Elke Sommer, actriz de "El premio", cinta que protagonizó en 1963 junto a Paul Newman y que le valió un Globo de Oro, ha fallecido. La intérprete, en cuya filmografía también destacan títulos como "Diez negritos", "Zeppelin" o "El nuevo caso del inspector Clouseau", secuela de "La pantera rosa", ha muerto a los 85 años a causa de una insuficiencia cardíaca.

La noticia del fallecimiento de Sommer, que tuvo lugar el pasado miércoles en su casa de Bel-Air, la dio a conocer su hijastro, Sebastian Walther, al diario alemán Bild. "Elke falleció tranquilamente alrededor de las diez de la noche. Ahora por fin puede volver a estar con su querido marido", señaló Walther. Su esposo, el hotelero Wolf Walther, había fallecido el pasado 22 de julio.

Hija única, Elke Schletz, verdadero nombre de la actriz, nació en Berlín el 5 de noviembre de 1940. Su padre, Peter, era pastor protestante y falleció cuando ella tenía 14 años; su madre, Renata, se dedicaba a las labores del hogar. A los 17 años, se trasladó sola a Londres, donde pasó un año trabajando como cuidadora de niños en una familia antes de iniciar sus estudios universitarios.

Su primer contacto en el mundo del espectáculo tuvo lugar durante unas vacaciones con su madre en la localidad costera italiana de Viareggio, cuando un desconocido le colocó una banda mientras estaba sentada en una cafetería y la proclamó ganadora de un concurso de belleza. Una fotografía publicada al día siguiente en la prensa llamó la atención de un productor cinematográfico.

Debutó en la gran pantalla en 1959 y, con el impulso del actor y cineasta italiano Vittorio De Sica, inició una trayectoria que, gracias a su dominio de los diferentes idiomas, la llevó a trabajar en producciones italianas, francesas, españolas, británicas y alemanas antes de dar el salto a Hollywood. Sommer saltó a la industria estadounidense con "El premio" (1963), un thriller de espionaje dirigido por Mark Robson en el que compartió protagonismo con Paul Newman.

Su interpretación le valió el Globo de Oro a la actriz revelación en 1964, distinción que aquel año compartió con Tippi Hedren y Ursula Andress. Poco después encarnó a Maria Gambrelli, la empleada doméstica sospechosa de asesinato cuya inocencia se empeña en demostrar el torpe inspector Clouseau de Peter Sellers, en "El nuevo caso del inspector Clouseau" (1964). Dirigida por Blake Edwards, aquella segunda entrega de la saga de "La pantera rosa" le proporcionó uno de los personajes más recordados de su carrera.

Durante la segunda mitad de los sesenta, Sommer alternó la comedia, el suspense y las aventuras de espionaje junto a algunas de las principales estrellas de Hollywood. Norman Jewison la dirigió en "El arte de amar" (1965), con James Garner y Dick Van Dyke, y también compartió pantalla con Glenn Ford y Rita Hayworth en "La trampa del dinero" (1965). En 1966, Sommer interpretó en "El Oscar" a una diseñadora de moda que mantenía una relación sentimental con un actor egocéntrico, encarnado por Stephen Boyd.

Ese mismo año, dio vida en la comedia de Bob Hope Vaya, me equivoqué de número a una rebelde estrella del cine francés, harta de protagonizar anuncios publicitarios de productos de baño de espuma. Su filmografía de aquellos años incluyó también "Más peligrosas que los hombres" (1967), una sátira sobre el control del petróleo saudí en la que dio vida a una asesina lesbiana, y "La mansión de los siete placeres" (1968), nueva entrega en clave de parodia de las aventuras del agente Matt Helm en la que trabajó con Dean Martin y Sharon Tate.

Colaboarción con el padre del "giallo"

En los años setenta, su regreso al cine europeo dio lugar a una de las etapas más singulares de su trayectoria: su colaboración con Mario Bava. A las órdenes del maestro del terror italiano protagonizó "Orgía de sangre" (1972), junto a Joseph Cotten, y "El diablo se lleva los muertos" (1973) en la que dio vida a una turista estadounidense que, durante su estancia en España, cae en las redes de Satanás, interpretado por Telly Savalas.

Con el paso de los años, Sommer compaginó el cine con el teatro y la televisión. Sobre los escenarios protagonizó montajes como Irma la Dulce y otras comedias, mientras que en la pequeña pantalla interpretó a Magda Goebbels en la miniserie "Inside the Third Reich" (1982) y participó como invitada en distintas series estadounidenses como "Hospital" o "Vacaciones en el mar".

Su actividad artística también abarcó la canción, con varios discos como intérprete de cabaret, y la pintura: celebró su primera exposición a los 24 años y llegó a presentar un programa divulgativo sobre esta disciplina.

© EUROPAPRESS

Sayer Ji | May 2, 2025

… I had a direct, revealing encounter with NPR’s embedded bias in May of 2021, when Geoff Brumfiel, one of their senior correspondents, reached out to feature me in a piece titled: “For Some Anti-Vaccine Advocates, Misinformation Is Part Of A Business.” The article was a thinly veiled attempt at character assassination—an example of media functioning not as a seeker of truth, but as a weapon of narrative warfare.

Rather than ignore or stonewall, I made an unusual decision: I invited Brumfiel into a cross-interview, recorded and published in full transparency above. This format allowed both of us to pose questions to each other, and for the public to witness the full, unedited context. The result was deeply revealing—not just of NPR’s approach, but of the larger media machinery it represents.

