El Liceu estrena este viernes la ópera I Capuleti e i Montecchi, de Vincenzo Bellini, una de las joyas del bel canto que narra la dramática historia de los dos célebres amantes de Verona basada en la obra renacentista y alejada de la famosísima de Shakespeare. El director Allex Aguilera ha ideado una puesta de escena simbólica de esta ópera que cuenta como principal reclamo con la soprano norteamericana belcantista Lisette Oropesa en el rol de Giulietta. El papel de Romeo fue escrito para mezzosoprano y lo asumirá la italiana Raffaella Lupinacci, que debuta en el Liceu. El maestro Riccardo Frizza se pondrá al frente de la orquesta en esta función que estará en cartel hasta el 11 de noviembre.

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Si uno tiene ganas de disfrazarse y quemar los panellets y las castañas, la oferta para salir a bailar es infinita. La sala Razzmatazz une sus dos fiestas más exitosas (Mandanga y el Dirty) para organizar su Razzlloween; en Apolo pinchará el histórico DJ de techno Óscar Mulero y en La Paloma se podrá bailar funk, soul y música disco con el DJ británico Kirollus. Pero este fin de semana la oferta se extiende a la tarde y a espacios poco habituales, como una rave techno en las Tres Xemeneies de Sant Adrià del Besòs o ediciones especiales y más multitudinarias de fiestas icónicas de la ciudad como la queer Churros con Chocolate o la argentina Bresh.

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Dirección: Javier Giner. Guion: Javier Giner y Luisa Matienzo. Intérpretes: Oriol Pla, Marina Salas, Gemma Martínez y Kai Etxaniz. España, 2026. Duración: 110 minutos. Drama.

Hay una hermosa idea vertebral en “Esta soledad”: el hecho de contar lo que ocurre después de una ruptura amorosa que se intuye traumática sin explicar los motivos que la causaron y observando los restos del naufragio por separado, descartando las clásicas segundas oportunidades, dejando a sus personajes a la deriva, lidiando con lo que significa estar solos de nuevo. Esa radical separación desembocará, finalmente, en una preciosa secuencia, que demuestra que el plano/contraplano sigue siendo la mejor figura retórica para potenciar la mirada de los afectos en el lenguaje cinematográfico.

Pero, hasta llegar ahí, Leo (Oriol Pla, con esa corporalidad tan presente, tan expresiva) y Lorea (Marina Salas, que tiene que cargar con demasiada hostilidad sobre sus hombros) han de transitar caminos pedregosos, que riman en un aspecto fundamental -la conflictiva relación con sus respectivas madres, que no es sino otra manera de reflexionar sobre su identidad en estado de demolición-, lo que se convertirá en su particular cruzada contra sí mismos.

El debut en el largo de Javier Giner después de la serie “Yo, adicto” sobrevive con pericia a sus propios desequilibrios. El principal procede del drama de sus personajes, mucho mejor definido en el caso de Leo, cuyo sentimiento de orfandad parece contagiarse a todas sus acciones, a su estar en el mundo: a su monólogo teatral; a sus descansos en el supermercado en el que trabaja; al momento en que, en la ambulancia, pregunta si su padre se va a morir; a la secuencia de su encuentro decisivo con el pasado. A su lado, el malestar de Lorea queda desdibujado, y su peripecia con una expresidiaria como improvisada ‘roommate’ suena del todo postiza. Acaso la tensión no resuelta que acabó con la ruptura de Leo y Lorea se traslada a la propia película, inestable por naturaleza.

Lo mejor:

El planteamiento, la escena final y Oriol Pla, siempre es un placer verle.

Lo peor:

Los desequilibrios dramáticos entre las historias de los dos personajes descompensan el conjunto.

Dirección y guion: Na Hong-jin. Intérpretes: Hwang Jung-min, Zo In-sung, Hoyeon, Taylor Russell. Corea del Sur, 2026. Duración: 160 minutos. Ciencia-ficción.

¿Y si el caballo con jinete de Eadward Muybridge no estuviera solo haciendo una carrera consigo mismo sino escapando de algo o de alguien? ¿Y si en ese estudio cronofotográfico, en el que se demostraba que, al galope, el caballo nunca tocaba el suelo, estuviera naciendo la historia de la persecución cinematográfica? Como si, en realidad, estuviera celebrando el espectáculo de un movimiento que se demuestra huyendo, en un deliberado homenaje a la fuerza genética y cinética del cine de los orígenes, “Hope” organiza sus dilatadas dos horas y cuarenta minutos de metraje alrededor de dos persecuciones.

A un nivel estructural, es una decisión arriesgada, porque desprecia la arquitectura aristotélica de los tres actos y hace que el filme tienda a la abstracción. Bregado en el cine de acción de probada eficacia (“The Chaser”, “The Yellow Sea”), el coreano Na Hong-jin está más cerca aquí de “Mad Max: Furia en la carretera” (o, en su defecto, de los cortos del Coyote y Correcaminos) que de la saga “Fast and Furious”. Bajo el amparo de la fábula de ciencia-ficción apocalíptica, en clave de suntuosa ‘monster movie’, “Hope” no es solo un elogio a la velocidad sino también a una destrucción que parece expandirse por el encuadre como por generación espontánea.

En la primera de las persecuciones llama la atención que el enemigo tarda en aparecer al menos cuarenta minutos, de modo que el devastador juego entre gato y ratón se produce entre un policía y un vacío ensordecedor, y este arrasa con todo lo que toca aunque permanezca fuera de campo. El efecto de extrañamiento es singular, tanto como el frenético ritmo interno de una secuencia que, finalmente, hace visible a su monstruo alienígena. Tendremos tiempo de cansarnos de ver a las criaturas más tarde, en la secuencia del bosque y, finalmente, en la carretera, un fin de fiesta modélico para un festival de excesos cinéticos.

“Hope” sería excepcional si asumiera su condición de película sin historia, cuya insultante insularidad -no hay aquí, por ejemplo, las preocupaciones ecológicas e ideológicas del Bong Joon-ho de “The Host”- desafía dobles lecturas coyunturales. Sorprende, pues, que Na Jong-hin se resista a terminar el filme cuando no hay nada más que aniquilar, como si no estuviera satisfecho con el espectáculo de pura acción y tuviera que buscarse un pretexto argumental en forma de epílogo spielbergiano más bien grotesco.

Lo mejor:

Es una lección magistral de puesta en escena, con particular mención al montaje, de una persecución hecha espectáculo.

Lo peor:

El final, completamente innecesario, parece anunciar un “continuará”.

Director: Christopher Cartagena. Guion: Christopher Cartagena, Joan-Pol Argenter e Imanol Ortiz López. Intérpretes: Claudia Salas, Fariba Sheikhan, Eloy Azorín y Noah Casas. Duración: minutos. España, 2025. Terror.

