Está en todas partes. La mediocridad premium es un fantasma que recorre el planeta e impregna todos los nichos de consumo concebibles en la actual etapa del capitalismo tardío, de la hostelería a los espectáculos pasando por la oferta cultural, la moda, la salud, la belleza o los viajes.
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Aunque Aitana Ocaña ya cuenta con sus propios perfumes en el mercado y es el rostro internacional de Libre, de Yves Saint Laurent Beauty, al subir un vídeo a su canal de YouTube, las miradas más atentas han descubierto que la fragancia por la que ella apuesta es otra. Se trata de Guidance 46, de Amouage, una casa de alta perfumería reconocida por crear algunos de los perfumes más exquisitos. “Fundada en el Sultanato de Omán en 1983 por la familia Albusaidi con el propósito de ser ‘el regalo de los reyes’, la firma ha redefinido el arte árabe de la perfumería y ha ganado renombre a nivel mundial por aportar una modernidad innovadora y una auténtica maestría artística a todas sus creaciones”, explican en la web del perfume, que está disponible a la venta en Isolée por 510 euros.
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Luis Zahera se ha convertido en una de las caras más visibles de la ficción española. Mientras este viernes el actor estrena Colisión, Netflix ha aprovechado para confirmar el regreso de su otra gran serie reciente con la segunda temporada de Animal. La comedia de Víctor García León y la productora Alea Media volverá con nuevos capítulos el próximo 1 de enero de 2027 para arrancar el año.
El movimiento deja claro el peso que tiene el actor gallego dentro de la plataforma. En poco más de dos meses, Zahera pasará de interpretar a un policía corrupto y contra las cuerdas en el Madrid de los recortes a ponerse de nuevo la bata de Antón, el veterinario rural gruñón y despistado que sorprendió a todo el mundo en su primera entrega.
Cuando se estrenó en otoño de 2025, Animal tardó muy poco en llamar la atención de los espectadores. La historia seguía a Antón, un veterinario gallego de pueblo que pierde su consulta de siempre y se ve obligado a trabajar en una moderna clínica y tienda de mascotas de ciudad (Kawanda Urban). La serie enganchó por su tono cercano, sencillo y familiar.
Las cifras acompañaron desde el primer momento. El proyecto superó los 5,2 millones de reproducciones en sus primeras semanas y se metió en el Top 2 mundial de series de habla no inglesa más vistas de Netflix. Además del respaldo de la audiencia, la industria también premió su recorrido con una nominación a mejor comedia en los Premios Emmy Internacional de 2026. Con estos datos y un presupuesto ajustado, renovarla era la decisión más lógica para la plataforma.
Los nuevos episodios arrancan con Antón bastante más adaptado a su vida en Kawanda Urban. Se lleva bien con los clientes, tiene buen trato con sus compañeros y cuenta con la confianza de Mike (Álvaro Mel), su jefe. Sin embargo, todo se complica con la vuelta de su sobrina Uxía (Lucía Caraballo), que acaba de terminar sus estudios en etología, la rama que estudia la conducta y las emociones de los animales.
Al tener que compartir la misma consulta todos los días, los dos chocan continuamente. Antón busca enfermedades físicas con métodos de toda la vida, mientras Uxía intenta tratar traumas psicológicos y problemas de estrés en perros y gatos.
El giro de la temporada llega cuando a Antón, Uxía y Mike se les ocurre montar un servicio de entierros para mascotas. La iniciativa tiene tanto éxito que llena de dinero al pueblo de Topomorto, pero traerá consecuencias. El pueblo empieza a llenarse de modas raras y de vecinos nuevos que cambian la rutina de siempre. Al ver que todo va demasiado rápido, Antón empieza a sospechar y decide investigar qué hay de verdad detrás de tanto dinero fácil.
La nueva temporada vuelve a apoyarse en el grupo de actores que hizo funcionar la serie desde el principio. Luis Zahera está acompañado una vez más por Lucía Caraballo (No me gusta conducir), cuyo personaje de Uxía gana todavía más peso al poner patas arriba la consulta de su tío con sus métodos modernos. A su lado repite Álvaro Mel (Un cuento perfecto) como Mike, el director del centro veterinario, y Carmen Ruiz (Madres, Amar en tiempos revueltos), que vuelve a aportar su veteranía y su habitual toque de humor a la rutina diaria de la clínica.
El reparto lo completan caras conocidas como Adrián Viador, Raquel Nogueira, Pepo Suevos y Lucía Veiga, que ayudan a mantener ese tono costumbrista y gallego tan característico de la ficción.
Detrás de las cámaras, el equipo creativo tampoco cambia. Víctor García León sigue al mando del proyecto junto a los directores Laura M. Campos y Manu Gómez, con guiones escritos por Teresa Bellón, César Calvillo y el propio creador, mientras que la producción ejecutiva vuelve a correr a cargo de Aitor Gabilondo (Patria), Jota Aceytuno y el propio García León para Alea Media.
Ver a Zahera enlazar un atraco como Colisión con una comedia familiar como Animal demuestra lo cómodo que se mueve en registros totalmente opuestos. Mucho antes de ganar sus dos premios Goya por El reino y As bestas, el actor gallego ya se metió al público en el bolsillo a nivel nacional dando vida a El Pertur, el desquiciado narcotraficante de Sin tetas no hay paraíso. Aquel papel marcó el inicio de una larga lista de tipos duros y personajes al borde del abismo en series de gran éxito como Vivir sin permiso, Entrevías o Clanes.
Sin embargo, su mayor acierto en los últimos años ha sido no encasillarse en el papel de villano. En Animal demostró que también puede sostener una historia cotidiana y con humor sin perder su carisma habitual. Con películas de robos, dramas policiales y comedias familiares nominadas a los Emmy, Zahera se ha convertido en el actor comodín de Netflix al representar un reclamo infalible que garantiza buenas críticas y visitas cada vez que asoma por el catálogo.
Jennifer Lawrence lleva más de una década demostrando que el manual de estilo de Hollywood no va con ella y que nunca ha necesitado filtros. Sin embargo, su nombre ha vuelto a sonar en los últimos días tras encadenar una serie de declaraciones en las que aborda desde la nostalgia de los grandes taquillazos hasta las consecuencias físicas de la maternidad y las líneas rojas en el trabajo.
A sus 36 años y tras ser madre por segunda vez, la intérprete no esquiva ninguna conversación. Confirma su regreso a Los juegos del hambre, universo distópico que la consagró, explica con naturalidad su paso por el quirófano y pone sobre la mesa los abusos de confianza que todavía se dan en los sets de rodaje.
El gran titular para los aficionados al cine ha sido, sin duda, la confirmación oficial de su vuelta a Panem. Aunque la nueva producción, Los juegos del hambre: Amanecer en la cosecha, es una precuela centrada en los orígenes de Haymitch Abernathy, la historia contará con una aparición especial en el epílogo que reunirá de nuevo a los rostros más emblemáticos de la saga original.
La propia Lawrence fue la encargada de desvelarlo en el podcast Call Her Daddy. Describió la experiencia como algo profundamente emotivo al coincidir con el mismo equipo de cámaras con el que creció profesionalmente: "Era como si Josh (Hutcherson) y yo no pudiéramos ni ir al baño sin cogernos del brazo".
El físico de la actriz también ha sido objeto de comentarios en redes sociales a raíz de un reciente reportaje fotográfico para The Cut. En lugar de esquivar los rumores sobre retoques faciales, Lawrence decidió cortar las especulaciones de raíz con una franqueza poco habitual últimamente.
Tras desmentir haberse sometido a cirugías en el rostro, la ganadora del Oscar por El lado bueno de las cosas admitió haberse realizado una mastopexia (elevación de pecho) tras el nacimiento de su segundo hijo. "Después del primero, todo volvió más o menos a su sitio. Después del segundo, nada volvió a su forma original", explicó con naturalidad.
Lawrence defendió su decisión con sentido del humor: "Quiero ser una mamá sexy y parecer una mujer que lo tiene todo controlado, aunque por las mañanas no controle nada". Además, aclaró que no descarta otros retoques, pero sí intervenciones faciales porque necesita "mantener el movimiento en la cara" para seguir desempeñando su profesión.
