el odio, la alienación, el envejecimiento a espaldas del amor, el ingreso tambaleante en un mundo hostil sobre las piernas inseguras de la adolescencia. En nuestro auténtico mundo cotidiano somos a menudo como las máscaras de la Comedia y la Tragedia, sonriendo por fuera, haciendo muecas por dentro. En algún recoveco interior hay un interruptor central, tal vez un transformador, donde se conectan los cables que conducen a esas dos máscaras. Y es en ese lugar donde el relato de horror da tan a menudo en el blanco”.

Siempre quise saber qué se sentía al ser un zombie. Sí, sí, de esos que caminan arrastrando los pies, gruñen como si llevaran tres días sin dormir y tienen una preocupante afición por los cerebros humanos. Cada uno tiene sus inquietudes, y las mías, desde luego, no han sido demasiado normales.

Como buen millennial, crecí con películas de los 2000 que marcaron a toda una generación de amantes del apocalipsis: Amanecer de los muertos, 28 días después o Soy leyenda. A esto había que sumarle series como The Walking Dead, que me hicieron desarrollar todo un plan de supervivencia. En mi cabeza ya tenía mi propio arsenal de armas, las rutas de escape perfectamente estudiadas y una lista mental de las primeras cosas que haría si el mundo se fuera a la mierda.

Pero, entre tanta estrategia para sobrevivir, siempre había una pregunta que me rondaba la cabeza: ¿qué sentirían aquellos que finalmente pasaban al otro lado? ¿Cómo es despertarte un día con hambre de sesos y unas ganas terribles de morder a tu vecino? Puede parecer una tontería, pero yo necesitaba respuestas. Y, sobre todo, quería vivirlo en primera persona.

Tan solo unos meses después de tener la oportunidad de acudir al rodaje de The Walking Dead: Daryl Dixon en Sepúlveda (Segovia, España), donde pude aprender muchísimo sobre el arte de convertirse en uno de esos seres que te persiguen en tus peores pesadillas, la vida decidió darme un pequeño giro de guion. De esos que no te esperas, que llegan sin avisar y que, si fueran una película, probablemente pensarías que el protagonista está a punto de meterse en un buen lío.

Una llamada cambió mi vida por completo y, poco después, me trasladé a Barcelona. Lo que no imaginaba era que estaba a punto de cumplir un sueño que llevaba años rondándome la cabeza, así me pasé al otro lado y me convertí en zombie. Son las diez de la mañana, un coche nos recoge y, entre nervios, ilusión y muchas ganas de descubrir qué nos espera, comienza una aventura que promete ser inolvidable. Después de tantos años pensando en el apocalipsis, ¡por fin había llegado el momento de unirme a la horda!

Litros y litros de sangre en el rodaje de 'Apocalipsis Z: Nuevo mundo'

Apocalipsis Z: Nuevo mundo, secuela de aquella película que arrasó en Prime Video y se convirtió en una de las de habla no inglesa de mayor éxito en todo el mundo, rueda en el Acuartelamiento de Santa Eulàlia, una instalación militar situada en Sant Boi de Llobregat (Barcelona). Tras una breve visita por sus impresionantes instalaciones, un grupo de cinco valientes nos dirigimos a vestuario y maquillaje, dispuestos a dejar atrás nuestra humanidad.

De repente, ahí estoy, en calzoncillos delante de varias personas, buscando el uniforme zombie perfecto. Supongo que la vergüenza, como tantas otras cosas, también se pierde cuando te metes de lleno en el mundo del cine.

Después llega el turno de maquillaje. Nos sentamos frente a los espejos y comienza la transformación, entre tatuajes que recrean venas, y mucha, mucha sangre falsa, con un cuidado por el detalle milimétrico. Hasta las uñas y los dientes reciben su buena dosis de trabajo para conseguir ese aspecto de muerto viviente que tanto había imaginado. Poco a poco, mi reflejo deja de parecerme familiar… y, aunque todavía no tengo ganas de comerme a nadie, la cosa promete.

Las verdaderas ansias de sangre se despiertan con Oscar Valsecchi, entrenador y coreógrafo de todos los zombies que vemos en Apocalipsis Z, quien nos enseña cómo sacar nuestro lado más primario y animal. Andar, alerta y ataque. A través de estos tres estados, el italiano nos enseña a transformarnos en zombies y nos invita a atacarlo directamente para provocar nuestras ansias de sangre y liberar esa agresividad que, por suerte, tenemos bastante más controlada en nuestra vida cotidiana.