Pero lo que parecía una huida desesperada y casi necesaria oculta algo: Tomás esconde un terrible secreto que pondrá en peligro la vida de su familia. En medio del caos, este desaparece mientras llega a la propiedad una chica que dice tratarse de la compradora. Una atmósfera ciertamente claustrofóbica, asfixiante, envuelve la interesante y sangrienta opera prima de Christopher Cartagena que, quizá al final, debe hacer algunos malabares para cerra la propuesta. Pero, vaya, un debut que se las trae.

Lo mejor:

El violentísimo duelo, llevado hasta el límite, entre los dos personajes femeninos

Lo peor:

No quiero ni imaginar los traumas que provocará en esta pobre niña todo lo que pasa

Directores: Olivier Nakache, Eric Toledano. Guion: O. Nakache, E. Toledano y Nathalie Hertzberg. Intérpretes: Louis Garrel, Camille Cottin, Pierre Lottin, Simon Boublil. Francia, 2026. Duración: 116 minutos. Comedia

En las paredes, en la radio y en los tocadiscos reinaban The Cure, Georgel Michael, Imagination, Depeche Mode... Los vídeo clubs estaban aún atestados y comenzaba a proliferar los ordenadores, unos armatostes tremendos. Bienvenidos, de nuevo, a los años 80, concretamente, al París de ese tiempo, hasta donde nos llevan Nakache y Toledano, autores, entre otras, de la sobrevalorada «Intocable», esta vez con una comedia que quizá sea ya la mejor de su trayectoria.

Tierna, entrañable, divertida y blanquísima, Vincent, de 13 años, pertenece a una familia de raíces judías y árabes donde el padre disimula malamente que se ha quedado en el paro, la madre intenta escalar puestos en la empresa donde trabaja y su hermano mayor se saca unos buenos francos vendiendo radiocasetes con la mejor música del momento. Vincent comienza a sentir algo distinto por una chica del colegio mientras se plantea preguntas sobre su propia identidad y la película apunta, aunque más tímidamente, a otros asuntos, como la emancipación femenina o la crisis económica que padeció Francia entonces. Pero, sobre todo, «Tiempos de ilusión» es las trastadas de los niños, el baile que ambos adultos se marcan un día de pronto en el salón, el primer beso bajo un cinematográfico aguacero; una encantadora tarde de cine, en fin, al ritmo de cualquier temazo de Duran Duran o, por ejemplo. ¿Se acuerdan, no?

Lo mejor: El reparto, la ambientación y una banda sonora que encantará a muchísimos

Lo peor: Se nota bastante que evita todo el tiempo profundizar en cualquier tema peliagudo

Edvard Munch y [[LINK:TAG|||tag|||6336155059a61a391e0a0edf|||Pablo Picasso]], dos de los más grandes pintores del siglo XX, nunca se conocieron en persona. Jamás coincidieron a pesar de compartir 63 años de vida, desde el nacimiento del malagueño en 1881 hasta la muerte del noruego en 1944. Sin embargo, sí consta tanto la influencia recíproca entre ambos así como la convivencia de sus obras en más de diez exposiciones colectivas, desde la primera vez en la gran muestra de la Sonderbund de Colonia, en 1912, donde el nórdico conoció la obra del español, quien ya sabía de la creación de Munch por sus influencias en Barcelona. Sin embargo, la exposición Munch-Picasso supone la primera vez que ambos artistas se muestran solos, cara a cara, dialogando imaginariamente desde las paredes del Museo Picasso Málaga. «Es como si Picasso invitara a Munch a tomarse una copa de Málaga Virgen en su casa», resumió el director artístico del Museo, Miguel López-Remiro, en la presentación de la muestra –inaugurada por la reina Sonia de Noruega–, que podrá visitarse hasta el 28 de febrero de 2027.

La exposición, que cuenta con más de cien obras entre pinturas, grabados y dibujos –con una aportación destacable del Munchmusset Oslo–, está comisariada por la historiadora del arte Paloma Alarcó, para quien la trama del discurso expositivo «explora diálogos imposibles entre dos personalidades dispares que pertenecieron a generaciones y países distintos, tenían estrategias y sensibilidades artísticas divergentes y también formas opuestas de explorar la pintura, pero compartían una similar obsesión por los misterios profundos de la vida, así como intereses comunes a lo largo de sus fecundas carreras».

Y es que, desde una edad temprana, tanto Munch como Picasso manifestaron la convicción de que estaban llamados a transformar el arte de su tiempo. Aunque desarrollaron trayectorias muy diferentes y adoptaron soluciones plásticas a menudo contrapuestas, ambos compartieron una misma voluntad de romper con las convenciones heredadas y adentrarse en territorios expresivos inéditos. Sus obras revelan afinidades sorprendentes que trascienden las diferencias generacionales, culturales y estilísticas. El amor, la muerte, la soledad, la angustia, la sexualidad o la vida moderna son temas recurrentes en los dos monstruos del pincel.

Así, la convergencia de sus producciones artísticas se explica, como argumento más destacado, con la transformación de la figura humana, que en ambos va mucho más allá de una cuestión estética. La deformación, la fragmentación o la distorsión se convierten en recursos para expresar una realidad emocional y existencial compleja. Edvard Munch utilizó la intensidad del color, la vibración de la línea y la fuerza simbólica del paisaje para transmitir sentimientos como la angustia, la soledad, el deseo o la pérdida. «El Grito» es el epítome de ello. Pablo Picasso, por su parte, llevó esta ruptura un paso más allá al descomponer la forma y multiplicar los puntos de vista, convirtiendo la pintura en un espacio de experimentación donde la realidad aparece en constante cambio. En los dos casos, la imagen abandona la representación armónica para convertirse en un escenario de tensión, conflicto y presencia.

La visita de los Reyes de España a la republicana Francia estaba anunciada desde agosto de 1976. Era un paso decisivo para la integración del proyecto democratizador de Juan Carlos I en la Europa de la época. Se trataba de acabar con el medio siglo de distanciamiento y zancadillas de Francia a nuestro país. En las 48 horas previas al aterrizaje del avión real en el aeropuerto de Orly, el 27 de octubre, una cadena de potentes explosiones sacudió París. Durante las dos noches anteriores, cinco artefactos estallaron de forma coordinada en diversos puntos estratégicos de París y sus alrededores. Los objetivos seleccionados por los terroristas estaban vinculados a empresas industriales francesas con intereses en España y a sedes de organismos internacionales.

La autoría de estos ataques fue reivindicada por el denominado Grupo de Acción Juvenil y por la organización anarquista «Puig Antich-Oriol Solé», constituida en homenaje a dos militantes del Movimiento Ibérico de Liberación-Grupos Autónomos de Combate. El primero de los citados fue ejecutado en 1974, y el otro, murió como consecuencia de los disparos policiales cuando iba a cruzar la frontera francesa tras fugarse de la cárcel de Segovia en abril de 1976. Al mismo tiempo, organizaciones de la extrema izquierda gala, como la Liga Comunista y el Partido Marxista-Leninista, junto con el Comité de Información y de Solidaridad con España, lanzaron convocatorias de protesta en las calles parisinas para denunciar la «dictadura» de Juan Carlos I.