En su charla en Call Her Daddy, Lawrence destapó un episodio conflictivo ocurrido mientras grababa una escena de desnudez integral. Descubrió que en el plató había trabajadores del equipo técnico que no contaban con la autorización obligatoria estipulada para los sets cerrados.
Lejos de dejarlo pasar, Lawrence reaccionó, parando la grabación y exigiendo la expulsión inmediata de quienes no debían estar allí. La intérprete ha explicado que tomó esa postura de manera consciente porque considera muy importante marcar límites en el trabajo: "Me puse muy estricta con eso, justamente porque si nosotros no establecemos ese principio, ¿qué va a pasar con una chica de 18 años, desconocida, cuando aparezca gente en el set que no está autorizada? Ella va a estar en la posición de decidir si dice algo y se gana una reputación de ser difícil, o si deja que esas personas con las que no se siente cómoda la vean desnuda".
Esa defensa del cuerpo real sin presiones estéticas se reflejó también en Die My Love. Rodó la película de Lynne Ramsay estando embarazada y compartió escenas de intimidad con Robert Pattinson. Durante el montaje final, cuando el equipo de posproducción le consultó si quería eliminar digitalmente la celulitis en un plano de su trasero, Lawrence zanjó la conversación normalizando la situación: "Les dije que no, que eso es un culo".
La intensa presencia mediática de Lawrence coincide con una etapa profesional que combina la atracción del gran público con el prestigio autoral. La actriz, protagonista de películas como Sin malos rollos, Serena o Passengers encadena ahora dos proyectos que la sitúan entre los nombres más cotizados de las próximas temporadas:
Entre la vuelta a las raíces que la consagraron, la exigencia de respeto en el entorno de trabajo y la naturalidad al tratar las consecuencias de la maternidad, Jennifer Lawrence sigue marcando distancias con las convenciones tradicionales de la fama. La actriz demuestra que la autenticidad sigue siendo su mejor baza en una industria más acostumbrada a lo artificial.
RTVE tendrá hasta diciembre para decidir si participa en el próximo Festival de Eurovisión, previsto para mayo de 2027, después de que la Unión Europea de Radiodifusión (UER) haya acordado conceder ese plazo a la corporación pública y a la emisora eslovena RTVSLO "dada la complejidad del asunto".
La organización lo ha explicado en un comunicado, en el que también ha revelado la lista de las 36 emisoras públicas que competirán en la 71ª edición del certamen. El festival se celebrará del 11 al 15 de mayo en el Arena Burgas, en Bulgaria, con la Televisión Nacional Búlgara (BNT) como anfitriona. En esa lista sí aparece la cadena israelí KAN.
En su última comparecencia en el Parlamento, el presidente de RTVE, José Pablo López, anunció que propondría mantener la suspensión de la participación española por la presencia de Israel. Según fuentes del Consejo consultadas por Europa Press, su iniciativa cuenta con el respaldo de al menos diez de los quince consejeros.
Sin embargo, en el encuentro de octubre del órgano de gobierno no se adoptó ninguna decisión. Por ello, la corporación dispone ahora del plazo ampliado concedido por la UER para pronunciarse.
Según ha destacado la UER, las 36 emisoras confirmadas representan a casi 600 millones de personas y suponen una más que en la edición de 2026. Entre las novedades figura el debut de CBC/Radio-Canada, que se incorporó como miembro de pleno derecho de la organización en julio de 2026.
También regresa MRT, la emisora de Macedonia del Norte, tras cuatro años de ausencia. El director del Festival de Eurovisión, Martin Green, ha dado la bienvenida a la cadena canadiense en su primera participación. Además, ha celebrado el retorno de Macedonia del Norte.
Las semifinales se celebrarán el martes 11 y el jueves 13 de mayo. En cada una de ellas, los votos del jurado y del público determinarán las diez canciones que accederán a la final del sábado 15 de mayo.
Esas veinte propuestas se unirán en la final a las de Bulgaria, Francia, Alemania, Italia y Reino Unido. Estas son preseleccionadas por ser el país anfitrión y los miembros del grupo fundador de la UER, conocido como 'Big Five'. El sorteo para distribuir las candidaturas entre las dos semifinales tendrá lugar en Burgas en enero de 2027.
Martin Green ha subrayado que el concurso "siempre ha sido algo más que una competición", por su contribución al impulso de nuevos artistas y a la promoción de canciones. Asimismo, ha reiterado su bienvenida a la emisora canadiense y ha valorado el regreso de Macedonia del Norte al certamen.
La llegada del 31 de octubre vuelve a activar el ritual favorito de los amantes del cine: apagar las luces, preparar palomitas y buscar la película perfecta para pasar una noche de auténtico escalofrío. Este Halloween, la oferta de cine de terror atraviesa uno de sus momentos más dulces y diversos. Desde los grandes fenómenos que han revolucionado la taquilla y las plataformas en los últimos meses hasta los experimentos psicológicos más inquietantes, el género demuestra una capacidad inagotable para reinventar nuestros miedos más profundos.
En esta selección definitiva hemos reunido una propuesta equilibrada que abarca todas las vertientes del horror. Encontrarás desde las últimas sensaciones del cine contemporáneo y el body horror más atrevido, hasta pesadillas claustrofóbicas de culto, pasando por relatos folclóricos y fenómenos virales que han logrado helar la sangre a millones de espectadores. Cada título ha sido elegido para garantizar que el ambiente en el salón se corte con cuchillo desde el primer minuto.
Tanto si buscas revivir los clásicos atemporales de los grandes maestros del slasher como si prefieres ponerte al día con las joyas más recientes del terror moderno, esta galería es tu guía imprescindible para celebrar la noche de brujas. Prepara tu maratón, ajusta el volumen y descubre las 25 obras maestras del susto con las que convertir este Halloween 2026 en una experiencia verdaderamente inolvidable.
La dimensión visual ha sido, históricamente, una herramienta esencial tanto para ejercer el poder como para cuestionarlo. Cuando surgió la política de masas, el arte y las distintas formas de expresión estética han ido adquiriendo una creciente relevancia política. Mediante la indumentaria y la estética interpretamos -no siempre de manera consciente- códigos, símbolos y mensajes repletos de significado político.
© Cortesía de Paidós (EL PAÍS)
El cine español de atracos suma una vuelta de tuerca en el catálogo de Netflix. La plataforma estrena este viernes 30 de octubre Colisión, un thriller policíaco producido por Bambú Producciones que reúne a dos de las firmas más influyentes de nuestra industria. Por un lado, a Daniel Sánchez Arévalo en su primer acercamiento formal al cine de suspense y, por otro, a Ramón Campos (El caso Asunta, Fariña), como creador, coguionista y productor ejecutivo.
La historia nos lleva al Madrid de 2013, justo en los peores años de la crisis económica y tras el polémico rescate bancario. Todo empieza como el típico atraco a una sucursal donde parece que los ladrones lo tienen todo medido al milímetro. Sin embargo, un accidente de coche totalmente inesperado tuerce los planes y desata el caos. La sorpresa llega cuando se descubre que los atracadores son en realidad policías, y que les toca a ellos mismos investigar el accidente. A partir de ahí, la película se convierte en una carrera a contrarreloj para tapar sus huellas y no acabar entre rejas.
Para Daniel Sánchez Arévalo, esta película supone romper totalmente con lo que venía haciendo. El director, que ganó el Goya con su primera película (AzulOscuroCasiNegro) y ha dejado comedias y dramas muy queridos como Primos, Diecisiete, Gordos o la reciente Rondallas, se mete aquí en un terreno desconocido al abordar el suspense. Es la primera vez que rueda una película con un guion que no ha escrito él desde cero, aceptando la idea que le puso sobre la mesa Ramón Campos.
El propio director ha contado que le apetecía salir de su zona de confort y enfrentarse a una historia pensada para atrapar al espectador desde el primer minuto. En lugar de los ritmos pausados de sus anteriores trabajos, Colisión es pura tensión. Cuenta con persecuciones, engaños continuos, sospechas y la sensación constante de que nadie es quien dice ser.