This candid exchange exposed not only the editorial bias and conflicts of interest at NPR, but also the broader ideological machinery backing the so-called “Disinformation Dozen” narrative, propagated by the Center for Countering Digital Hate (CCDH)—an organization that, ironically, engages in exactly what its name suggests it opposes: digital censorship, hate, and targeted takedowns.

The False Framing of “Anti-Vax” and “Misinformation”

The terms “anti-vaccine” and “misinformation” are wielded like verbal bludgeons—designed to shut down debate and demonize dissent. But the reality is far more nuanced. At GreenMedInfo.com, we curate and publish peer-reviewed research, offering the public access to scientific literature often ignored by mainstream outlets. This is not “misinformation”—it is scientific transparency.

Yet NPR painted me as a profiteer, part of an “anti-vax industry.” They ignored the fact that GreenMedInfo is ad-free and freely accessible, and that Stand for Health Freedom, which I co-founded, is a nonprofit platform defending bodily sovereignty and informed consent.

I challenged NPR and Brumfiel to investigate their own funding relationships—particularly with PhRMA and the Gates Foundation, both of which have donated millions to support pro-vaccine messaging through NPR. When media entities are underwritten by the very industries they’re reporting on, how can the public trust what they hear?

Corporate Sponsorship & Narrative Control

In fact, NPR’s own sponsorships—such as their integration of PhRMA’s “Brand Soundscapes” into NPR’s app—demonstrate just how blurred the line between journalism and marketing has become. And while Brumfiel insisted editorial decisions are independent, the systemic nature of these relationships is hard to ignore. As I pointed out during our dialogue, when NPR receives tens of millions in funding from groups that directly benefit from mass vaccination campaigns, their reporting on those topics cannot be assumed neutral.

The larger story here isn’t about me. It’s about how public media institutions, originally designed to be accountable to the people, have become extensions of corporate and governmental power.

It’s almost hard to remember, but just a few years ago, a lot of very smart people thought that science was in terminal decline. Respected researchers were writing papers with titles like “Are Ideas Getting Harder to Find?”, “Papers and patents are becoming less disruptive over time”, and “Slowed canonical progress in large fields of […]

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Hope es un espectáculo bestial. En este caso, de trepidante y furiosa acción ante la amenaza aniquiladora de unos seres muy extraños. El título no hace alusión a ninguna esperanza, sino al nombre del pueblo que un día amanece literalmente patas arriba cuando una fuerza ingobernable lo destruye todo. La primera hora de Hope, que empieza con el jefe de policía local a pocos kilómetros del pueblo examinando a una res destrozada por las garras de un animal desconocido, es una delirante persecución sin respiro dentro del laberinto de calles, tiendas, oficinas y mercados del pueblo destruido. Un ejemplo asombroso del arte del exceso.

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Hope

Dirección: Na Hong-jin.

Intérpretes: Hwang Jung-min, Jo In-sung, Hoyeon, Michael Fassbender, Alicia Vikander.

Género: ciencia ficción. Corea del Sur, 2026.

Duración: 160 minutos.

Estreno: 30 de noviembre.

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Función de noche, obra maestra de Josefina Molina, sobrevuela como algo más que un fetiche cinéfilo la ópera prima de Javier Giner, autor de la serie autobiográfica Yo, adicto. Si en aquella película de principios de los ochenta —también con el teatro de fondo y también con el cine de John Cassavetes en su espíritu—, asistíamos al doloroso ajuste de cuentas de un matrimonio separado, el ajuste de Giner ocurre en solitario, sin posibilidad de réplica, ante el espejo roto de dos vidas bifurcadas en una misma ciudad, Bilbao.

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Esta soledad

Dirección: Javier Giner.

Intérpretes: Oriol Pla, Marina Salas, Gemma Martínez, Kai Etxaniz, Itziar Lazkano, Ione Irazábal.

Género: drama. España, 2026.

Duración: 110 minutos.

Estreno: 30 de noviembre

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Las tradiciones paganas británicas y celtas en torno al mimbre se basan en el misticismo de la madera de sauce y proceden, entre otras fuentes de las antiguas Grecia y Roma, del geógrafo Estrabón, a principios del siglo I, que describió un coloso de paja y madera frente al que se colocaban seres humanos y animales antes de ser quemados, y de La guerra de las Galias, de Julio César, en el siglo I a. C., que contó cómo los antiguos druidas construían gigantescas efigies con ramas de mimbre y las rellenaban con hombres vivos como sacrificio para sus dioses.

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Wicker

Dirección: Alex Huston Fischer, Eleanor Wilson.

Intérpretes: Olivia Colman, Alexander Skarsgard, Elizabeth Debicki, Peter Dinklage.

Género: fantasía. Reino Unido, 2026.

Duración: 105 minutos.

Estreno: 30 de octubre.

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Los cineastas con una línea marcada de actuación, de estilo y de temáticas, a los que les ha ido bien en la mayoría de sus películas, y que sin embargo deciden en un determinado momento de sus carreras dar un arriesgado giro en su caminar artístico y profesional con un trabajo que pocos esperaban de él, ya han ganado puntos con la decisión. Salga como salga, porque el volantazo conlleva riesgo e impetuosa vitalidad.

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Colisión

Dirección: Daniel Sánchez Arévalo.

Intérpretes: Laia Costa, Álvaro Cervantes, Tamar Novas, Karra Elejalde, Luis Zahera.

Género: thriller. España, 2026.

Plataforma: Netflix.

Duración: 122 minutos.

Estreno: 30 de octubre.