Ante la inminencia de la llegada de los Reyes y el riesgo manifiesto de nuevas acciones violentas terroristas y callejeras, el Ministerio del Interior francés activó un dispositivo de seguridad de dimensiones colosales. La gendarmería, las Compañías Republicanas de Seguridad y las fuerzas de policía local reforzaron los controles en todas las carreteras fronterizas del País Vasco francés y las principales calles de París. En la capital francesa no iba a moverse un manifestante sin que lo quisiera el Gobierno.

Como parte de estas medidas preventivas, las autoridades francesas decretaron el confinamiento forzoso de once «refugiados políticos», trasladándolos bajo custodia a la isla de Yeu -situada frente a las costas de la región de Vendée- hasta la conclusión de la estancia real el 30 de octubre. Entre los confinados en la isla atlántica figuraban Francisco Celaya, Miguel Uba Otaola, Pedro Goyeneche, Juan María Iraola, José Villar Gurruchaga, José Zapirain, Santiago Zapirain, Gaspar Zubimendi, Juan Ochoantesana, José Garriaga y José Mazusta. Asimismo, más de treinta refugiados residentes en la zona fronteriza fueron obligados a presentarse dos veces al día en las comisarías policiales.

Los activistas de la extrema izquierda, simpatizantes con el terrorismo de ETA y GRAPO en España, persiguieron a los Reyes. La conferencia que el Monarca tenía previsto pronunciar ante los alumnos de la Escuela Politécnica de Palaiseau, a unos 25 km al suroeste de París, fue suspendida a última hora ante el riesgo de un escrache estudiantil violento. La intervención académica fue reemplazada por un acto de profundo calado institucional en la histórica Escuela Militar de París, donde no hubo problemas.

Giscard, muy tolerante con ETA

A pesar de la tensión ambiental, a las tres en punto de la tarde del miércoles 27 de octubre de 1976, los dos aviones Mystère que trasladaban a la representación española tomaron tierra en el aeropuerto de Orly. En el pabellón de honor, el presidente de la República Francesa, Valéry Giscard d’Estaing, acompañado por su esposa Anne-Aymone y el Gobierno en pleno encabezado por el primer ministro Raymond Barre, tributó a los Reyes una calurosa recepción de Estado. Aquella visita, gestionada por el embajador secreto de Juan Carlos I, Manuel Prado y Colón de Carvajal, fue difícil de conseguir. Giscard, muy tolerante con ETA, no quería a España en Europa y, como luego confesó el Rey, se trataba de un personaje engreído y vanidoso.

Durante las jornadas siguientes, Don Juan Carlos mantuvo tres entrevistas privadas en el Palacio del Elíseo con el presidente Giscard d’Estaing, mientras los ministros de Asuntos Exteriores, Marcelino Oreja y Louis de Guiringaud, repasaban los aspectos bilaterales en el Quai d’Orsay. Por su parte, la Reina Doña Sofía visitó las excavaciones arqueológicas de Notre-Dame, y ambos Monarcas asistieron a una recepción en el Ayuntamiento de París (Casa de la Villa) donde fueron aclamados por la colonia española y el pueblo parisino. La prensa francesa subrayó el éxito del viaje para el entendimiento bilateral. Aquí, un periodista entrevistó al Rey por la visita y vinculó la democracia con la libertad del activismo de la extrema izquierda. Juan Carlos se revolvió y preguntó: «¿Qué pensarías tú si voy a un pueblo español y se cercan con vallas las calles?».

Lo primero, fue una intuición, o más bien la constatación de una realidad. El mundo, la sociedad, les estaba expulsando, les agredía en todos los sentidos. «En realidad, es que no sabemos hacer nada premeditado, solo nos dejamos llevar por lo que nos gusta y por lo que nos sucede», dice Ovidi Tormo, vocalista de Los Zigarros. «Y así es como salieron las canciones en un fin de semana... ¡y nos sobró el domingo para dar una vuelta!», ríe su hermano Álvaro sobre el contenido del nuevo disco de la banda, «Carne con patatas», un trabajo –que se publica mañana– movido como reacción ante la creciente hostilidad de un entorno cada vez menos vivible. La gira de presentación, que arranca en enero, les lleva a La Riviera el 6 de febrero (Inverfest, entradas agotadas).

Más que un disco, es un manifiesto, pero sin dar la turra.

Ovidi Tormo: Totalmente. Porque sentimos un profundo hartazgo del ser humano. Pero también hay esperanza y amor.

Álvaro Tormo: Es así, pero no un manifiesto en sentido político, sino vital. No queremos decirle a nadie lo que debe pensar sino cómo vemos el mundo y nos preguntamos: ‘‘¿Qué está pasando’’?.

Cualquiera puede suscribir: «Las redes sociales nos han convertido en unos anormales».

O. T.: Es que eso te lo dicen hasta los que trabajan en ellas, que son los primeros que saben que envenenan. Por eso creo que es un disco humanista, que no tiene color político sino que tiene que ver con lo más básico que nos parece terrible de nuestra sociedad.

Sí, pero como dicen «Jay y Bob el silencioso», una cosa es saber las normas y otra vivir de acuerdo con ellas

Á. T.: Nosotros no tenemos redes. Ninguna. Tenemos la suerte de que los perfiles del grupo los llevan fuera, aunque nosotros damos el visto bueno. Pero inevitablemente tienes contacto con ellas porque antes podías vivir en una cueva pero ahora ni siquiera se puede eso: no tocamos mucho el móvil, pero es inevitable hacerlo.

En «Yo no soy tu enemigo» hablan de la clave: nos quieren divididos y enfrentados.

O. T.: Se habla poco de la violencia general que existe en nuestra sociedad. Ese es el verdadero causante del mal de la humanidad. Y por eso la política no se hace desde la cabeza, se expresa desde las tripas.

Á. T.: Cuando en realidad, lo único que queremos todos es querer y que nos quieran. Y que valga la pena vivir. Joder, tranquilicémonos un poco.

Ustedes proponen el silencio.

O. T.: Yo creo que nos haría mejores. Esa canción sale de tener que escuchar a tanta gente opinando de todo, todo el rato. Qué coñazo, de verdad. Del tertuliano, del «influencer», del «youtuber»... todos pidiendo casito. Es insoportable. Además, cuando escuchas su «contenido», es desolador: la humanidad siempre ha sido muy estúpida: las redes sociales solo lo corroboran.

Á. T.: A mí me cuesta explicarme qué mueve a alguien a vertir su mala onda en un comentario. ¿Por qué alguie cree que tioene que dar su opinión de una manera tan horrible?

Yo veo una conexión de ese comportamiento con una masculinidad mal entendida. No digo que sea solo el caso.

O. T.: Absolutamente. El querer imponer tu opinión, ser el controlador, el líder, tener más poder, más seguidores, más y más...