El mayor atractivo del proyecto descansa en su reparto coral, definido por el propio director como un auténtico "dream team". La producción reúne a varios de los nombres más laureados y reconocibles del cine español:
A ellos se suman rostros como Jorge Cabrera (Cronos), Alba Fontecha e Imma Sancho, cerrando un elenco donde resulta difícil distinguir a los buenos de los malos.
Más allá de los giros de guion y de recordar por momentos a fenómenos como La casa de papel, Colisión tiene un fondo muy real. Al ambientar la trama en 2013, la película habla de frente de lo que supuso la crisis económica de 2008 y el rescate a los bancos de 2012. El robo deja de ser solo una cuestión de dinero y se convierte en el reflejo del enfado de una sociedad golpeada.
Tanto el equipo como los actores han querido destacar este punto durante la presentación de la película. Ramón Campos recordaba la indignación que aún hoy genera que gran parte del dinero del rescate bancario no volviera a los ciudadanos. Por su parte, actores como Luis Zahera y Karra Elejalde comentaban que temas como la falta de vivienda digna, la precariedad o el miedo a perderlo todo siguen estando a la orden del día. Para ellos, la película muestra cómo la desesperación social puede llevar a personas normales a tomar decisiones límite.
La alianza entre Netflix y Bambú Producciones suma con este título un nuevo hito comercial tras éxitos de audiencia contrastados como Fariña, Las chicas del cable, El caso Alcàsser o el reciente fenómeno de El caso Asunta.
Sin haber pasado por salas comerciales ni festivales, la película aterriza directamente en el catálogo global de Netflix este 30 de octubre, consolidando la apuesta del estudio por grandes producciones españolas orientadas a liderar las listas de reproducciones. La combinación de trama, elenco y equipo productivo sitúa Colisión como uno de los estrenos españoles más potentes y prometedores de la temporada.
La comedia romántica del momento acaba de estrenar sus nuevos episodios convertida en uno de los grandes reclamos del catálogo de Netflix, pero la complicidad que desprenden sus protagonistas ante las cámaras ha chocado con la realidad. En Nadie quiere esto (Nobody Wants This), Adam Brody encarna a Noah Roklov, el rabino que ha desatado un auténtico fenómeno por su personaje. Dos décadas después de marcar a toda una generación en The O.C., el actor vive una edad dorada profesional. Se presenta ante la audiencia como el estándar ideal del galán contemporáneo al ser un hombre asertivo, con madurez emocional y responsabilidad afectiva.
Esa percepción idílica, sumada a la discreción de su vida privada (casado desde hace más de una década con Leighton Meester), ha saltado por los aires. Una entrevista de Brody calificando de "genocidio" las acciones de Israel en Gaza ha provocado un terremoto interno que implica a su madre en la ficción, a la creadora de la serie y al asesor religioso de la producción.
Las declaraciones llegaron a partir de una entrevista con GQ, motivada por su labor como voluntario en la organización progresista Swing Left, con la que hace campaña a pie de calle en distritos indecisos de California como Temecula.
El actor admitió que el clima en la industria del entretenimiento ha cambiado y que la aparente unanimidad ideológica se ha resquebrajado. En un contexto donde el compromiso político de las estrellas vuelve a mirarse con lupa y genera consecuencias en sus carreras, como ha ocurrido recientemente con Susan Sarandon, Brody reconoció su desilusión con varios compañeros de profesión: "Entre la COVID, un segundo mandato de Trump y el conflicto entre Israel y Gaza, han salido a la luz algunas creencias que yo desconocía y que me han decepcionado".
Al ser preguntado sobre si la cuestión palestina influía en su mensaje electoral, el intérprete, de raíces judías pero ateo declarado, decidió responder sin filtros: "Consideren que esto es un genocidio. Consideren que deseo una Palestina libre. Es terrible que haya causado tanta muerte y sufrimiento, pero siento que está llegando a un punto crítico que debería haber alcanzado hace tiempo. Tengo la esperanza de que otra administración pueda hacer algo realmente bueno y corregir algunas de las políticas que están contribuyendo a que esta situación sea tan terrible".
Brody zanjó cualquier duda sobre su postura reivindicando su derecho a hablar sin rodeos: "No llevo ningún pin, así que no estoy provocando ciertas preguntas, y quizás debería. Pero nunca he evitado una pregunta, al menos no una política".
Las palabras de Brody han tenido una reacción dentro del propio reparto de la serie. Tovah Feldshuh, veterana actriz que interpreta en la serie de Netflix a Bina Roklov, madre de Noah (personaje de Brody), ha cargado con dureza contra su compañero en declaraciones a New York Post.
Feldshuh ha rechazado la acusación, vinculándola al antisemitismo: "Acusar al pueblo judío de genocidio es una locura. Es una táctica propia de Hitler. Se convierte a la víctima en el perpetrador".
El enfrentamiento ha dejado al descubierto una fractura conceptual habitual en este debate. Mientras Brody dirigió sus críticas a las operaciones bélicas del Estado de Israel y a la complicidad de la política exterior de Washington, la intérprete reformuló el reproche como un ataque generalizado contra el pueblo judío.
Para la actriz de 77 años, que este discurso proceda de miembros influyentes de la propia comunidad judía resulta especialmente preocupante: "Afecta a la comunidad. Creo que la supervivencia del Estado de Israel es crucial para el bienestar del mundo democrático y del mundo libre. Por supuesto, Israel necesita a Estados Unidos, pero Estados Unidos también necesita a Israel, créanme".
De la misma manera, alertó sobre lo que definió como un "efecto herradura", donde "el socialismo y el antisemitismo intentan confluir". No obstante, ha matizado que estas discrepancias no influyen en el set de rodaje: "Mi trabajo, como Bina pero también como Tovah, consiste en querer a la gente del set, en ser amable con ellos".
En una posición intermedia se situó la creadora y showrunner de la serie, Erin Foster. Durante su intervención en el podcast Not Skinny But Not Fat, reconoció la complejidad del asunto. Aun así, prefirió normalizar las discrepancias dentro del equipo: "Nuestro ambiente de trabajo es muy parecido a las mesas de comedor de todo el mundo. La gente debate, discute y discrepa. Y, aunque quiero mucho a Adam, también discrepo con él, y eso está bien".
Para Foster, la producción tiene un fuerte componente autobiográfico, ya que se basó en su propio proceso de conversión al judaísmo antes de casarse con el productor Simon Tikhman. Por ello, la guionista quiso mandar un mensaje de calma a su comunidad: "Quiero que nuestros fans judíos sepan que los veo, los escucho y entiendo cómo se sienten. La serie siempre ha sido y siempre será una carta de amor al judaísmo. Por eso hice esto. En este momento del mundo donde casi no hay representación positiva de las personas judías, creo que es muy importante tenerla".
A estas reacciones se sumó además el rabino Steve Leder, consultor técnico durante la primera entrega para garantizar la verosimilitud de Brody como líder religioso. Leder calificó las declaraciones del actor de "repugnantes" e "impactantes". Aseguró que "no hay ningún genocidio en Gaza" y le reprochó hablar con ligereza de algo tan grave.
El gran impacto mediático de esta polémica está en la fricción inevitable entre la ficción y el debate geopolítico real. Noah Roklov ha representado en la pantalla el símbolo de un judaísmo empático y abierto al diálogo en plena era del streaming. Que el actor que da vida a ese icono se desmarque con una condena tan tajante expone las tensiones identitarias que recorren Hollywood.
Lejos de frenar la conversación en torno a Nadie quiere esto, el choque público entre Brody, Feldshuh y Foster confirma que los debates incómodos que nutren los guiones de la comedia se han trasladado, de forma definitiva, a la vida real.
Ferran Torres vuelve a acaparar titulares más allá del terreno de juego. El futbolista español del Paris Saint-Germain (PSG) ha despertado la curiosidad de las redes sociales en los últimos días por los rumores sobre su vida sentimental, que han puesto el foco en una conocida modelo internacional.
Se trata de Sara Sampaio, una de las figuras más reconocidas de la industria de la moda y uno de los rostros más populares que ha pasado por Victoria's Secret. La modelo portuguesa se ha convertido en protagonista de las especulaciones después de que ambos hayan sido vistos de la mano en París.