Tras este divertido calentamiento, que nos deja listos para atacar a los militares protagonistas de la película, nos dirigimos a un impresionante set de rodaje que ese día reúne hasta a 500 personas entre equipo técnico y extras. ¡Casi nada! Ni en Hollywood hay tanto nivel.

De repente, nos vemos rodeados de especialistas que vuelan por los aires, ruedan por el suelo y dan volteretas mientras nosotros nos acercamos a las cámaras dispuestos a demostrar lo aprendido, soltando nuestros mejores gruñidos durante varias tomas y dejando que nos empapen de sangre una y otra vez. Aquello ya parece una carnicería más que un rodaje. ¡Ni Carrie acabó tan empapada de sangre como nosotros!

Tras realizar varias entrevistas con estas pintas —pido disculpas a todo a aquellos a los que pudiera salpicar con semejante pringue—, llega el momento de volver a la civilización. El proceso desmaquillante dura apenas unos segundos, mientras me cambio la ropa y no puedo evitar echar de menos aquellos pantalones de zombies con los que había estado tan cómodo. Pero, oye, ¿dónde están mis pantalones? ¡Pues nada, otra vez en calzoncillos delante de todo el mundo!

De vuelta a Barcelona, tras pasar todo el día en el set, lo hago con una sonrisa de oreja a oreja, la misma que tendría aquel niño que soñaba con vivir una aventura así y que, muchos años después, ha conseguido cumplir su sueño. Porque, a veces, la magia del cine consiste precisamente en experimentar, aunque sea tan solo por un solo día, aquello que llevas imaginando toda la vida.

Los amantes del terror tienen muchas novias en el streaming. Sin duda, entre las plataformas temáticas, hay una fuerte predilección por las películas y series “de miedo”. Y nunca es mejor fecha para acudir a ellas que durante el mes de octubre, cuando los espectadores más adeptos a Halloween hacen su maratón del terror. Y aquí entra en juego Bloodstream, disponible en España.

Bloodstream ofrece dos planes: uno gratuito y otro, de pago, a razón de unos 6 euros al mes, o bien unos 61 euros al año. Si optas por la versión más económica (o totalmente económica, mejor dicho), tendrás que lidiar con anuncios. La plataforma Bloodstream está especializada en terror y, para acceder a su catálogo, debes confirmar que tienes más de 18 años. Y no es por capricho.

Este servicio de streaming nació en el pasado mes de octubre y, desde entonces, suma casi 2000 títulos. Además, Bloodstream ha firmado una colaboración con una IA para localizar películas mediante subtitulación avanzada o doblaje, con el propósito de abrir su contenido menos popular (mayoritariamente en inglés) a mercados extranjeros. Esto tiene como consecuencia la internacionalización de directores que rara vez salen de los Estados Unidos.

¿Qué películas puedo encontrar en Bloodstream?

Bloodstream aterrizó con una promesa: los amantes del terror más chocarrero por fin tendrían su banquete: en esta plataforma, pueden encontrarse la mayor parte de los trabajos genéricos de la productora Well Go USA o la mítica The Asylum, de forma que, si te apetece ver Sharknado, la tienes en Bloodstream.

En caso de que tu gusto sanguinario sea algo más refinado, esta plataforma también tiene películas para ti: en su catálogo, hay clásicos como el Nosferatu de Murnau, El gabinete del doctor Caligari, La parada de los monstruos o la pionera La noche de los muertos vivientes. También, Al final de la escalera, contendiente de El exorcista al trono del terror de los 80. En cambio, además de estas (o de otras, como la magnífica La bruja vampiro de Dreyer o la española El cadáver de Anna Fritz), Bloodstream se salta (un poco) sus normas al infiltrar en su catálogo títulos allende al terror, como Charada o La mujer del cuadro.

La muerte de Patrick Stewart, el inolvidable capitán Jean-Luc Picard de Star Trek y el profesor Charles Xavier de X-Men, ha provocado una oleada de reacciones entre compañeros de reparto, actores y cineastas que trabajaron con él durante sus más de seis décadas de carrera. Stewart murió a los 86 años en su casa de Los Ángeles, según confirmó su portavoz, tras una breve evolución de alzhéimer y demencia con cuerpos de Lewy.

Uno de los primeros en despedirse fue William Shatner, el capitán James T. Kirk de la serie original de Star Trek. El actor publicó un mensaje en Facebook en el que recordó a Stewart como amigo, compañero y "magnífico actor", y destacó la inteligencia, la elegancia y la humanidad que imprimió a Picard. "El capitán Picard representaba lo mejor de nosotros", escribió.