Á. T.: Creo que la cosa está cambiando, pero es muy importante que haya una mejor educación a los niños varones, que se les enseñe mejor que a nosotros, que nos decían: «No llores, pórtate como un hombre». Y claro, no te enseñan a querer, a ser sensible, a estar mal, a abrirte a temas emocionales y expresar tus sentimientos. A mí nunca me dijeron «te quiero» mis padres.

Otro de los clichés es la madurez en el rock, que era inconcebible.

O. T.: Es que nadie pensaba que el rock fuera a durar más de tres años. Por eso solo hablaba de la adolescencia y del institnto animal, que está muy bien.Pero ahora descubrimos que puedes hablar de otras cosas y con el mismo filo.

Á. T.: Un día le preguntaron a Neil Young por la frase que dejó escrita Kurt Cobain en su nota de suicidio, que era suya: «Es mejor quemarse que apagarse lentamente». «¿Todavía piensa eso?», le preguntaron. Y él dijo que por supuesto que no, que le había encantado tener hijos y relaciones. Que quería una vida larga.

«Ciao Guia, oggi ti scriviamo per importanti aggiornamenti che riguardano la tua privacy. Le nuove Linee guida del Garante Privacy, in vigore dal 29 ottobre 2026, ci chiedono di spiegarti come funziona il tracking delle newsletter e di lasciarti libero di scegliere». La mail in cui mi declinano al maschile è una di non so quante mail più o meno uguali che ho ricevuto nell’ultima settimana alla casella di posta che uso per i negozi.

«Ogni newsletter che ricevi da noi nasce da tante piccole scelte, in questo ci aiuta anche il tracking pixel. Sono piccole immagini invisibili inserite nelle email, che ci dicono in forma aggregata quante persone aprono la newsletter e quali link raccolgono più interesse, insieme ad alcuni dati tecnici. Sono dati tecnici che ci aiutano a capire cosa funziona e cosa no». Tradotto dal comunicatese: quando ci iscriviamo a una newsletter, chi ce la manda sa se la apriamo o no.

Per quanto dicano che questo li aiuta a capire cosa funzioni e cosa no, è evidente che di queste informazioni non se ne fanno un bel niente, altrimenti saprebbero che tutte le loro mail io le cancello senza aprirle. Funziona così: ormai ogni negozio sul quale clicchi per comprare ti dice «se ti iscrivi alla nostra newsletter ti facciamo lo sconto». Io mi iscrivo, perché sono una scontista di quelle all’ultimo stadio, quelle bisognose delle cliniche di disintossicazione dal miraggio dello sconto.

Poi le newsletter non le apro, perché mica mi serve che mi ricordino che esistono; la newsletter commerciale è quella che i tesisti del Dams chiamerebbero «funzione fàtica del linguaggio», serve a ricordarti che il tal negozio esiste, metti che avessi ricevuto un bonifico stamattina e non sapessi come spenderlo.

Ma io che esistono i negozi me lo ricordo da sola, e che cosa voglio comprare lo so da sola. È una discussione che faccio spesso con gente che vive pubblicizzando cose sui social (in analfabetese: content creator): la pubblicità è un relitto del Novecento. Oggi non c’è qualcuno che non sappia che esiste la Coca Cola o il Dixan o la carta da forno: la pubblicità serve solo a non far restare disoccupati i dipartimenti marketing delle aziende.

Di recente una persona mi diceva che non è vero (mi dicono sempre tutti che non è vero, sono sola nella mia convinzione che la pubblicità non serva più a niente), che è pieno di gente che non sa come spendere i soldi perché è ignara dell’esistenza di questo o di quest’altro lusso, e io pensavo ai trentenni su Twitter (o come si chiama ora) il cui passatempo preferito è dire che nessuno mai è stato povero come loro, e al fatto che da un lato ci sono quelli che non sanno come spendere i soldi senza pubblicità, dall’altro quegli altri che dicono che il lusso esposto poi fa venir voglia di spaccare vetrine, e in mezzo ci sono io che a ogni mail di negozio pensavo: come sei insicuro, ricordarmi continuamente che esisti non è sexy.

Insomma credo che quella per cui i negozi non possono più sapere che non apro le loro mail sia una nuova norma europea, perché Substack mi aveva avvisata due settimane fa che non avrei più potuto sapere se chi si abbona dall’Italia e dalla Francia apriva o non apriva le mie mail, e io avevo visto l’avviso e avevo pensato: cosa vuoi che me ne importi se aprono le mail, l’importante è che continuino a pagare l’abbonamento.

Poi ero andata a vedere le regole della tracciabilità, secondo le quali una mail vale una: se lo stesso abbonato apre una mail varie volte da vari attrezzi sempre un’apertura viene conteggiata, giura Substack. Solo che, le uniche volte che avevo guardato quelle statistiche, l’unica curiosità me l’avevano suscitata certe riceventi che immagino inoltrino (come facciamo tutti con qualunque cosa cui siamo abbonati) le newsletter a molti parenti, per cui la pagina mi diceva che quell’abbonata aveva ricevuto tre mail e ne aveva aperte quarantasette.

Insomma, come funzionano le cose non lo sa Substack, non lo sa il garante per la privacy, e non lo sa neanche la drogheria dove avevo comprato anni fa certe merendine introvabili e che ora ha l’obbligo di avvisarmi che se resto iscritta alle sue comunicazioni loro continueranno a tracciare se apro o no le mail, tipo moglie appiccicosa che chiede perché il suo messaggio non abbia le spunte azzurre.

Di tutte le invenzioni di questo secolo, la privacy è quella che capisco meno, nel senso che mi sembra quella su cui nessuno riesce a decidere come la pensa. È uno scrupolo superfluo? È un’indispensabile difesa dalle intrusioni? È una fissa di cui ci ricordiamo a volte sì a volte no? Tre giorni fa ho ricevuto una mail in molteplici copie, con identico oggetto: “Verifica dei numeri di telefono su BlackBerry KEY2 LE” (sì, ho ancora un Blackberry, prima ve ne fate una ragione e smettete di trasecolare prima possiamo passare a parlare delle cose importanti). Il mittente, Google Phone Verification, mi spiegava che «per semplificare il contatto tramite videochiamata o messaggio, i numeri di telefono di BlackBerry KEY2 LE vengono verificati e aggiunti ai tuoi Account Google».

Mentre un poderoso «ma cosa cazzo» si levava da casa mia, la mail proseguiva a spiegare che «Google otterrà periodicamente il tuo numero dal tuo operatore scambiando informazioni sul dispositivo, ad esempio l’identificatore della scheda SIM, per attivare i servizi Google». Avrei pensato fosse una trappola per farmi cliccare qualcosa e arrubbarmi i punti fragola, ma il messaggio era arrivato a tutte le caselle di posta che ho sul telefono, compresa una da cui non ho mai scritto a nessuno perché la uso solo per avere sotto mano le bozze dei testi cui sto lavorando.