Sara Sampaio es una modelo y actriz portuguesa nacida en Oporto el 21 de julio de 1991. Su carrera despegó en el mundo de la moda hasta convertirse en uno de los rostros más reconocibles de las pasarelas internacionales. Su gran salto llegó de la mano de Victoria's Secret, con la que trabajó durante años y para la que se convirtió en uno de sus célebres ángeles.
En 2015, Sampaio pasó a formar parte de este selecto grupo de modelos, convirtiéndose en la primera portuguesa en conseguirlo. Su presencia en los desfiles de la marca contribuyó a consolidar su proyección internacional y a abrirle las puertas de importantes campañas publicitarias y publicaciones de moda.
Además de su trabajo como modelo, Sara Sampaio ha desarrollado una carrera en la interpretación. La portuguesa ha participado en diferentes proyectos audiovisuales y amplió su presencia en Hollywood con su aparición en Superman, la película estrenada en 2025 en la que interpretó a Eve Teschmacher, un personaje del universo del superhéroe de DC.
Este salto al cine ha permitido a Sampaio ampliar su perfil profesional más allá de la industria de la moda. Su carrera combina desde hace años campañas internacionales y apariciones en eventos de alto nivel con nuevos proyectos interpretativos, consolidando su presencia en el panorama internacional.
Antes de que su nombre comenzara a relacionarse con el de Ferran Torres, Sara Sampaio mantuvo una relación con Ray Nicholson, actor e hijo del legendario intérprete Jack Nicholson. Ambos comenzaron a salir en el verano de 2023 y llegaron a aparecer juntos en diferentes eventos públicos, incluida la fiesta de los Oscar organizada por Vanity Fair en 2024. Sin embargo, a finales de 2025 comenzaron a surgir informaciones sobre una posible ruptura, después de varios meses sin dejarse ver juntos en público.
Por su parte, Ferran Torres también ha protagonizado varias informaciones sobre su vida sentimental. Una de sus relaciones más conocidas fue la que mantuvo con Sira Martínez, hija del entrenador Luis Enrique, entre 2021 y 2023. Posteriormente, el delantero fue relacionado con otras mujeres, entre ellas Lucía Doménech, aunque ese supuesto romance nunca llegó a confirmarse públicamente.
Los rumores sobre la posible relación entre Ferran Torres y Sara Sampaio comenzaron a cobrar fuerza el pasado 20 de octubre, cuando la modelo fue vista en las gradas del Parque de los Príncipes durante el partido de Champions League que enfrentó al Paris Saint-Germain con el FC Barcelona. La portuguesa ocupó un asiento cercano al de la madre del futbolista, un detalle que no pasó desapercibido y que alimentó las especulaciones sobre la cercanía entre ambos.
Días después, una publicación de la modelo en Instagram volvió a situar su vida sentimental en el centro de la conversación. Sara Sampaio compartió en sus historias una fotografía en la que aparecía un hombre dándole un beso en la nariz. Aunque el rostro del acompañante no se veía por completo, numerosos usuarios señalaron su parecido con el futbolista. La imagen fue borrada poco después de su perfil, pero para entonces algunos seguidores ya habían guardado una captura y las especulaciones se habían extendido por las redes sociales.
A estas pistas se ha sumado ahora una interacción pública entre ambos. Ferran Torres ha comentado una de las últimas publicaciones de la modelo, en la que aparece posando con diferentes looks deportivos. "Ohhh. ¿Entrenas cada día?", escribió el futbolista en inglés, acompañado de un emoticono de sorpresa. El mensaje no ha pasado inadvertido entre los seguidores de ambos, que han interpretado el comentario como otro indicio de la cercanía entre los dos.
La confirmación del romance ha llegado de la mano de Javi Hoyos, quien ha difundido un vídeo en el que Ferran y Sara aparecen entrando cogidos de la mano en un restaurante de París. Según explicó el influencer, las imágenes fueron grabadas el pasado 6 de octubre, aunque no se habían hecho públicas hasta ahora. La secuencia ha dado una nueva dimensión a los rumores que circulaban desde hacía días y ha situado a ambos en el centro de la actualidad.
La boda de Taylor Swift y Travis Kelce continúa dando de que hablar meses después de su celebración. La ceremonia, celebrada el pasado 3 de julio en el Madison Square Garden de Nueva York, habría costado alrededor de 30 millones de dólares. Sin embargo, uno de los detalles más sorprendentes que ha trascendido sobre el evento tiene que ver con lo que ocurrió después de la fiesta, la supuesta incineración de toda la decoración diseñada para la ocasión.
Según una información publicada por el diario británico Daily Mail, la decoración de la boda habría acabado en llamas después de una operación logística de grandes dimensiones. Once camiones semirremolque habrían sido necesarios para trasladar los elementos decorativos desde Nueva York hasta Pensilvania, donde supuestamente fueron incinerados. Entre las piezas había muebles personalizados y estructuras diseñadas exclusivamente para el enlace.
La historia de amor entre Taylor Swift y Travis Kelce comenzó a acaparar titulares en septiembre de 2023, cuando la cantante hizo pública su relación con el jugador de fútbol americano de los Kansas City Chiefs. Su romance despertó el interés tanto de los seguidores de la artista como de los aficionados a la NFL, especialmente después de que Swift comenzara a acudir a los partidos de su pareja. Desde entonces, ambos han mantenido una relación muy mediática, aunque han procurado reservar algunos aspectos de su vida privada.
Tras anunciar su compromiso en agosto de 2025, la pareja celebró su boda el pasado 3 de julio. La ceremonia reunió a más de mil invitados, entre ellos numerosas figuras del mundo de la música, el cine y el deporte. El actor Adam Sandler ofició la ceremonia, mientras que Austin Swift, hermano de la cantante, ejerció como su hombre de honor y Jason Kelce, hermano del novio, asumió ese papel por parte del deportista.
Para la ocasión, ambos lucieron diseños exclusivos de Dior y el recinto deportivo se transformó para recrear un jardín, con abundante decoración floral y espacios personalizados para la celebración. La fiesta incluyó actuaciones musicales, entre ellas una de Paul McCartney, y una recepción con diferentes propuestas gastronómicas y zonas de entretenimiento.
La magnitud de la operación da una idea de las dimensiones del montaje. Según la misma información, la decoración fue trasladada desde Nueva York hasta Pensilvania, donde se habrían fabricado originalmente algunas de las piezas. El desplazamiento se habría realizado en once camiones semirremolque cargados de elementos decorativos.
Entre los objetos se encontraban muebles personalizados con dos letras T entrelazadas, en referencia a las iniciales de Taylor y Travis, además de estructuras diseñadas para recrear espacios ajardinados. Estas piezas se habrían fabricado específicamente para el enlace, por lo que no se trataba de una decoración convencional que pudiera reutilizarse fácilmente en otros eventos.
La fuente citada por Daily Mail reconoció que desconocía dónde se había producido exactamente la incineración, aunque aseguró que les habían comunicado que los elementos serían quemados. La supuesta destrucción habría impedido que los objetos se convirtieran en recuerdos físicos de la boda disponibles para coleccionistas. La información, sin embargo, procede de testimonios publicados por el medio y no ha sido verificada de manera independiente.
La razón detrás de esta decisión estaría relacionada con la privacidad y el control sobre los objetos creados expresamente para la celebración. Según una fuente anónima citada por Daily Mail, el equipo de la pareja quería impedir que los elementos decorativos terminaran en manos de terceros y pudieran comercializarse como recuerdos de una de las bodas más comentadas del año.
"No querían que la gente lo robara y después lo subastara o vendiera, así que simplemente lo quemaron todo", habría explicado la fuente al periódico británico. De acuerdo con este testimonio, la intención era evitar que quedaran piezas que pudieran relacionarse directamente con la boda y que, por su singularidad, despertaran el interés de los fans de la artista.
No obstante, conviene matizar que no hay confirmación oficial de que Taylor Swift ordenara personalmente la quema. La información apunta a que las instrucciones habrían partido de su equipo, aunque la cantante sí habría participado en la planificación y el diseño de la ceremonia.