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Toda película de terror es, en cierto modo, una película sobre arquitectura: ningún otro género tira tanto de luz, espacios y perspectivas, da tanto protagonismo a una escalera o convierte una puerta en umbral e interrogación. En el cine de terror las casas se convierten en unos personajes tan famosos como (o más que) sus protagonistas, desde la mansión victoriana de Psicosis (1960) hasta la casa que parece tener ojos de Terror en Amityville (1979), de los pasillos enmoquetados del hotel Overlook en El resplandor (1980) a la pequeña cabaña de Posesión infernal (1981). Y es ante la pantalla cuando el espectador se convierte, a su modo, en un efímero creador de planos, formas y estructuras. Cada vez que gritamos a la pantalla “¡No bajes ahí!" es porque sospechamos que el arquitecto de ese viejo caserón no diseñó una vía extra de evacuación para ese sótano.

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© Warner Bros - Hawk Film (COLLECTION CHRISTOPHEL / Cordon Press)

Hasta el mismísimo Stephen King se ha preguntado cómo nos puede gustar el terror: “Me preguntan por qué escribo lo que escribo, por qué la gente quiere leerlo y va al cine para verlo. ¿Por qué hay personas dispuestas a pagar por sentirse extremadamente incómodas?”, plantea en su ensayo Danza Macabra (Valdemar). Cuando leemos un libro o vemos una película de terror, como quizás hayamos hecho esta semana de Halloween y Todos los Santos, muchas veces experimentamos emociones negativas: miedo, inquietud, en ocasiones incluso asco o angustia. Sin embargo, llenamos salas de cine, devoramos libros y acudimos a clubs de lectura y festivales de cine especializados en terror. ¿Por qué lo pasamos de miedo con el miedo?

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¿Qué piensa ‘el rey del terror’ de todo esto?

A principios de los 80, tras el éxito de Carrie y El resplandor, Stephen King ya estaba cansado de que le preguntaran por qué escribía historias terroríficas. “¿Por qué tiene la gente semejante interés en mi interés… Y en el suyo propio?”, se pregunta en Danza Macabra, publicado en 1981 (y reeditado en 2024 en España por Valdemar). “Creo que, más que otra cosa, es porque todos tenemos un postulado enterrado en nuestras mentes: que sentir interés por el horror es malsano y aberrante”. En este gigantesco ensayo, en el que King hace un repaso histórico y personal por la literatura y el cine de terror entre 1950 y 1980, el escritor apenas se detiene a responder a estas preguntas. Como respuesta, remite a un ensayo anterior, publicado en El umbral de la noche, su primer libro de relatos: “No tengo el más mínimo interés en recalentar ese viejo guiso en estas páginas, si están interesados, les recomendaría que lo leyeran”.

Aquí va un tupper de ese guiso: la idea de King en los 70 es la que han seguido defendiendo muchos escritores desde entonces, que el miedo en la ficción nos ayuda a lidiar con nuestros miedos reales. “Cuando usted lee una obra de horror, no cree realmente lo que lee”, escribe. “No cree en vampiros, hombres lobos, camiones que arrancan repentinamente y que se conducen solos. Los horrores en los que todos creemos son aquellos sobre los que escriben Dostoievski, [Edward] Albee y [Ross] Macdonald: el odio, la alienación, el envejecimiento a espaldas del amor, el ingreso tambaleante en un mundo hostil sobre las piernas inseguras de la adolescencia. En nuestro auténtico mundo cotidiano somos a menudo como las máscaras de la Comedia y la Tragedia, sonriendo por fuera, haciendo muecas por dentro. En algún recoveco interior hay un interruptor central, tal vez un transformador, donde se conectan los cables que conducen a esas dos máscaras. Y es en ese lugar donde el relato de horror da tan a menudo en el blanco”.

© Stuart C. Wilson/Getty Images for Paramount)

Siempre quise saber qué se sentía al ser un zombie. Sí, sí, de esos que caminan arrastrando los pies, gruñen como si llevaran tres días sin dormir y tienen una preocupante afición por los cerebros humanos. Cada uno tiene sus inquietudes, y las mías, desde luego, no han sido demasiado normales.

Como buen millennial, crecí con películas de los 2000 que marcaron a toda una generación de amantes del apocalipsis: Amanecer de los muertos, 28 días después o Soy leyenda. A esto había que sumarle series como The Walking Dead, que me hicieron desarrollar todo un plan de supervivencia. En mi cabeza ya tenía mi propio arsenal de armas, las rutas de escape perfectamente estudiadas y una lista mental de las primeras cosas que haría si el mundo se fuera a la mierda.

Pero, entre tanta estrategia para sobrevivir, siempre había una pregunta que me rondaba la cabeza: ¿qué sentirían aquellos que finalmente pasaban al otro lado? ¿Cómo es despertarte un día con hambre de sesos y unas ganas terribles de morder a tu vecino? Puede parecer una tontería, pero yo necesitaba respuestas. Y, sobre todo, quería vivirlo en primera persona.

Tan solo unos meses después de tener la oportunidad de acudir al rodaje de The Walking Dead: Daryl Dixon en Sepúlveda (Segovia, España), donde pude aprender muchísimo sobre el arte de convertirse en uno de esos seres que te persiguen en tus peores pesadillas, la vida decidió darme un pequeño giro de guion. De esos que no te esperas, que llegan sin avisar y que, si fueran una película, probablemente pensarías que el protagonista está a punto de meterse en un buen lío.