Ora, io ogni volta che Google, nei vent’anni e fischia in cui ho usato sue caselle di posta, mi ha detto «guarda che se non ci dai il tuo numero di telefono un giorno potresti restar chiusa fuori dalla tua casella e non avere mai più le chiavi per rientrare e poi terrore miseria e morte», non ho mai ceduto al ricatto psicologico. Capite bene che tenere botta senza smollare il proprio numero e poi scoprire che la multinazionale cattiva se lo procura comunque perché stanno entrambi, multinazionale e numero, dentro il mio telefono, e insomma non le serve il mio permesso, beh, non è simpaticissimo.

(Non ho mai dato il mio numero a Google non perché pensassi di restare nascosta come Vongola75 quando dice che se sveli ai social che si chiama Maria Addolorata Capuozzi la stai doxxando: non gliel’ho mai dato per non ricevere inutili messaggi pubblicitari sul telefono, da aggiungersi alle inutili mail dei negozi che dovrebbero tracciare se le apro o no).

C’erano delle istruzioni abbastanza semplici e veloci per togliere il numero da ognuno degli account di posta, e l’avvertenza che però, a meno che non fossi andata a disattivare questa possibilità dal menù del Blackberry, l’avrebbero ri-aggiunto. L’ho tolto, sono andata sul Blackberry, ho cliccato su «guai a voi se vi azzardate a prendervi di nuovo il mio numero», e tutto è bene quel che finisce bene. Però ho una domanda.

Come tutti sanno, i Blackberry non li producono più da sei anni, quello che uso io l’ho comprato (di contrabbando o giù di lì) quattro anni fa. Quindi escludo sia un aggiornamento di sistema del Blackberry: immagino sia una novità di Google. Com’è possibile che, nella stessa settimana in cui le regole di privacy dell’Europa dicono alle newsletter guai a voi se non avvisate i destinatari che controllate se le mail le hanno aperte o no, è una gravissima violazione della privacy di Sorcioni che un negozio in cui ha comprato delle calze otto anni fa sappia che sono otto anni che non apre una sua mail, com’è possibile che negli stessi giorni dicano a Google «ma certo che potete prendervi i numeri di telefono della clientela che non ve li ha mai dati»? Sono io che non ho capito com’è fatta la privacy, o è che – come tutto, ormai – è fatta a casaccio?

L'articolo La privacy è la più incomprensibile di tutte le invenzioni, ed è fatta a casaccio proviene da Linkiesta.it.

Questo è un articolo del nuovo numero de Linkiesta Etc dedicato al tema dei limiti, disponibile in edicole selezionate a Milano e Roma, e negli aeroporti e nelle stazioni di tutta Italia. E ordinabile qui.

Ci sono viaggi il cui tragitto è sufficiente per garantire una perfetta decompressione mentale, come una sorta di benzodiazepina naturale che si attiva rilasciando calma e un felice stato di benessere. È ciò che accade salendo sulla funivia Lana–Vigiljoch, la terza più antica d’Europa. Sei minuti appena, che vorresti durassero di più, durante i quali il paesaggio si racconta, poco alla volta, in tutta la sua meraviglia: dai meleti appena sopra Lana al bosco di larici e abeti, fino a quando lo sguardo si apre sul panorama di Merano e, nelle giornate più limpide, sulle Dolomiti. 

Questa salita è anche l’unico modo per raggiungere il Vigilius Mountain Resort in Alto Adige. In un battibaleno traffico, clacson e notifiche non sono più un problema, l’aria cambia consistenza e il telefono diventa di colpo inutile. Progettato da Matteo Thun, l’hotel sembra mimetizzarsi con il Monte Vigilio. Nessuna monumentalità alpina da cartolina, nessuna nostalgia tirolese artificiale, solo legno di larice, vetro, pietra naturale, argilla e silenzio per entrare in una diversa percezione del tempo, quasi monastica. 

Parlando di sottrazione, Eremito, in Umbria, va ben oltre i luoghi comuni del Less is more, prefigurando un luogo (ultra)terreno. Non si tratta di un resort spirituale nel senso “instagrammabile” del termine, ma di un ex monastero trasformato in eremo contemporaneo, immerso nella riserva della biosfera del Monte Peglia, dove l’essenziale coincide con tutto ciò che serve davvero. Cellette spartane in luogo di suite, tavolate comuni al posto di guéridon e cene senza stelle al refettorio: in silenzio, accompagnate dal canto gregoriano e illuminate dalla luce delle candele. Per gli “schiavi” della connessione, il digital detox e l’esperienza in sé potrà sembrare estrema. Ma in fondo il vero limite da superare è accettare di non essere più raggiungibili. Qui non si parla proprio di intrattenimento: il tempo non si riempie, si abita. Per ritrovarsi o forse perdersi.

Ci si potrebbe smarrire anche tra le strade polverose dell’entroterra sardo, torrido e assolato, cercando la strada che porta al Cascioni Eco Retreat, nel cuore della Gallura, tra stazzi e diciotto ettari di natura incontaminata. Poche camere, per pochi ospiti. Ognuna ha un porticato, un giardino, una piscina e un nome in lingua sarda: è da qui che inizia il viaggio nella cultura rurale isolana. Le farfalle colorate svolazzano tra uliveti e cespugli di mirto, tutto sembra calibrato per rallentare il ritmo. S’imparano i segreti dell’olio, s’impastano i malloreddus, si percorrono sentieri che conducono allo Stagno Saloni – la laguna protetta – da cui, pagaiando in kayak tra i canneti, si raggiunge il mare. Ma quanto riusciamo a cedere all’ozio serenamente operoso? Forse meno di quanto crediamo.

Da Cascioni Eco Retreat, cinque stelle nella Gallura tra Arzachena e Porto Cervo, è lecito non soltanto chiederselo ma testarlo senza sentirsi affetti da Fomo (Fear Of Missing Out). Il suo opposto, d’altra parte, la cosiddetta Jomo (Joy Of Missing Out), ovverosia la gioia di non partecipare ad alcun evento e perdersi le occasioni sociali, è la filosofia dell’Oasyhotel, dove la malsana idea di vacanza vissuta come un accumulo ossessivo-compulsivo di esperienze viene abbandonata a favore della ristabilita distanza: dagli altri, dal rumore, dalla velocità… All’interno dell’Oasi Dynamo, la prima riserva naturale italiana affiliata al Wwf, sull’Appennino toscano, diciassette lodge in quercia e betulla sono disseminati nel paesaggio come nidi silenziosi, abbastanza lontani gli uni dagli altri da far sentire ogni ospite un esploratore solitario. 

A Oasy si cammina molto, tra le sculture e le opere installate nel parco, firmate ad architetti e progettisti di fama mondiale come Kengo Kuma, Alejandro Aravena e Michele De Lucchi. Ci sono visite guidate anche nello spazio espositivo dedicato alle mostre temporanee, costantemente aggiornate con lavori di artisti affermati ed emergenti. Oltre all’arte, si sta a contatto con la natura, vissuta in ogni sua declinazione: si osservano cervi e rapaci, si cena presto e ci si addormenta tardi guardando le stelle brillare in un buio assoluto. Sorprende accorgersi di quanto il corpo cambi rapidamente non appena si smette di vivere sottoposti a stimoli artificiali continui.