Hay algo reconfortante y atávico en ver arder un gimnasio de instituto repleto de adolescentes abusones, aspirantes a reinas del baile y profesores mediocres. La catarsis de una buena venganza es uno de los placeres inconfesables de la ficción contemporánea, y la nueva adaptación de Carrie en Prime Video lo ha recordado colocándose en lo más alto de las listas de visualizaciones globales.
Detrás del artefacto está Mike Flanagan, cirujano emocional del terror moderno (La maldición de Hill House, Misa de medianoche), que vuelve a demostrar por qué el mismísimo Stephen King lo ha coronado públicamente como el mejor traductor audiovisual de sus pesadillas. El propio escritor ha bendecido la serie figurando como productor ejecutivo, consciente de que esta revisión no pretende fotocopiar su primera novela de 1974 ni profanar el tótem cinematográfico de Brian De Palma de 1976.
Si la obra original era un puzle de informes forenses, cartas y testimonios judiciales, y el clásico de De Palma un festín barroco de pantallas partidas y lirismo voyeurista, con Sissy Spacek coronada con sangre animal, la serie de Flanagan traslada al siglo XXI de la generación Z la asfixia de Carrie, la chica condenada por sus superpoderes (encarnada con un desamparo volcánico por Summer H. Howell) y una madre castradora (una escalofriante Samantha Sloyan). El cubo de casquería porcina ya no es solo una broma sádica ante un centenar de testigos; en la era del directo en redes sociales y los linchamientos escolares virales, el escarnio es universal y perpetuo. La respuesta de Carrie no es solo un espasmo de rabia adolescente, sino una rebelión termodinámica con la energía de un superincendio de sexta generación.
La película de De Palma no abundaba en el origen de los poderes sobrenaturales de Carrie, pero la serie de Flanagan se recrea en explicarlos y ponerles nombre: telequinesis. O el poder de mover cosas y provocar fenómenos con la mente (¿se acuerdan de Uri Geller?). ¿Pero existe realmente ese poder? ¿Se puede entrenar esa chispa para cerrar puertas con la mirada y ajustar cuentas con el mundo?
En la ficción de Flanagan, como en las páginas de King, Margaret White tiene clara la respuesta: los poderes de Carrie son el demonio entrando por las rendijas de la pubertad. La misma magia negra que la Inquisición o los puritanos de las Trece Colonias perseguían con antorchas. Una asociación histórica que la serie explora y que no es baladí. Antes de que el término psicocinesis o telequinesis fuera acuñado a finales del siglo XIX por investigadores de lo oculto, cualquier objeto que volara sin cuerda visible se atribuía al Diablo, a los espíritus burlones (poltergeist) o a la santidad.
Los procesos por brujería de Salem en 1692 estuvieron plagados de testimonios de platos que salían despedidos de los aparadores y cuerpos que se retorcían bajo fuerzas invisibles. Siglos antes, las visiones, voces y la extraordinaria capacidad de convicción bélica de Juana de Arco fueron interpretadas como un canal directo con lo divino –o con el abismo herético, según a quién se preguntara en Ruán–. La humanidad siempre ha necesitado una etiqueta sobrenatural para los estallidos que la razón de su época no alcanzaba a procesar: si una joven tímida y maltratada parecía canalizar una energía desmedida, o ardía en la pira por bruja o se le erigía un altar.
Con el nacimiento de la parapsicología experimental en la década de 1930, el misticismo dio paso a las batas blancas. J. B. Rhine, el botánico estadounidense de la Universidad de Duke que trató de establecer la disciplina como una rama de la psicología, fundó el famoso laboratorio donde pretendió medir la influencia de la mente sobre la materia pidiendo a voluntarios que desearan intensamente el resultado de dados arrojados mecánicamente. Rhine proclamó efectos estadísticos favorables, pero su metodología hacía aguas: el sesgo de confirmación, la falta de protocolos de doble ciego y la incapacidad de replicar los resultados por parte de laboratorios independientes relegaron sus conclusiones al cajón de los deseos incumplidos.
Durante la Guerra Fría, la paranoia militar llevó el asunto al delirio burocrático. La Unión Soviética financió experimentos con médiums como Nina Kulagina, grabada en blanco y negro moviendo supuestamente cerillas y brújulas bajo campanas de cristal (trucos que magos de escenario desarmaron más tarde demostrando el uso de hilos micrométricos invisibles). Al otro lado del telón de acero, la CIA no quiso quedarse atrás y financió el célebre Proyecto Stargate, convencida de que los rusos podían matar cabras a distancia con el ceño fruncido o espiar silos nucleares mediante proyección astral. El proyecto se canceló en los años noventa con una conclusión demoledora de la consultora externa American Institutes for Research: no había una sola prueba empírica de utilidad operativa.
Si acudimos a la ciencia rigurosa contemporánea, la que se publica en revistas con revisión por pares y no en foros de esoterismo, la telequinesis choca con un muro infranqueable: las leyes fundamentales del universo. Resumimos en tres puntos las refutaciones científicas de los poderes de Carrie White.
La brecha energética. El cerebro humano es un prodigio biológico que consume unos 20 vatios de potencia, el equivalente a la bombilla de una nevera. Su actividad genera señales eléctricas y campos magnéticos medibles mediante electroencefalogramas (EEG) y magnetoencefalografías (MEG). Sin embargo, esos campos magnéticos son del orden de femtoteslas o picoteslas; tan infinitesimales que no bastan para mover una partícula de polvo microscópica suspendida en el aire, así que mucho menos un automóvil o una grada entera de espectadores.
La Tercera Ley de Newton. A toda acción corresponde una reacción igual y de sentido opuesto. Si una mente fuera capaz de proyectar una fuerza vectorial para lanzar a un matón de 80 kilos por los aires contra la canasta, el cerebro emisor debería experimentar instantáneamente un retroceso equivalente de varios cientos de newtons. El cráneo de Carrie se reventaría contra la pared del polideportivo de Chamberlain antes de que el primer proyectil humano tocara el suelo.
El vacío de mediación. En física solo existen cuatro fuerzas fundamentales: la gravedad, el electromagnetismo, la fuerza nuclear fuerte y la débil. No existe una "quinta fuerza" neuronal que pueda saltar el espacio vacío entre las sinapsis de una persona y las cerraduras de las puertas de un pabellón sin degradarse exponencialmente con el cuadrado de la distancia.
Durante 28 años, la Universidad de Princeton mantuvo abierto el laboratorio PEAR (Princeton Engineering Anomalies Research), tratando de demostrar que la concentración humana podía alterar generadores cuánticos de números aleatorios. Cuando cerró sus puertas en 2007, los resultados eran estadísticamente irrelevantes o imposibles de duplicar de forma robusta. Durante décadas, la Fundación Educativa James Randi mantuvo su premio de un millón de dólares para cualquiera que lograra mover un mísero trozo de papel milimétrico bajo condiciones científicas controladas. Nadie se lo llevó jamás.
Como la de cualquier superpoder, la fantasía de la telequinesis sigue viva, en parte, porque apela a un mecanismo psicológico universal: el poder oculto del débil. Es la tentación de pensar que bajo la timidez, el aislamiento o las burlas del grupo habita un león dormido capaz de doblegar la arquitectura del mundo con solo apretar los dientes.
Pero la prueba quizá más convincente de que la telequinesis no existe, ni se aprende mediante manuales de autoayuda, respiraciones holotrópicas o tutoriales clandestinos, no es un teorema de termodinámica, sino la geopolítica más descarnada.
Si fuera biológicamente posible entrenar el sistema nervioso para hacer estallar un pueblo entero, romper vigas a distancia o fulminar el corazón de doscientos adversarios sin dejar huella balística, los Estados Mayores de las grandes potencias no malgastarían cientos de miles de millones en misiles hipersónicos, tanques tan pesados como vulnerables y enjambres de drones. Vladímir Putin no llevaría años empantanado en las trincheras del Donbás mandando blindados soviéticos reciclados: ya habría reclutado y encerrado en un búnker de Sochi a un batallón de adolescentes atormentadas para apagar los reactores de Kiev y torcer el cuello de sus enemigos a mil kilómetros de distancia.