Una llamada cambió mi vida por completo y, poco después, me trasladé a Barcelona. Lo que no imaginaba era que estaba a punto de cumplir un sueño que llevaba años rondándome la cabeza, así me pasé al otro lado y me convertí en zombie. Son las diez de la mañana, un coche nos recoge y, entre nervios, ilusión y muchas ganas de descubrir qué nos espera, comienza una aventura que promete ser inolvidable. Después de tantos años pensando en el apocalipsis, ¡por fin había llegado el momento de unirme a la horda!

Litros y litros de sangre en el rodaje de 'Apocalipsis Z: Nuevo mundo'

Apocalipsis Z: Nuevo mundo, secuela de aquella película que arrasó en Prime Video y se convirtió en una de las de habla no inglesa de mayor éxito en todo el mundo, rueda en el Acuartelamiento de Santa Eulàlia, una instalación militar situada en Sant Boi de Llobregat (Barcelona). Tras una breve visita por sus impresionantes instalaciones, un grupo de cinco valientes nos dirigimos a vestuario y maquillaje, dispuestos a dejar atrás nuestra humanidad.

De repente, ahí estoy, en calzoncillos delante de varias personas, buscando el uniforme zombie perfecto. Supongo que la vergüenza, como tantas otras cosas, también se pierde cuando te metes de lleno en el mundo del cine.

Después llega el turno de maquillaje. Nos sentamos frente a los espejos y comienza la transformación, entre tatuajes que recrean venas, y mucha, mucha sangre falsa, con un cuidado por el detalle milimétrico. Hasta las uñas y los dientes reciben su buena dosis de trabajo para conseguir ese aspecto de muerto viviente que tanto había imaginado. Poco a poco, mi reflejo deja de parecerme familiar… y, aunque todavía no tengo ganas de comerme a nadie, la cosa promete.

Las verdaderas ansias de sangre se despiertan con Oscar Valsecchi, entrenador y coreógrafo de todos los zombies que vemos en Apocalipsis Z, quien nos enseña cómo sacar nuestro lado más primario y animal. Andar, alerta y ataque. A través de estos tres estados, el italiano nos enseña a transformarnos en zombies y nos invita a atacarlo directamente para provocar nuestras ansias de sangre y liberar esa agresividad que, por suerte, tenemos bastante más controlada en nuestra vida cotidiana.

Tras este divertido calentamiento, que nos deja listos para atacar a los militares protagonistas de la película, nos dirigimos a un impresionante set de rodaje que ese día reúne hasta a 500 personas entre equipo técnico y extras. ¡Casi nada! Ni en Hollywood hay tanto nivel.

De repente, nos vemos rodeados de especialistas que vuelan por los aires, ruedan por el suelo y dan volteretas mientras nosotros nos acercamos a las cámaras dispuestos a demostrar lo aprendido, soltando nuestros mejores gruñidos durante varias tomas y dejando que nos empapen de sangre una y otra vez. Aquello ya parece una carnicería más que un rodaje. ¡Ni Carrie acabó tan empapada de sangre como nosotros!

Tras realizar varias entrevistas con estas pintas —pido disculpas a todo a aquellos a los que pudiera salpicar con semejante pringue—, llega el momento de volver a la civilización. El proceso desmaquillante dura apenas unos segundos, mientras me cambio la ropa y no puedo evitar echar de menos aquellos pantalones de zombies con los que había estado tan cómodo. Pero, oye, ¿dónde están mis pantalones? ¡Pues nada, otra vez en calzoncillos delante de todo el mundo!

De vuelta a Barcelona, tras pasar todo el día en el set, lo hago con una sonrisa de oreja a oreja, la misma que tendría aquel niño que soñaba con vivir una aventura así y que, muchos años después, ha conseguido cumplir su sueño. Porque, a veces, la magia del cine consiste precisamente en experimentar, aunque sea tan solo por un solo día, aquello que llevas imaginando toda la vida.

Los amantes del terror tienen muchas novias en el streaming. Sin duda, entre las plataformas temáticas, hay una fuerte predilección por las películas y series “de miedo”. Y nunca es mejor fecha para acudir a ellas que durante el mes de octubre, cuando los espectadores más adeptos a Halloween hacen su maratón del terror. Y aquí entra en juego Bloodstream, disponible en España.

Bloodstream ofrece dos planes: uno gratuito y otro, de pago, a razón de unos 6 euros al mes, o bien unos 61 euros al año. Si optas por la versión más económica (o totalmente económica, mejor dicho), tendrás que lidiar con anuncios. La plataforma Bloodstream está especializada en terror y, para acceder a su catálogo, debes confirmar que tienes más de 18 años. Y no es por capricho.

Este servicio de streaming nació en el pasado mes de octubre y, desde entonces, suma casi 2000 títulos. Además, Bloodstream ha firmado una colaboración con una IA para localizar películas mediante subtitulación avanzada o doblaje, con el propósito de abrir su contenido menos popular (mayoritariamente en inglés) a mercados extranjeros. Esto tiene como consecuencia la internacionalización de directores que rara vez salen de los Estados Unidos.

¿Qué películas puedo encontrar en Bloodstream?

Bloodstream aterrizó con una promesa: los amantes del terror más chocarrero por fin tendrían su banquete: en esta plataforma, pueden encontrarse la mayor parte de los trabajos genéricos de la productora Well Go USA o la mítica The Asylum, de forma que, si te apetece ver Sharknado, la tienes en Bloodstream.