Dalle sollecitazioni costanti fuggono anche i viaggiatori che trovano nell’Isola Santa Cristina, nella laguna veneziana, un rifugio naturale e invisibile agli occhi della Venezia piegata al dazio dei ticket d’ingresso nel tentativo di arginare consumatori compulsivi giornalieri di gelati e souvenir. Oggi l’isolamento è sempre più desiderabile, e quest’isola privata, raggiungibile in appena venti minuti di barca, assume i contorni di un miraggio. 

Garantiti privacy e servizio impeccabile, orto e frutteto biologici, allevamento ittico ecosostenibile, pavoni selvatici in esilio da Punta Marina Terme e un’antica cappella. Mentre, incluso nel soggiorno, c’è soprattutto un profondissimo ed elitario silenzio da godere contemplando la laguna dalla tipica altana veneziana sul tetto della villa. Circondati dall’acqua, si finisce presto per interiorizzare il flusso delle maree, governato dalla luna. E, con un po’ di sorpresa, anche le maree interiori si adeguano, come se avessero ritrovato di nuovo il loro moto naturale. 

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«Premium» è una delle parole più consumate del vocabolario alimentare. Compare sulle confezioni, nei menu, nelle insegne, spesso utilizzata come sinonimo di qualcosa che dovrebbe essere migliore e, quasi inevitabilmente, costare di più. A forza di applicarla a tutto, abbiamo finito per svuotarla. Per chi lavora in cucina, invece, la questione è concreta: che cosa rende davvero superiore una materia prima? Provenienza, certificazioni, lavorazioni e continuità qualitativa sono caratteristiche che incidono sul risultato finale e permettono al ristoratore di conoscere ciò che acquista e raccontarlo al cliente.

È in questo contesto che si inserisce l’arrivo in Italia di METRO Premium, la linea nata nel 2016 e già presente in oltre 17 Paesi del Gruppo, che completa l’offerta dei prodotti a marchio METRO posizionandosi nella fascia più alta dell’assortimento. Per presentarla al mercato italiano, METRO ha organizzato una elegante serata di gala dedicata a clienti, stampa, influencer e opinion leader. Un evento dall’allestimento particolarmente curato, con un servizio di grande standing e un’arpista ad accompagnare la cena. Protagonista della serata è stato il menu realizzato dagli chef di METRO Academy, che hanno cucinato utilizzando le materie prime della nuova linea. Un’occasione per assaporare direttamente nel piatto il pregio degli ingredienti, attraverso preparazioni capaci di valorizzarne le specificità.

L’assortimento debutta con oltre cento referenze, destinate ad aumentare progressivamente, disponibili nei punti vendita e attraverso il servizio di delivery. Il cuore della proposta è rappresentato dal fresco e dall’ultrafresco, con numerosi prodotti DOP e IGP e un’attenzione dichiarata alle certificazioni.

«Con METRO PREMIUM vogliamo offrire ai professionisti della ristorazione e agli appassionati di cucina gourmet ingredienti all’altezza delle proposte gastronomiche più ricercate», spiega Alessia Vanzulli, Head of Fresh, Own Brand & Localism di Metro Italia. «Abbiamo lavorato allo sviluppo di una linea a marchio che esprime la nostra attenzione alla scelta delle materie prime e lascia a ogni chef la libertà di interpretarle secondo la propria visione. Significa fare un passo in più nel rapporto con i nostri clienti: non soltanto rifornire le loro cucine, ma mettere a disposizione ingredienti che sappiano dare forma alle loro ambizioni».

La selezione attraversa buona parte della cucina professionale. Si va dalla Chianina IGP alla Burrata di Andria IGP, dal Pecorino Romano DOP, fino a pasta, riso, olio extravergine di oliva, Aceto Balsamico di Modena, conserve, salumi, pesce affumicato, surgelati e dessert. Una dispensa trasversale, pensata per accompagnare il lavoro del ristoratore dall’antipasto al dolce, in costante evoluzione. La selezione è infatti destinata ad ampliarsi progressivamente, rafforzando la proposta di METRO per i professionisti della ristorazione di fascia alta. 

Tre prodotti raccontano in particolare l’approccio della linea. Le Linguine di Gragnano IGP sono realizzate con grano italiano, trafilate al bronzo ed essiccate lentamente a bassa temperatura, secondo il disciplinare della denominazione. La Burrata di Andria IGP rappresenta una lavorazione casearia legata al territorio, mentre nei Gamberi Rossi del Mediterraneo la qualità passa anche dalla gestione della conservazione: pescati dai pescherecci di Mazara del Vallo, vengono congelati direttamente a bordo per preservarne le caratteristiche organolettiche.

La cena di presentazione ha tradotto questa selezione in un racconto gastronomico, affidando agli chef di METRO Academy il compito di mostrare come ingredienti diversi possano trovare spazio nella ristorazione contemporanea. Perché il valore di una materia prima si misura anche nella sua capacità di rispondere alle esigenze di chi la lavora ogni giorno.

Ed è proprio in cucina che la parola premium può recuperare significato, diventando un criterio di scelta fondato su caratteristiche riconoscibili e verificabili, prima ancora che una promessa sulla confezione.

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Siamo cresciuti entrambi a Lione, sulle rive del Rodano, della Saona e degli stagni circostanti, soprattutto nella Dombes, dove andavamo a pescare con regolarità, in un certo periodo addirittura tutti i fine settimana. Cullati dalla buona tavola, con un padre cuoco, da bambini conoscevamo il fiume più del mare. In effetti, ci sembrava logico frequentare questo ambiente, vivendo lontano dalla costa.

Leggendo i nostri classici, ci siamo resi conto che gli ambienti di acqua dolce e tutti i prodotti a essi associati occupavano un posto speciale sulle nostre tavole.

Alain Chapel prepara la salsa Jean Vignard con la lattanza di carpa, o brodi di funghi con gamberi di fiume; Michel Troisgros cucina la pôchouse (bouillabaisse di acqua dolce), il luccio all’aglio, l’insalata di anguilla, il lucioperca con i mendiant, le rane, la quenelle di luccio da Paul Bocuse…

Il territorio francese presenta una diversità insolita di ambienti naturali, caratterizzata da climi, rilievi, ecosistemi di grande ricchezza, che rendono la diversità dei pesci di fiume un pilastro della nostra cultura gastronomica!