Carrie White seguirá reinando en el catálogo de Prime Video como la reina indiscutible del terror psicológico y la catarsis sangrienta. Pero fuera de la pantalla de Mike Flanagan, si alguien quiere vengarse de los acosadores del instituto tendrá que recurrir a métodos mucho más mundanos, lentos y sobre todo legales: prosperar, ignorarlos o esperar a que la vida se encargue del trabajo sucio sin necesidad de derramar una sola gota de sangre de cerdo. El karma, como dice Emaline, la amiga invisible de Carrie e instigadora de todas sus tropelías, en un momento de la serie.
¿Cuánto vale la red que sostiene la vida en la Tierra? Nadie lo sabe mejor que Sandra Myrna Díaz, una de las científicas más influyentes del planeta y pionera en el estudio de la biodiversidad. Co-presidenta del mayor informe sobre la crisis ecológica realizado por la ONU y ganadora del Premio Princesa de Asturias en 2019, esta bióloga argentina transformó la ciencia al demostrar que la naturaleza no es un decorado, sino el motor que regula nuestro clima y bienestar.
No hay más cabellos de lo habitual en el desagüe de la ducha y tampoco se aprecian nuevas entradas al apartarse el flequillo o recogerse la melena al llegar a casa. Sin embargo, al hacerse una coleta, la goma necesita una vuelta más. La escena resulta familiar: cada vez más mujeres sienten que tienen menos pelo. Concretamente, según un estudio sobre salud capilar hecho público esta semana por Iraltone, un 46% de mujeres refiere más caída en el último año y un 28% de ellas, menos densidad (frente a un 36% y 24% respectivamente de hombres). El censo publicado en 2025 por la Sociedad internacional de cirugía capilar registró un aumento del 16,5% en el número de pacientes femeninas sometidas a cirugía capilar entre 2021 y 2024. El dato no demuestra que haya más alopecia, solo que más mujeres llegan a tratarla. En España, la Academia Española de Dermatología y Venereología (AEDV) calcula que la alopecia androgenética afecta a entre el 5% y el 10% de las mujeres y subraya una diferencia esencial: que se caiga más pelo no siempre significa que se esté perdiendo densidad. Entonces, ¿tenemos menos pelo o estamos prestándole más atención?
© (c) Jaime Monfort (Getty Images)
Tras un largo silencio que hizo dudar a muchos sobre el rumbo de la ficción, la cuarta tanda de episodios de Lupin ha aterrizado en Netflix con ocho capítulos (su entrega más extensa hasta la fecha). La nueva temporada, estrenada tres años después de la tercera, ha dejado un salto temporal en la historia de cuatro años y un desenlace que se ha metido de lleno en la tragedia familiar.
La serie nunca buscó calcar los relatos de Maurice Leblanc, autor de los libros en los que se basa, sino usarlos como el manual personal de Assane (Omar Sy). Su cruzada comenzó por justicia. Quería limpiar el nombre de su padre, Babakar, quien se suicidó en prisión tras ser acusado falsamente por el empresario Hubert Pellegrini de robar el collar de María Antonieta.
En las dos primeras partes, Assane jugó al despiste con la policía y el clan Pellegrini hasta lograr desenmascarar al comisario corrupto Dumont. Esa victoria pública le convirtió en el hombre más buscado de Francia y puso en el punto de mira a Claire y a su hijo Raoul.
La tercera temporada complicó la situación con la reaparición de su madre, Mariama, y la irrupción de Jean-Luc Keller, su antiguo instructor de boxeo que buscaba venganza por un atraco fallido cometido 25 años atrás. Tras resolver el caso de la Perla Negra, rescatar a Manon y neutralizar a Keller, Assane dio un paso inesperado. Decidió entregarse a la policía con el inspector Youssef Guédira para liberar a su socio Benjamin y apartar a su familia del acoso mediático.
La calma duró poco. Ya entre rejas, Assane recibió un sobre con una fotografía de su infancia y un ejemplar de La venganza de Cagliostro. Su vecino de celda no era otro que Hubert Pellegrini, quien dejaba la duda de si Mariama pudo haber actuado como su cómplice desde el principio, utilizando el amor de su hijo como trampa.
La historia arranca cuatro años después de aquel ingreso en prisión. Assane cumple condena con perfil bajo, decidido a saldar su deuda penal para mudarse definitivamente con los suyos a Senegal y dejar atrás su alter ego.
Ese plan salta por los aires cuando un criminal anuncia asaltos simultáneos en museos de París y Aviñón bajo la firma de Lupin. Los robos se ejecutan con precisión y una cámara de seguridad capta a un individuo idéntico a Assane en el lugar de los hechos, donde además la inspectora Sofia Belkacem resulta gravemente herida. Ante una acusación que pretende mantenerlo entre rejas, el ladrón se ve obligado a fugarse para limpiar su reputación y descubrir quién está suplantando su identidad.
El imitador resulta ser Adèle (Laïka Blanc-Francard), la hija biológica secreta que Assane tuvo con Juliette Pellegrini. Hubert Pellegrini la apartó de su madre nada más nacer haciéndole creer a Juliette que la pequeña había fallecido, y la envió a un orfanato en Inglaterra.
Al crecer y rastrear su árbol genealógico, Adèle utilizó la tecnología y los métodos de Lupin para llamar la atención de su padre. Su objetivo definitivo fue el asalto a las Joyas de la Corona francesa, un tesoro histórico vigilado en la sombra por cuatro influyentes familias conocidas como "Los Guardianes".
La aparición de Adèle provoca un terremoto emocional en Raoul (Théo Christine). Quemado por años de ausencias, promesas rotas y el temor constante a verse relegado frente a su nueva hermana, el joven cae en la manipulación de Hubert Pellegrini. Raoul finge su propio secuestro junto a Adèle para obligar a Assane a robar las joyas y entregárselas a su enemigo.
El descubrimiento de la verdad desata una confrontación familiar múltiple, especialmente cuando Juliette descubre que su propio padre le arrebató a su hija durante décadas.
El clímax estalla en una pista de aterrizaje. Cuando Raoul y Pellegrini intentan huir en un helicóptero, Assane se lanza para escudar a su hijo con su propio cuerpo y recibe un disparo en el pecho por parte de la policía. La aeronave despega con Raoul en shock mientras Claire, Benjamin, Juliette y Adèle corren desesperadas a ayudarle. El capítulo corta a negro sin mostrar si Assane sobrevive o si recurrió a algún truco de protección, cerrando la temporada con el mayor cliffhanger (final en suspenso) de la serie.
Omar Sy ejerce en esta tanda como coproductor ejecutivo y co-showrunner, asumiendo peso en las decisiones creativas junto a George Kay y François Uzan. En el reparto repiten los rostros habituales como Ludivine Sagnier (Claire), Antoine Gouy (Benjamin Férel), Soufiane Guerrab (Guédira) o Hervé Pierre en la piel de Pellegrini.
La evolución dramática la lideran Théo Christine, con un Raoul mucho más sombrío y vulnerable a la manipulación, y Laïka Blanc-Francard, cuyo debut como Adèle aporta dinamismo y frescura a las secuencias de acción.
Con 217,6 millones de visualizaciones acumuladas entre sus tres primeras etapas (casi 100 millones en la primera, 68 en la segunda y 50 en la tercera), Lupin se mantiene como la tercera serie de habla no inglesa más vista en la historia de Netflix. Se sitúa así solo por detrás de El juego del calamar y La casa de papel.
La respuesta de la prensa especializada no se ha quedado atrás. En Rotten Tomatoes ha debutado con un 100% de valoraciones positivas, igualando la marca perfecta de la anterior tanda.
Otros medios nacionales e internacionales han destacado el tono cinematográfico y los recursos tecnológicos que Sy ha sumado a las secuencias de acción. Mientras, algunos portales alaban que la trama apueste por el conflicto íntimo antes que por la repetición de la fórmula habitual de atracos.
Por el momento, Netflix no ha anunciado la renovación oficial, un trámite que suele demorarse varias semanas mientras la plataforma calcula el volumen global de horas vistas y los índices de finalización de la temporada.
No obstante, las opciones de continuidad podrían ser bastante altas. La compañía no ha promocionado esta tanda como el desenlace definitivo y el equipo planteó los episodios como un reinicio cargado de frentes abiertos (confirmar la supervivencia de Assane, ver si Raoul despierta de la manipulación de Pellegrini tras ver caer a su padre y descubrir las represalias de "Los Guardianes" tras el robo de las Joyas de la Corona).