También desde el universo de Star Trek, George Takei, que interpretó a Hikaru Sulu en la serie original, reaccionó en Bluesky y calificó a Stewart de "leyenda verdadera e irreemplazable". Takei destacó que su interpretación de Picard inspiró a una nueva generación a imaginar un futuro mejor para la humanidad.

Más escueto fue Wil Wheaton, Wesley Crusher en Star Trek: The Next Generation, quien publicó en redes sociales una fotografía junto a Stewart acompañada del mensaje "Buen viaje, capitán". Por su parte, Jonathan Frakes, el comandante William Riker y mano derecha de Picard en la misma serie, compartió otra imagen con un mensaje de despedida: "Descansa en paz, amigo mío". Ambas reacciones fueron recogidas por Variety.

Las muestras de cariño también llegaron desde X-Men. Hugh Jackman, que interpretó a Wolverine y compartió varias películas con Stewart, publicó en Instagram que el mundo había perdido a uno de los grandes actores de teatro y cine y, para él, a "un amigo y un hombre extraordinario". Jackman añadió que aprendió muchísimo de Stewart y que lo echará de menos "todos los días".

Otro de sus compañeros más cercanos, Ian McKellen, Magneto en la saga X-Men, lo recordó también en Instagram. McKellen, amigo de Stewart desde que ambos coincidieron como jóvenes actores en la Royal Shakespeare Company, destacó su franqueza, su calidez y su capacidad para mostrar sus emociones. Ambos mantuvieron una estrecha amistad durante décadas y McKellen llegó incluso a oficiar la boda de Stewart con Sunny Ozell en 2013.

Rebecca Romijn, que interpretó a Mística en las primeras películas de X-Men, publicó igualmente en Instagram un vídeo de homenaje y escribió que haber sido amiga de Stewart había sido "un regalo".

Marvel recuerda al profesor Xavier

Kevin Feige, presidente de Marvel Studios, recordó la primera vez que vio a Stewart en el rodaje de la primera X-Men y aseguró que quedó impresionado no solo por su presencia como actor, sino también por su carácter fuera de cámara. Lo definió como brillante, cálido, generoso y dotado de una enorme fuerza y gravedad interpretativa.

Marvel Studios destacó en un comunicado que Stewart dio vida a Charles Xavier con "gracia, inteligencia y humanidad" y que acabó definiendo al personaje para generaciones de espectadores, desde X-Men hasta Logan y la próxima Vengadores: Doomsday.

Los directores Joe y Anthony Russo, responsables de Vengadores: Doomsday, también lo homenajearon mediante un comunicado y lo definieron como un actor legendario de enorme presencia e integridad, además de agradecerle las lecciones de humanidad que dejó dentro y fuera de la pantalla.Seth MacFarlane recuerda su humildad

También Seth MacFarlane, creador de Padre de familia y Padre made in USA, recordó su larga colaboración con Stewart. El actor puso voz durante años a Avery Bullock en Padre made in USA, además de participar en Padre de familia y narrar Ted. MacFarlane contó que en una ocasión quedó sorprendido por la humildad de Stewart al confesarle que todavía se sentía como un principiante ante un nuevo proyecto, pese a llevar décadas de carrera.

A las despedidas se sumó además Kyle MacLachlan, protagonista de Dune y Twin Peaks, quien recordó en Instagram los trabajos que compartieron, desde Dune hasta los escenarios de Nueva York, y escribió: "I already miss you". En Dune, Stewart había interpretado a Gurney Halleck.

Republican Iowa congressional candidate Joe Mitchell vowed to investigate former National Institute of Allergy and Infectious Diseases Director Dr. Anthony Fauci if elected to Congress, expressing his desire to serve on an oversight committee while recounting his grandmother's death following a COVID-19 vaccination during a Make Iowa Healthy Again rally Wednesday.

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Directores: Olivier Nakache, Eric Toledano. Guion: O. Nakache, E. Toledano y Nathalie Hertzberg. Intérpretes: Louis Garrel, Camille Cottin, Pierre Lottin, Simon Boublil. Francia, 2026. Duración: 116 minutos. Comedia

En las paredes, en la radio y en los tocadiscos reinaban The Cure, Georgel Michael, Imagination, Depeche Mode... Los vídeo clubs estaban aún atestados y comenzaba a proliferar los ordenadores, unos armatostes tremendos. Bienvenidos, de nuevo, a los años 80, concretamente, al París de ese tiempo, hasta donde nos llevan Nakache y Toledano, autores, entre otras, de la sobrevalorada «Intocable», esta vez con una comedia que quizá sea ya la mejor de su trayectoria.