Tuttavia, se per caso voleste acquistare pesce d’acqua dolce nel nostro Paese, vi rendereste conto che è non è semplice. In realtà, sono rimasti pochissimi pescatori professionisti di questi ambienti. La Loira è uno dei fiumi francesi in cui la pesca è ancora importante, ma il numero di pescatori diminuisce di anno in anno e le crescenti restrizioni probabilmente confermeranno questa tendenza. D’altra parte, i pesci d’acqua dolce non sono più molto apprezzati: li trascuriamo sulle nostre tavole, privilegiando specie provenienti da molto lontano, maltrattate e imbottite di antibiotici. Ma “la moda” non ne è l’unica responsabile.

Acque dolci francesi maltrattate
All’origine dell’attuale pessimo stato delle acque dolci francesi ci sono diversi fattori. Su molti fiumi sono state costruite numerose centrali idroelettriche o dighe di regolazione del livello delle acque; queste ultime rappresentano una minaccia reale per le specie migratorie, poiché creano una barriera fisica alle loro rotte.

L’urbanizzazione e l’insediamento di industrie in prossimità di ambienti acquatici sono considerate le cause principali della distruzione di questi habitat. Le rive sono state cementificate e alcuni corsi d’acqua sono stati privati dei loro boschi ripariali (formazioni vegetali che si sviluppano ai margini dei corsi d’acqua o degli specchi d’acqua situati nella zona di confine tra acqua e terraferma (ecotoni), definizione da Actu-Environnement.com) e di tutti i benefici che recavano all’ambiente.

Inoltre, la canalizzazione dei corsi d’acqua ha causato un’accelerazione delle correnti, l’erosione delle rive nei tratti non canalizzati e i sedimenti prodotti hanno contribuito all’ostruzione delle zone di riproduzione (aree in cui si riproducono specie ittiche, ma anche molluschi e crostacei). La canalizzazione è strettamente legata all’insediamento di grandi fabbriche inquinanti sorte sulle rive di fiumi e sui corsi d’acqua per facilitare il trasporto delle merci.

Anche l’uso di pesticidi e fertilizzanti in agricoltura ha avuto conseguenze rilevanti sui corsi d’acqua. Infatti, i fertilizzanti hanno favorito lo sviluppo delle alghe e contribuito all’eutrofizzazione (fenomeno di arricchimento trofico di corpi idrici a debole ricambio; è dovuto al dilavamento dei fertilizzanti usati nella coltivazione delle terre circostanti o all’inquinamento organico. Provoca le fioriture del fitoplancton che, abbassando il tasso di ossigeno, rendono l’ambiente inadatto per altre specie, Enciclopedia Treccani) di alcuni ambienti.

L’insieme di questi fattori ha avuto quindi un forte impatto sulle nostre acque, per ciò che concerne sia la morfologia sia la composizione fisico-chimica. Perché sì, purtroppo le nostre acque sono inquinate da metalli pesanti, PCB (policlorobifenili) e composti perfluorurati.

Le dighe in Francia hanno causato danni alle specie migratorie. Ad esempio, abbiamo deciso di non proporre l’anguilla o la lampreda come specie da cucinare in questo libro. Siamo fermamente convinti che non sia stata la pesca la responsabile della diminuzione di queste specie che vivono sulla Terra da migliaia di anni ma la nostra organizzazione del territorio.

L’anguilla e la lampreda sono animali misteriosi che tornano nei loro luoghi di nascita per deporre le uova al momento giusto. Oggi trasformiamo radicalmente i corsi d’acqua e le numerose dighe hanno reso quasi impraticabili i percorsi d’acqua dolce un tempo usati da queste specie.

“Acqua Dolce. Tecniche di pesca e ricette” di Louis-Paul Manoa e Marie-Victorine Manoa, pagine 288, euro 39,90

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Non solo ginepro. Profumi accattivanti, colori brillanti, forme insolite, nomi curiosi: quello del gin è un mondo in movimento, che cambia continuamente e che si declina in mille forme e tipologie diverse. Questo perché il gin, a differenza di altri spirits, può essere interpretato in modi differenti: la normativa prevede infatti che il gin sia caratterizzato dal sapore predominante del ginepro. Per il resto i produttori hanno carta bianca, possono cioè personalizzare a piacere il prodotto con varie botaniche: erbe, spezie, radici, scorze di agrumi, fiori, piante, cortecce, frutta, tutto può concorrere a trasformare il distillato, che diventa così specchio di volta in volta di un territorio, di una filosofia, produttiva, di un pensiero.

Anche la fantasia può in questo modo spaziare non solo nell’ambito del sapore ma anche in quello dei colori, delle confezioni, dei nomi. Si possono così assaggiare gin che racchiudono l’essenza di un territorio, anche piccolo e particolare: il Sette Laghi di Pisoni racconta attraverso asperula, menta, rabarbaro, genziana, liquirizia e china la Valle dei laghi, situata tra il lago di Garda e le fresche Dolomiti, il TomTime, con l’aggiunta di abete rosso, pigne di cipresso, rosmarino di Montevecchia e regina dei prati, riflette il profumo delle terrazze che da Montevecchia guardano Milano. Oppure si può sorridere gustando un bicchierino di Bud Spencer The Legend Dry Gin: un omaggio alla leggenda di Bud, prodotto da St. Kilian Distillers in Germania, dove l’attore è amatissimo; un gin che al di là dell’etichetta che fa girare la testa ai fan conquista con una particolare aromaticità fruttata e un lieve profumo di caramello.

Ancora, tutti quelli (e sono ormai tanti) che cercano un modo di bere più leggero e low alcol, troveranno una scelta ideale nel Marconi 21 di Poli Distillerie, che con soli 21 gradi è creato apposta per chi ama i cocktail ma vuole sentirsi leggero. Le particolarità dunque possono essere legate a tutti gli ambiti, ma ci sono gin che lasciano davvero a bocca aperta.

Sapori inattesi
Ossia quando a fare la differenza è la sostanza. Ci sono gin che sanno davvero sorprendere il palato. Ne è un esempio estremo il Never Never Oyster Shell Gin, distillato utilizzando gusci di ostriche, alga wakame e sale marino, così come il Cambridge Anty Gin, la cui particolarità è data dall’uso di formiche rosse. Inquietante? Forse un po’ sì. Se si vogliono sorprese senza correre troppi rischi, si può provare il gin Bandito al sale di Cervia, oppure Quattro Gatti Olive Grove Gin, dry gin ottenuto da foglie di olivo, olive e olio d’oliva provenienti da antichi uliveti italiani. Frutta, ma esotica, nel Santa Ana Pomelo Gin, caratterizzato dal dolce pomelo delle Filippine. Ancora, ci sono gin che, prima ancora che il palato, stupiscono la vista: rosa, blu, nero, il colore è un “effetto speciale” che incanta e affascina.

Così Scapegrace Black Gin Premium, il cui incredibile colore nero nasce in modo completamente naturale da una ricetta unica, studiata attraverso la selezione di ingredienti specifici: bacche di aronia per il rosso, zafferano per l’arancione, ananas per il giallo, butterfly pea per il blu e patate dolci per il viola. Scapegrace Black Gin, morbido, vellutato e profumato, è nero quando viene versato ma, con l’aggiunta dell’acqua tonica, si schiarisce in una bellissima sfumatura di rosa violaceo.