El propio Omar Sy ya ha alimentado la expectativa sobre esa posible temporada 5 en declaraciones recientes a SensaCine: "En esta temporada hemos descubierto que todavía tenemos más cosas que contar. Assane sigue siendo una fuente inagotable de inspiración. Quizá sea el final, quizá no".
Detrás de la enigmática mirada de la Mona Lisa que custodia el Museo del Prado –aquella salida del taller de Leonardo da Vinci con idéntica pericia pero mejor cutis que la parisina–, el ojo común suele perderse en las brumas azuladas del sfumato toscano. Sin embargo, si se baja la vista hacia el costado derecho del paisaje, un diminuto viaducto de arcos de piedra resiste el paso de las aguas y de los siglos. Está ahí, exacto y calculable, tal y como aún hoy se alza en la campiña italiana. se trata del Ponte Buriano, un paso de piedra del siglo XIII sobre el río Arno cuyas bóvedas rebajadas llamaron la atención de Da Vinci por su eficaz respuesta a las crecidas fluviales.
Ese puente no es un capricho decorativo o. escénico: es ingeniería civil. Y es precisamente esa mirada –la del compás, la cimbra y el trazado topográfico– la que ahora propone el Prado con su nuevo recorrido temático: La ingeniería en el Prado: un puente entre el arte y la técnica.
La iniciativa, organizada en colaboración con la Fundación Fhecor –dedicada al estudio y la difusión de la historia de la ingeniería– y visitable hasta el 21 de febrero de 2027, invita a recorrer las tres plantas del edificio Villanueva siguiendo el rastro del cálculo y la construcción a través de 29 cuadros fechados entre el siglo XV y finales del XIX. Los ingenieros Francisco Javier León y Francisco Javier Fernández Pozuelo, comisarios de la propuesta, se han dedicado a peinar sala a sala las paredes del museo para demostrar que el arte y la técnica jamás fueron disciplinas estancas.
"La ingeniería está en todas partes, y eso que el Prado no recoge la explosión de las obras de ingeniería del siglo XIX", ha advertido este lunes Fernández Pozuelo durante la presentación de la exposición con el entusiasmo del perito que descubre un plano oculto bajo capas de barniz. "¿Qué quiso el artista? ¿Por qué lo puso ahí?".
El itinerario no fuerza lecturas anacrónicas sino que desgrana la relación entre el creador y la transformación del territorio a través de tres niveles de protagonismo. En el primero, la obra civil se adueña del cuadro: es el caso de la teatral Perspectiva de un anfiteatro romano, firmada al alimón por Viviano Codazzi y Domenico Gargiulo, o las minuciosas vistas de Mariano Ramón Sánchez, como El puente de Molins de Rey y el Puente de Martorell, donde la sillería y el arco son el centro de gravedad visual y conceptual.
En un segundo escalón, las infraestructuras operan como el escenario reconocible que fija el pulso de la vida urbana o devocional. Andrea Mantegna recurre a la arquitectura civil para enmarcar El Tránsito de la Virgen, del mismo modo que Francisco de Goya y José del Castillo levantan la fisonomía de la capital en sus respectivas versiones de La pradera de San Isidro, donde los puentes sobre el Manzanares ordenan la perspectiva y dan escala a la multitud festiva.
El tercer grupo exige la paciencia del observador. En retratos de aparato como el majestuoso Luis XIV de Hyacinthe Rigaud, en La Huida a Egipto de El Greco o en la Sagrada Familia, llamada la Perla de Rafael, las construcciones se repliegan hacia la lejanía. Pero no son manchas al azar: dotan de profundidad geométrica a la escena, canalizan la fuga de la mirada y actúan como símbolos silenciosos de orden, frontera o civilización.
Más allá de su innegable valor plástico, las pinturas del Prado funcionan como actas notariales de infraestructuras transformadas por el paso del tiempo o borradas de la faz de la tierra. La precisión de los maestros antiguos ha permitido a los ingenieros de Fhecor recomponer la memoria material de un país que a menudo olvida lo que levanta.
Los ingenieros Francisco Javier León y Francisco Javier Fernández Pozuelo, comisarios de la propuesta, han peinado el Prado sala a sala en busca de buenos ejemplos de obra civil
En la imponente Vista de Zaragoza (1647), Juan Bautista Martínez del Mazo no solo capturó el perfil urbano de la capital aragonesa: documentó al detalle las cicatrices, reparaciones y reformas del histórico puente de piedra sobre el Ebro tras las embestidas de las riadas. Otro tanto ocurre con Antonio Joli, de quien se exponen dos lienzos de 1759 que muestran la Partida de Carlos de Borbón a España: uno desde la dársena y otro mar adentro. El cotejo de ambas perspectivas permite reconstruir la morfología histórica de las defensas y muelles del puerto de Nápoles en el instante exacto en que el futuro Carlos III zarpaba para ceñirse la corona española.
El recorrido rinde también tributo a los fantasmas de la técnica. En el Díptico con 42 vistas monumentales de ciudades españolas, de Genaro Pérez Villaamil, asoma la silueta del mítico artificio de Juanelo Turriano, el colosal ingenio hidráulico de ruedas y cucharas que subía el agua del Tajo hasta el Alcázar de Toledo y del que apenas sobreviven legajos y bosquejos mecánicos. En otros casos, la pintura actúa como elegía involuntaria: el citado Puente de Molins de Rey de Mariano Ramón Sánchez es el mejor registro visual de una estructura dieciochesca que sucumbió definitivamente a la devastadora riada del Llobregat en 1973.
No todo es piedra y mortero. Entre los 29 hitos seleccionados late también la fascinación por las nuevas fronteras de la física. Es inevitable detenerse ante la Ascensión de un globo Montgolfier en Aranjuez (1784), de Antonio Carnicero, la única pieza de ingeniería aeroespacial que custodia la pinacoteca. El lienzo inmortaliza el primer vuelo aerostático tripulado en suelo español ante la atenta mirada de la corte de Carlos III, una proeza técnica que culminó con un aparatoso aterrizaje y que Carnicero congeló con la exactitud de un cronista moderno.
"Acercar al ciudadano la construcción de las cosas es uno de los objetivos que recoge la muestra", subraya el comisario Javier León. Las infraestructuras no solo hablan de hormigón, madera o hierro; narran el funcionamiento de las sociedades, sus prioridades productivas y la perpetua ambición humana por desafiar los límites orográficos.
El Prado y Fhecor redondearán este diálogo el próximo 16 de diciembre con dos conferencias monográficas dedicadas a la historia de los puentes y su imbricación con la pintura. Hasta entonces, quien cruce las puertas de Villanueva no necesitará casco de obra, pero sí afinar la mirada: descubrirá que, mucho antes de que existieran las facultades de caminos, los grandes genios del óleo ya sabían calcular el peso del mundo.
DC ha decidido que Halloween de 2026 no se celebre con capas, escudos ni discursos heroicos, sino con una película que convierte a uno de los villanos de Batman en el centro de una pesadilla corporal. Clayface, dirigida por James Watkins y protagonizada por Tom Rhys Harries, llegó a los cines españoles el 22 de octubre y en Estados Unidos el 23, en plena campaña de la fiesta más terrorífica del año.
La cinta forma parte del nuevo universo cinematográfico de DC, pero se aleja deliberadamente del molde habitual de las películas de superhéroes. No hay un Batman que aparezca a tiempo para salvar la situación ni un conflicto global entre héroes, hay un actor arruinado, una venganza obsesiva y un cuerpo que deja de obedecer a quien lo habita.
Ese cambio de registro explica tanto su atractivo como su advertencia. Clayface no es una película familiar ni una opción para ver con niños pequeños. Es un thriller de terror con body horror, violencia gráfica y una atmósfera opresiva pensada para un público adulto.
En Estados Unidos, la Motion Picture Association ha clasificado Clayface con una R, lo que implica que los menores de 17 años necesitan acompañamiento de un adulto. El motivo oficial es contundente; "violencia sangrienta intensa, gore, lenguaje, algo de desnudez y consumo breve de drogas".