En caso de que tu gusto sanguinario sea algo más refinado, esta plataforma también tiene películas para ti: en su catálogo, hay clásicos como el Nosferatu de Murnau, El gabinete del doctor Caligari, La parada de los monstruos o la pionera La noche de los muertos vivientes. También, Al final de la escalera, contendiente de El exorcista al trono del terror de los 80. En cambio, además de estas (o de otras, como la magnífica La bruja vampiro de Dreyer o la española El cadáver de Anna Fritz), Bloodstream se salta (un poco) sus normas al infiltrar en su catálogo títulos allende al terror, como Charada o La mujer del cuadro.

La muerte de Patrick Stewart, el inolvidable capitán Jean-Luc Picard de Star Trek y el profesor Charles Xavier de X-Men, ha provocado una oleada de reacciones entre compañeros de reparto, actores y cineastas que trabajaron con él durante sus más de seis décadas de carrera. Stewart murió a los 86 años en su casa de Los Ángeles, según confirmó su portavoz, tras una breve evolución de alzhéimer y demencia con cuerpos de Lewy.

Uno de los primeros en despedirse fue William Shatner, el capitán James T. Kirk de la serie original de Star Trek. El actor publicó un mensaje en Facebook en el que recordó a Stewart como amigo, compañero y "magnífico actor", y destacó la inteligencia, la elegancia y la humanidad que imprimió a Picard. "El capitán Picard representaba lo mejor de nosotros", escribió.

También desde el universo de Star Trek, George Takei, que interpretó a Hikaru Sulu en la serie original, reaccionó en Bluesky y calificó a Stewart de "leyenda verdadera e irreemplazable". Takei destacó que su interpretación de Picard inspiró a una nueva generación a imaginar un futuro mejor para la humanidad.

Más escueto fue Wil Wheaton, Wesley Crusher en Star Trek: The Next Generation, quien publicó en redes sociales una fotografía junto a Stewart acompañada del mensaje "Buen viaje, capitán". Por su parte, Jonathan Frakes, el comandante William Riker y mano derecha de Picard en la misma serie, compartió otra imagen con un mensaje de despedida: "Descansa en paz, amigo mío". Ambas reacciones fueron recogidas por Variety.

Las muestras de cariño también llegaron desde X-Men. Hugh Jackman, que interpretó a Wolverine y compartió varias películas con Stewart, publicó en Instagram que el mundo había perdido a uno de los grandes actores de teatro y cine y, para él, a "un amigo y un hombre extraordinario". Jackman añadió que aprendió muchísimo de Stewart y que lo echará de menos "todos los días".

Otro de sus compañeros más cercanos, Ian McKellen, Magneto en la saga X-Men, lo recordó también en Instagram. McKellen, amigo de Stewart desde que ambos coincidieron como jóvenes actores en la Royal Shakespeare Company, destacó su franqueza, su calidez y su capacidad para mostrar sus emociones. Ambos mantuvieron una estrecha amistad durante décadas y McKellen llegó incluso a oficiar la boda de Stewart con Sunny Ozell en 2013.

Rebecca Romijn, que interpretó a Mística en las primeras películas de X-Men, publicó igualmente en Instagram un vídeo de homenaje y escribió que haber sido amiga de Stewart había sido "un regalo".

Marvel recuerda al profesor Xavier

Kevin Feige, presidente de Marvel Studios, recordó la primera vez que vio a Stewart en el rodaje de la primera X-Men y aseguró que quedó impresionado no solo por su presencia como actor, sino también por su carácter fuera de cámara. Lo definió como brillante, cálido, generoso y dotado de una enorme fuerza y gravedad interpretativa.

Marvel Studios destacó en un comunicado que Stewart dio vida a Charles Xavier con "gracia, inteligencia y humanidad" y que acabó definiendo al personaje para generaciones de espectadores, desde X-Men hasta Logan y la próxima Vengadores: Doomsday.

Los directores Joe y Anthony Russo, responsables de Vengadores: Doomsday, también lo homenajearon mediante un comunicado y lo definieron como un actor legendario de enorme presencia e integridad, además de agradecerle las lecciones de humanidad que dejó dentro y fuera de la pantalla.Seth MacFarlane recuerda su humildad

También Seth MacFarlane, creador de Padre de familia y Padre made in USA, recordó su larga colaboración con Stewart. El actor puso voz durante años a Avery Bullock en Padre made in USA, además de participar en Padre de familia y narrar Ted. MacFarlane contó que en una ocasión quedó sorprendido por la humildad de Stewart al confesarle que todavía se sentía como un principiante ante un nuevo proyecto, pese a llevar décadas de carrera.

A las despedidas se sumó además Kyle MacLachlan, protagonista de Dune y Twin Peaks, quien recordó en Instagram los trabajos que compartieron, desde Dune hasta los escenarios de Nueva York, y escribió: "I already miss you". En Dune, Stewart había interpretado a Gurney Halleck.

Republican Iowa congressional candidate Joe Mitchell vowed to investigate former National Institute of Allergy and Infectious Diseases Director Dr. Anthony Fauci if elected to Congress, expressing his desire to serve on an oversight committee while recounting his grandmother's death following a COVID-19 vaccination during a Make Iowa Healthy Again rally Wednesday.

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Directores: Olivier Nakache, Eric Toledano. Guion: O. Nakache, E. Toledano y Nathalie Hertzberg. Intérpretes: Louis Garrel, Camille Cottin, Pierre Lottin, Simon Boublil. Francia, 2026. Duración: 116 minutos. Comedia

En las paredes, en la radio y en los tocadiscos reinaban The Cure, Georgel Michael, Imagination, Depeche Mode... Los vídeo clubs estaban aún atestados y comenzaba a proliferar los ordenadores, unos armatostes tremendos. Bienvenidos, de nuevo, a los años 80, concretamente, al París de ese tiempo, hasta donde nos llevan Nakache y Toledano, autores, entre otras, de la sobrevalorada «Intocable», esta vez con una comedia que quizá sea ya la mejor de su trayectoria.