Tierna, entrañable, divertida y blanquísima, Vincent, de 13 años, pertenece a una familia de raíces judías y árabes donde el padre disimula malamente que se ha quedado en el paro, la madre intenta escalar puestos en la empresa donde trabaja y su hermano mayor se saca unos buenos francos vendiendo radiocasetes con la mejor música del momento. Vincent comienza a sentir algo distinto por una chica del colegio mientras se plantea preguntas sobre su propia identidad y la película apunta, aunque más tímidamente, a otros asuntos, como la emancipación femenina o la crisis económica que padeció Francia entonces. Pero, sobre todo, «Tiempos de ilusión» es las trastadas de los niños, el baile que ambos adultos se marcan un día de pronto en el salón, el primer beso bajo un cinematográfico aguacero; una encantadora tarde de cine, en fin, al ritmo de cualquier temazo de Duran Duran o, por ejemplo. ¿Se acuerdan, no?

Lo mejor: El reparto, la ambientación y una banda sonora que encantará a muchísimos

Lo peor: Se nota bastante que evita todo el tiempo profundizar en cualquier tema peliagudo

A Jennifer Lawrence tendremos oportunidad de volver a verla en su saga más taquillera, la de Los juegos del hambre, junto a Josh Hutcherson y Woody Harrelson que regresan en la precuela Amanecer en la cosecha, con estreno previsto en cines para el 20 de noviembre. Aunque los tres regresan a Panem solo en unas intervenciones especiales.

El protagonismo de esta nueva entrega basada en los libros de Suzanne Collins recae en los jóvenes Mckenna Grace, como Maysilee Donner, tributo del Distrito 12 en el Segundo Vasallaje de los Veinticinco, y Joseph Rada interpretando al principal protagonista, el de Haymitch Abernathy a los 16 años, el personaje que encarnó Harrelson. Pero ante la inminencia del estreno de la película, Lawrence está también siendo entrevistada en varios medios.

Una de sus intervenciones ha sido en un reciente podcast de Call Her Daddy presentado por Alex Cooper en el que ha recordado la principal anécdota durante el rodaje con Bradley Cooper en El lado bueno de las cosas estrenada en 2012, precisamente el mismo año que la primera de Los juegos del hambre, y por la que obtuvo el Oscar a mejor actriz.

Tras rodar la escena del beso, y que vemos al final de la película, le hizo un comentario a su compañero de reparto, "Le dije: ¿No estás ya harto de tanto besar?", pero al menos en un primer momento parece que a Cooper no pareció sentarle demasiado bien la frase. "A él no le hizo gracia", recordó la actriz.

Para Lawrence, la sensación es que hubo unos instantes algo embarazosos entre los dos en esa escena en concreto que ha definido como una "gran sesión de besos". Y, tras el comentario de ella, "fue uno de esos momentos en los que dices: "¿Verdad?", y la otra persona responde: "Ah...", sin más, sin saber qué responder.

También confesó que antes de rodar la película estaba estaba "definitivamente nerviosa" cuando conoció a Cooper en el set de rodaje. Y es que entonces él ya era una estrella tras el taquillazo de Resacón en Las Vegas. La celebridad más importante con la que había trabajado hasta la fecha., pero no la única porque en el reparto estaba la veterana Jacki Weaver y nada menos que Robert De Niro.

La "hermandad" Jennifer Lawrence y Bradley Cooper

Dirigida por David O'Russell, El lado bueno de las cosas era una comedia dramática romántica sobre la particular atracción de dos singulares personajes en un momento delicado, él como un exprofesor que acaba de salir de un centro psiquiátrico tras agredir al amante de su mujer, y ella una chica del vecindario viuda y también muy herida emocionalmente.

De sus 8 nominaciones a los Oscar, incluida la de mejor película, se hizo con la de mejor actriz para Jennifer Lawrence, en una categoría que tenía rivales de gran altura como Jessica Chastain por La noche más oscura o a Naomi Watts por Lo imposible de J.A. Bayona. Y en taquilla fue todo un éxito recaudando 263 millones de dólares en cines.

En lo referente a la relación entre Lawrence y Cooper, pues no siguió nada mal. Juntos protagonizaron tres películas más, La gran estafa americana (2013) y Joy (2015) repitiendo a las órdenes de O'Russell, y Serena (2014) dirigida por Suzanne Bier. Y siempre resaltando en sus declaraciones que, a parte de buena química, las suyas son solo relaciones de "hermandad", basadas en la amistad y respeto profesional. Nada de romances ni tensiones sexuales no resueltas.