Bellissimo è anche il colore cipria di Cubical Kiss, dovuto all’aggiunta, tra le botaniche, di frutti di bosco come fragole, lamponi e mirtilli rossi: sono proprio questi ingredienti a conferire al gin il suo colore naturale e i suoi principali sentori. Giallo ocra è invece Cubical Mango, arricchito con buccia di limone, radice di giaggiolo in polvere, radice di liquirizia in polvere, cassia e appunto mango. Entrambi sono racchiusi nella caratteristica bottiglia a cubo.

La sostanza della forma: bottiglie uniche
Colori, profumi, sapori ma anche forme: ci sono gin che sfoggiano abiti davvero insoliti. Certamente non può passare inosservato il Gin Impavid David, la cui bottiglia ha la forma della testa del David, e il cui gusto è influenzato dalla preziosa aggiunta di polvere di marmo di Carrara, proprio quello usato da Michelangelo. Forse non è artistica, ma è decisamente controcorrente e non convenzionale la scelta di Sapling London Dry Gin: oltre che nella classica bottiglia da settanta centilitri, il gin è disponibile in versione refill e bag in box, soluzioni sviluppate per ridurre l’uso del vetro e l’impatto ambientale dovuto al packaging. Il refill è disponibile anche per lo scozzese Glaswegin. Non una bottiglia, ma una latta, simile a quella dell’olio per le macchine, per l’italiano Gin Engine, il cui nome gioca, appunto, sull’assonanza tra engine (motore in inglese) e gin.

La leggerezza dei nomi
E proprio sulla scelta del nome giocano, con spirito e arguzia, molti produttori. In Maremma si può sorseggiare il Gin.Ghiale, che con mirto, pino e finocchietto selvatico trasporta la mente nei boschi toscani e che con un gioco di parole ben riuscito fa sorridere chi ama quei boschi. Ancora Toscana, ancora Tirreno, ancora macchia mediterranea e ancora un gioco di parole brillante nel Gin Estro, con pino marittimo, foglia di fico, iris e agrumi di costa. E come si può non sorridere assaggiando il Ginocchio London Dry Gin? O il CandeGin? O ancora il GinGillo Gin? Ricordando comunque che dietro alla leggerezza di un nome spiritoso c’è sempre l’essenza di un distillato da sorseggiare con consapevolezza e con gusto.

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Matanzas, Cuba, 29 oct (Prensa Latina) El fotorreportero brasileño Anderson Da Costa destacó hoy el valor del periodismo de investigación para narrar la Amazonia durante el inicio del Festival y Coloquio Internacional de Fotografía Fotocanímar 2026.

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La Paz, 29 oct (Prensa Latina) La Feria Internacional de La Paz (Fipaz) prosigue hoy en el capitalino recinto expositivo Chuquiago Marka, con varios países invitados y una variada programación cultural y comercial.

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Patrick Stewart llegó a ponerse de nuevo en la piel del profesor Charles Xavier para “Avengers: Doomsday”, pero su muerte a los 86 años ha dejado sin resolver una cuestión importante: si había terminado de grabar todas sus escenas. El actor británico aparece en los avances de la película y varios de sus compañeros han confirmado que coincidieron con él durante el rodaje, aunque Marvel todavía no ha aclarado si había completado su trabajo.

El intérprete falleció el miércoles 28 de octubre en su domicilio de Los Ángeles, acompañado por su familia, después de padecer Alzheimer y demencia con cuerpos de Lewy. Stewart era especialmente conocido por sus papeles en “X-Men” y “Star Trek”, dos franquicias que marcaron su trayectoria y en las que interpretó al profesor Xavier y al capitán Jean-Luc Picard, respectivamente.

¿Había terminado Patrick Stewart de rodar “Avengers: Doomsday”?

Marvel Studios anunció en marzo de 2025 que Stewart volvería a interpretar a Charles Xavier en “Avengers: Doomsday”, donde compartiría reparto con varios de sus antiguos compañeros de “X-Men”, entre ellos Ian McKellen, James Marsden, Rebecca Romijn, Alan Cumming y Kelsey Grammer.

El actor aparece en un avance difundido en enero de 2026 junto a McKellen, que recupera su papel de Magneto. En las imágenes, ambos personajes se encuentran frente a un tablero de ajedrez, mientras que otros intérpretes, como Simu Liu y Danny Ramírez, han contado que también coincidieron con ellos durante las grabaciones.

Aunque estos testimonios confirman que Stewart llegó a rodar escenas para la película, se desconoce si había terminado toda su participación antes de fallecer. Marvel tampoco ha anunciado cambios en la producción, cuyo estreno está previsto para el próximo 18 de diciembre.

¿Aparecerá Patrick Stewart en “Avengers: Secret Wars”?

En el caso de “Avengers: Secret Wars”, que llegará a los cines en diciembre de 2027, Marvel no había confirmado la participación de Stewart. Sin embargo, su regreso como Charles Xavier en “Doomsday” había abierto la posibilidad de que el personaje también apareciera en la siguiente entrega, ya que ambas películas estarán relacionadas.

Algunas informaciones sitúan el comienzo del rodaje principal de “Secret Wars” en febrero de 2027, aunque el estudio todavía no ha anunciado oficialmente esa fecha. Si finalmente se mantiene ese calendario, el actor no habría podido participar en las grabaciones previstas para el próximo año, por lo que su posible aparición dependería de la existencia de material filmado con anterioridad.

Por el momento, no hay información que indique que Marvel tenga previsto utilizar imágenes anteriores de Stewart ni que haya tomado alguna decisión sobre el futuro de Charles Xavier en esta segunda película.

El Museo del Prado ha cancelado todas sus actividades programas hasta el próximo lunes, 2 de noviembre, "en señal de duelo y consternación ante el dramático accidente ferroviario en Urda (Toledo)", según ha informado la pinacoteca en sus redes sociales.

La institución ha enviado un "sentido" abrazo a los familiares y allegados de las personas afectadas por esta "terrible" tragedia. El horario se mantendrá igual.

Por su parte, el Museo Thyssen también ha anulado todas sus actividades públicas hasta el sábado 31 de octubre. Concretamente, se ha pospuesto hasta nueva fecha la primera de las conferencias del ciclo El universo freudiano de Dalí, prevista para esta misma tarde. Aun así, el horario de apertura del museo se mantendrá de forma habitual.

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía no tenía ninguna actividad programada para los próximos días, según han detallado fuentes del mismo.

Por otro lado, el Museo del Traje, el Museo del Romanticismo y el Museo de América, que son museos estatales dependientes del Ministerio de Cultura, han cancelado las presentaciones de sus exposiciones La moda a tus pies, Roberta Marrero. Yo soy la navaja y la herida y Imagen y memoria. Argentina 1976-2003, respectivamente, programadas para mañana jueves 29 de octubre.