Tierna, entrañable, divertida y blanquísima, Vincent, de 13 años, pertenece a una familia de raíces judías y árabes donde el padre disimula malamente que se ha quedado en el paro, la madre intenta escalar puestos en la empresa donde trabaja y su hermano mayor se saca unos buenos francos vendiendo radiocasetes con la mejor música del momento. Vincent comienza a sentir algo distinto por una chica del colegio mientras se plantea preguntas sobre su propia identidad y la película apunta, aunque más tímidamente, a otros asuntos, como la emancipación femenina o la crisis económica que padeció Francia entonces. Pero, sobre todo, «Tiempos de ilusión» es las trastadas de los niños, el baile que ambos adultos se marcan un día de pronto en el salón, el primer beso bajo un cinematográfico aguacero; una encantadora tarde de cine, en fin, al ritmo de cualquier temazo de Duran Duran o, por ejemplo. ¿Se acuerdan, no?

Lo mejor: El reparto, la ambientación y una banda sonora que encantará a muchísimos

Lo peor: Se nota bastante que evita todo el tiempo profundizar en cualquier tema peliagudo

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A Jennifer Lawrence tendremos oportunidad de volver a verla en su saga más taquillera, la de Los juegos del hambre, junto a Josh Hutcherson y Woody Harrelson que regresan en la precuela Amanecer en la cosecha, con estreno previsto en cines para el 20 de noviembre. Aunque los tres regresan a Panem solo en unas intervenciones especiales.

El protagonismo de esta nueva entrega basada en los libros de Suzanne Collins recae en los jóvenes Mckenna Grace, como Maysilee Donner, tributo del Distrito 12 en el Segundo Vasallaje de los Veinticinco, y Joseph Rada interpretando al principal protagonista, el de Haymitch Abernathy a los 16 años, el personaje que encarnó Harrelson. Pero ante la inminencia del estreno de la película, Lawrence está también siendo entrevistada en varios medios.

Una de sus intervenciones ha sido en un reciente podcast de Call Her Daddy presentado por Alex Cooper en el que ha recordado la principal anécdota durante el rodaje con Bradley Cooper en El lado bueno de las cosas estrenada en 2012, precisamente el mismo año que la primera de Los juegos del hambre, y por la que obtuvo el Oscar a mejor actriz.

Tras rodar la escena del beso, y que vemos al final de la película, le hizo un comentario a su compañero de reparto, "Le dije: ¿No estás ya harto de tanto besar?", pero al menos en un primer momento parece que a Cooper no pareció sentarle demasiado bien la frase. "A él no le hizo gracia", recordó la actriz.

Para Lawrence, la sensación es que hubo unos instantes algo embarazosos entre los dos en esa escena en concreto que ha definido como una "gran sesión de besos". Y, tras el comentario de ella, "fue uno de esos momentos en los que dices: "¿Verdad?", y la otra persona responde: "Ah...", sin más, sin saber qué responder.

También confesó que antes de rodar la película estaba estaba "definitivamente nerviosa" cuando conoció a Cooper en el set de rodaje. Y es que entonces él ya era una estrella tras el taquillazo de Resacón en Las Vegas. La celebridad más importante con la que había trabajado hasta la fecha., pero no la única porque en el reparto estaba la veterana Jacki Weaver y nada menos que Robert De Niro.

La "hermandad" Jennifer Lawrence y Bradley Cooper

Dirigida por David O'Russell, El lado bueno de las cosas era una comedia dramática romántica sobre la particular atracción de dos singulares personajes en un momento delicado, él como un exprofesor que acaba de salir de un centro psiquiátrico tras agredir al amante de su mujer, y ella una chica del vecindario viuda y también muy herida emocionalmente.

De sus 8 nominaciones a los Oscar, incluida la de mejor película, se hizo con la de mejor actriz para Jennifer Lawrence, en una categoría que tenía rivales de gran altura como Jessica Chastain por La noche más oscura o a Naomi Watts por Lo imposible de J.A. Bayona. Y en taquilla fue todo un éxito recaudando 263 millones de dólares en cines.

En lo referente a la relación entre Lawrence y Cooper, pues no siguió nada mal. Juntos protagonizaron tres películas más, La gran estafa americana (2013) y Joy (2015) repitiendo a las órdenes de O'Russell, y Serena (2014) dirigida por Suzanne Bier. Y siempre resaltando en sus declaraciones que, a parte de buena química, las suyas son solo relaciones de "hermandad", basadas en la amistad y respeto profesional. Nada de romances ni tensiones sexuales no resueltas.

El intérprete británico Patrick Stewart, consagrado actor de teatro, además de estrella de cine y TV, ha fallecido en su casa de Los Ángeles Leer

El actor Patrick Stewart, reconocido por sus papeles en Star Trek y X-Men, ha fallecido a los 86 años en su casa de Los Ángeles tras un "breve" periodo de tiempo padeciendo alzhéimer y demencia con cuerpos de Lewy, según ha declarado su portavoz, Kelly Bush Novak.

"Anunciamos con gran pesar el fallecimiento de Sir Patrick Stewart, ocurrido ayer en su hogar de Los Ángeles, bajo el cariñoso cuidado de su amada esposa Sunny, tras un breve y conmovedor proceso marcado por la enfermedad de Alzheimer y la demencia con cuerpos de Lewy", señala el comunicado.

Y prosigue para tranquilizar a sus admiradores y honrar su memoria explicando que "Ha estado arropado por el cálido abrazo de familiares y amigos, rodeado de música en vivo, oraciones, lágrimas, risas y esa profunda emoción que solo él era capaz de inspirar, tras toda una vida de entrega hacia todos nosotros. Guardaremos para siempre en nuestra memoria la serena tranquilidad y la reflexión que se reflejaban en su rostro; un recuerdo perdurable de su invencible elegancia".

Además de su reconocida trayectoria como actor de teatro y cine, fue un autor superventas del New York Times con la publicación de sus memorias Making It So en 2023, como informa Deadline. Obtuvo en tres ocasiones el premio Olivier y una nominación a los Tony por su labor teatral. También recibió múltiples nominaciones a los premios Emmy, Globo de Oro y SAG por su trabajo en televisión y cine.

De 'Star Trek' a los 'X-Men'

Pero sobre todo es reconocido por las siete temporadas en la serie dramática Star Trek: The Next Generation y en varias entregas cinematográficas, comenzando con Star Trek Generations en 1994. Stewart interpretó el papel de Jean-Luc Picard, personaje que retomaría más tarde en la exitosa serie de Paramount+ Star Trek: Picard por la cual obtuvo un premio Critics Choice Super al mejor actor en una serie de ciencia ficción o fantasía. La serie concluyó su tercera y última temporada en abril de 2023.

Stewart también fue aclamado por su interpretación de Charles Xavier, conocido como el Profesor X; un papel que encarnó por primera vez en la película X-Men (2000) y que repitió en varias de las famosas secuelas de la franquicia, incluida la aclamada Logan, donde compartió pantalla con Hugh Jackman en el papel de Lobezno. Asimismo, Stewart retomó el personaje en Vengadores: Doomsday, que no se estrenará hasta el 18 de diciembre de 2026.

Recordar que Stewart prestó su voz al personaje de Sir Ritchfield, el líder sabio y anciano del rebaño, en la comedia de Amazon MGM Studios Las ovejas detectives estrenada este mismo 2026, en la que también estaba Hugh Jackman en el papel del pastor que es hallado asesinado.

Una voz también para recordar

Su trabajo de voz también fue reconocido con un premio Grammy en 1995, en la categoría de "Mejor álbum hablado para", niños por la grabación en inglés de Pedro y el lobo, de Serguéi Prokófiev. En 2006, Stewart prestó su voz a los 154 sonetos de Shakespeare.

Fue además un firme defensor de la justicia social, los derechos de las mujeres, la lucha contra la violencia doméstica, los derechos de los veteranos, la causa de los refugiados, los derechos de los animales, la reforma política entre muchas otras cuestiones.

Otras de las producciones de cine y televisión más destacadas en las que participó incluyen desde series que se remontan a los 70 como Yo, Claudio o Calderero, sastre y espía y películas como Excalibur, Dune de David Lynch, Lady Jane, Conspiración con Mel Gibson, Lifeforce: Fuerza vital, o Green Room de Jeremy Saulnier. Asimismo, realizó trabajos de doblaje en las exitosas series de animación de Seth MacFarlane Padre de familia y también Padre Made in USA, y en películas como El príncipe de Egipto, Chicken Little, Emoji: La película o Jimmy Neutron: El niño inventor.

Jonathan Frakes, quien fue responsable de la película Star Trek: Primer contacto como director, ha confesado cuál es la escena que aún desearía poder cambiar. Fue una película popular y exitosa que estuvo protagonizada por el elenco de Star Trek: La Nueva Generación, destacando principalmente por el espectáculo de efectos especiales que ofreció.

Además, se trató de una inspiradora historia relacionada con el origen de la propiedad. Con Jonathan Frakes al mando del proyecto, la cinta mostró a Patrick Stewart como Jean-Luc Picard luchando contra los Borg a bordo de la USS Enterprise-E. Lo más interesante es cómo elevó el nivel de la acción cinematográfica de la franquicia cuando se estrenó en 1996.

La escena que estaría dispuesto a cambiar

Sin embargo, el propio Jonathan Frakes comentó que existía una escena que sí que le gustaría corregir. Estas fueron sus palabras sobre esta misma cuestión:

Bueno, hay un par de cosas que podríamos cambiar. La única toma que cambiaría en esa película es cuando la Reina Borg te sopla el brazo y el pelo… El efecto visual no estaba a la altura. Ese era el problema.

Jonathan Frakes, sobre uno de los momentos que menos le gustan de 'Star Trek: Primer contacto'

La escena a la que se refiere el director es cuando la Reina Borg captura a Data e intenta llevarlo a su bando mediante diferentes técnicas de seducción. En este sentido, ella misma fue quien comenzó a reemplazar partes de Data con tejido orgánico, permitiéndole sentirse como un ser humano. Esto tenía sentido, ya que ese era su mayor deseo.

Justo después, la Reina Borg sopló sobre el vello del brazo de Data, con la intención de excitarlo. Esta especie de subtrama romántica entre ambos personajes se percibió de forma bastante atrevida, pero sí que tenía cierta coherencia. De hecho, Picard pensó que la Reina Borg quería que Data fuera la "contraparte" que una vez quiso que fuera Jean-Luc cuando fue convertido en Locutus de Borg.

Sin embargo, Data jamás traicionaría a Picard y reveló que solo había estado fingiendo todo el tiempo cuando, desafiante, se enfrentó directamente a ella. Dicho esto, más allá de problemas que para nada empequeñecen el resultado final, la ópera prima de Jonathan Frakes como director ha conseguido resistir con éxito el paso del tiempo. Es bastante apreciada por el público, sobre todo porque Star Trek: Primer contacto suele figurar entre las mejores películas de la franquicia.

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Cuando una franquicia como Los juegos del hambre promete batir récords de intensidad, es que la cosa va en serio. Y, dadas las primeras reacciones a Los juegos del hambre: Amanecer en la cosecha, el director Francis Lawrence y su equipo le han hecho justicia a la novela de Suzanne Colins con esta segunda precuela sobre Panem, esa distopía futurista que todos conocemos y amamos.

Las opiniones de la prensa estadounidense tras haber visto el filme no solo elogian el trabajo del director, un habitual de la saga desde En llamas (2013), sino que también se vienen muy arriba con el reparto de la película: más allá del regreso de Jennifer Lawrence como Katniss, muchas de estas reacciones coinciden en señalar a Joseph Zada (que interpreta a la versión juvenil de Haymitch, el personaje de Woody Harrelson) como una estrella en ciernes.

'Amanecer en la cosecha': Primeras reacciones

"Amanecer en la cosecha tiene uno de los mejores repartos del año, con muchos de los actores dando nueva vida a personajes ya familiares, haciéndolos suyos pero manteniendo las cualidades que los hicieron tan atractivos (...). Joseph Zada está más que impresionante, capturando la esencia de Haymitch con la simpatía, el encanto y la amargura que Woody Harrelson aportó al papel". Matt Neglia (Next Best Picture)

"Amanecer en la cosecha es la Rogue One o la Andor de la franquicia: una historia aleccionadora, pero poderosa, sobre una pérdida devastadora y el coste necesario de la rebeldía en pos de un amanecer que tal vez no veamos nunca (...). Joseph Zada es una revelación (...). En una saga llena de interpretaciones increíbles, la suya podría ser la mejor desde Jennifer Lawrence. Sí, es así de bueno". Griffin Schiller (Film Speak, The Playlist)

"Tenía grandes esperanzas para Joseph Zada después tras haber visto Éramos mentirosos, pero en Amanecer en la cosecha me ha dejado boquiabierta una y otra vez. Su capacidad para capturar la calidez y el encanto de Haymitch y después convertirlas en furia y amargura es formidable: él carga con gran parte del peso de esta película, y triunfa haciéndose con cada onza. Para Zada, esto es solo el principio". Perri Nemiroff (Collider)

"Amanecer en la cosecha es una prolongación muy digna de la franquicia. El reparto es fenomenal (Joseph Zada no podría estar mejor), se ve y se siente de forma aterradoramente real y funciona perfectamente como un enlace entre las historias originales y Balada de pájaros cantores y serpientes. Le pongo un sobresaliente". Nina Starner (Static Media)

"Francis Lawrence sigue insuflándole nueva vida a este mundo: el diseño de producción es único y no deja que nos aburramos con las cosas que ya nos resultan familiares. Joseph Zada brilla rompiéndote el corazón como Haymitch: un papel que le convertirá en estrella". Lauren LaMagna (Next Best Picture)

Elke Sommer, actriz conocida por películas como El nuevo caso del inspector Clouseau y El premio, ha fallecido en su casa de Bel-Air (Los Ángeles) a los 85 años. Según ha informado su hijastro Sebastian Walther (vía Hollywood Reporter), la muerte se debió a un fallo cardiaco.

De origen aristocrático (su padre, el pastor protestante Peter von Schletz, ostentaba el título de barón), Sommer vivió durante su infancia los rigores de la Alemania nazi y la II Guerra Mundial. En 1959, durante unas vacaciones en Italia, la futura estrella ganó un concurso de belleza que llamó la atención de Vittorio de Sica: el autor de Ladrón de bicicletas la llamó para que actuase junto a él en El marqués, su sobrina y la doncella.

Las películas de Elke Sommer

Tras dicho debut, Sommer se convirtió en un rostro solicitado para el cine europeo, incluyendo películas en Italia, su Alemania natal, Francia y España (actuó junto Arturo Fernández y Cassen en Bahía de Palma, 1962). Tras la inevitable mudanza a Hollywood, protagonizó el thriller El premio (1963) junto a Paul Newman, e hizo pareja con Peter Sellers en El nuevo caso del inspector Clouseau (1964), la primera secuela de La Pantera Rosa.

Convertida rápidamente en sex symbol (incluyendo posados para la revista Playboy), la actriz se especializó en un tipo de cine comercial con sabor pop, incluyendo la comedia detectivesca (La trampa del dinero, 1965, junto a Glenn Ford, Rita Hayworth y Joseph Cotten) y el entonces pujante cine de espías (La mansión de los siete placeres, 1968, en la que trabajó con Dean Martin y Sharon Tate).

A partir de los 70, la carrera de Elke Sommer empezó a declinar, centrándose en producciones europeas, algo facilitado por sus dotes de políglota. Así, la vimos en el thriller español Las Vegas, 500 millones (1968), la bélica Zeppelin (1971, junto a Michael York) y en incursiones en el terror made in Italy con el maestro Mario Bava detrás de la cámara (El diablo se lleva los muertos, 1973).

Tras la poco lucida El estrafalario prisionero de Zenda (1979), en la que trabajó de nuevo junto a Peter Sellers, Sommers espació más que nunca sus trabajos como actriz, interviniendo sobre todo en teleseries y como presentadora de TV. En 1993, la también actriz Zsa Zsa Gabor tuvo que indemnizarla con más de 3 millones de dólares tras un juicio por difamación.