En España, la película está calificada como no recomendada para menores de 16 años, según figuran en varias carteleras y fichas de exhibición. Su duración oficial es de 108 minutos, un metraje contenido que no diluye la intensidad de su propuesta.
La diferencia entre ambas clasificaciones no cambia el mensaje esencial; no se trata de una película de superhéroes para toda la familia. El material visual y temático la sitúa más cerca del cine de terror adulto que del entretenimiento infantil.
La película, ya en cines, sigue a Matt Hagen, un actor en ascenso cuya carrera se desmorona después de que un mafioso de Gotham le desfigure la cara. Desesperado por recuperar su aspecto y su vida, acepta un tratamiento experimental que inicialmente repara su rostro, pero desencadena una transformación física y mental devastadora.
Tom Rhys Harries interpreta a Hagen, mientras que Naomi Ackie da vida a la doctora Caitlyn Corr, la científica responsable del tratamiento. El reparto se completa con Max Minghella, David Dencik, Eddie Marsan, Nancy Carroll y Joshua James.
El conflicto no reside solo en que Hagen adquiera poderes de metamorfosis, sino en que pierde el control sobre su identidad. La película convierte la ambición, la humillación y la venganza en combustible de un monstruo que ya no puede volver a ser la persona que era.
El término clave es body horror, un subgénero que encuentra el miedo en la deformación, la mutación y la pérdida de control del propio cuerpo. En Clayface, la cara de Hagen se derrite, se transforma y se convierte en arcilla viva, con imágenes diseñadas para provocar rechazo y angustia.
James Watkins, responsable de títulos como La mujer de negro y Speak No Evil, dirige con una intención evidente, incomodar. No busca que el espectador celebre el poder del villano, sino que atraviese con él una espiral de dolor, paranoia y violencia.
El guion procede de una historia de Mike Flanagan, uno de los nombres más reconocidos del terror contemporáneo, junto a Hossein Amini. Esa procedencia ayuda a entender por qué la película privilegia la angustia psicológica y la degradación física antes que la acción espectacular.
Para el público adulto, Clayface llega en el momento perfecto. Su estreno coincide con Halloween y responde a una estrategia clara de DC Studios, la de ofrecer una película de género terrorífico dentro de su universo, sin depender del carisma de Batman ni de los grandes equipos de héroes.
La apuesta ha tenido una recepción favorable entre parte de la crítica. En Rotten Tomatoes, la cinta acumula un 75% de aprobación, con una valoración del público del 94%, mientras que Metacritic la sitúa con una nota media de 59 sobre 100 a partir de 44 reseñas.
Donald Trump no deja de hablar de cuerpos ajenos. El presidente de Estados Unidos ha dedicado varios de sus últimos mítines a comentar el físico de políticos republicanos, deportistas y otras figuras públicas, con especial atención a sus culos.
El último episodio tuvo lugar este domingo, cuando Trump elogió el culo de la cantante Nicki Minaj durante un acto en Michigan y le pidió que se levantara para que el público pudiera verla. La sucesión de comentarios ha llevado al periodista de CNN Anderson Cooper a bautizar al presidente como "assman-in-chief" un juego de palabras que podría traducirse como "comandante jefe de los culos".
El senador republicano Jon Husted se ha convertido en uno de los protagonistas de los comentarios de Trump después de que el presidente comenzara a describir con detalle su físico durante varios mítines de campaña. Husted, que fue jugador de fútbol americano en la universidad, ha recibido elogios sobre su constitución muscular, pero también comentarios explícitos sobre su culo.
"Examiné su culo" confesó el presidente de los Estados Unidos, que describió el trasero del senador como "un montón de músculo" y contó que también se había fijado en sus hombros, pies, manos y mandíbula. Donald Trump ha insistido en que no suele fijarse de esa manera en el cuerpo de otros hombres, una explicación que Anderson Cooper ha utilizado como punto de partida para su montaje satírico.
Husted no es el único republicano que ha sido halagado. En un mitin en Georgia, Trump elogió al congresista Mike Collins, al que calificó de hombre atractivo y remarcó que era "todo un hombre". En el mismo acto, dedicó palabras similares a Rick Jackson, candidato republicano a gobernador de Georgia, al que describió como un hombre "muy guapo, distinguido" y de aspecto hermoso.
Los comentarios de Trump no se limitan a los políticos republicanos. Entre los ejemplos figura Arnold Palmer, el legendario golfista estadounidense fallecido en 2016. En un discurso anterior, el presidente contó una anécdota sobre las duchas compartidas por Palmer y otros jugadores profesionales y aseguró que quienes salían de ellas reaccionaban con sorpresa ante el físico del deportista.
Donald Trump también ha hecho referencias a deportistas como Jaxson Dart y Harrison Butker, pateador de los Kansas City Chiefs. Además, ha elogiado públicamente a Nayib Bukele, presidente de El Salvador, a quien describió como un hombre que había pasado de ser joven y guapo a ser mayor y seguir siendo guapo.
Tras tantos elogios físicos a hombres, Anderson Cooper recurrió a la ironía para comentar la imagen pública del presidente. "No hay nada inusual, y, desde luego, nada gay, en un presidente que baila a diario al ritmo de 'YMCA' y que ha expresado públicamente su deseo de volver a ver a Betty Buckley, un icono de la comunidad LGTBI, en 'Cats'", señaló el presentador de CNN.
Más allá de las bromas, la atención que recibe el físico masculino también se refleja en las tendencias culturales. El fenómeno del glutemaxxing, una práctica que consiste en entrenar específicamente para desarrollar unos glúteos más grandes y musculosos, está cobrando relevancia en los hombres. Una tendencia, impulsada en parte por las redes sociales que refleja cómo los ideales estéticos masculinos también están cambiando y cómo determinadas partes del cuerpo han ganado protagonismo.
Las valoraciones físicas del presidente no siempre son elogiosas. En sus mítines también ha recurrido a la apariencia para burlarse de adversarios políticos, como el senador demócrata Jon Ossoff, al que comparó con Pee-wee Herman, el personaje cómico conocido por su rostro pálido y su característica expresión.
La cercanía entre la rapera y el presidente se deja ver. Nicki Minaj viajó junto a Trump en el avión presidencial, el Air Force One y posteriormente acompañó al mandatario en el mitin celebrado en Michigan.
La relación entre ambos resulta especialmente llamativa si se tiene en cuenta que Minaj había criticado anteriormente a Trump por sus cuestiones migratorias al ser ella misma quien llegó a Estados Unidos de forma irregular. Sin embargo, eso ha cambiado, ya que en los últimos meses ha mostrado públicamente su respaldo al presidente y se ha acercado a su entorno político.
Durante el mitin del domingo, Trump dedicó unas palabras al físico de la artista y elogió su trasero delante de los asistentes. "He visto un culo precioso antes: el de Nicki Minaj", afirmó, antes de pedirle que se levantara para que el público pudiera verla. La rapera accedió y saludó a los asistentes, mientras el presidente añadió que esperaba no haberla ofendido y expresó su aprecio por el apoyo que le ha brindado.
Bill Gates ha vuelto a poner sobre la mesa una de las grandes incógnitas de la inteligencia artificial; qué ocurrirá con el empleo cuando la tecnología sea capaz de realizar tareas antes reservadas a las personas. En una entrevista reciente, el cofundador de Microsoft ha defendido que la IA puede generar una época de abundancia. Sin embargo, ha advertido de que el camino hasta ese escenario será largo, desigual y potencialmente muy turbulento.
Gates ha asegurado que la inteligencia artificial podría conducir a una "verdadera abundancia". Este será un futuro en el que la producción de bienes y servicios sería tan eficiente que el trabajo humano dejaría de ser imprescindible para gran parte de la economía. Sin embargo, ha estimado que antes de llegar a ese punto habrá un periodo de transición de unos 20 años marcado por ganadores, perdedores y una fuerte disrupción laboral.
"Mi gran preocupación es este periodo de transición de 20 años, en el que habrá ganadores y perdedores y mucha disrupción", ha explicado el filántropo en el podcast Decoder. Su mensaje no es que la IA vaya a destruir el empleo de forma inmediata, sino que el cambio puede ser especialmente duro.
Para Bill Gates, el impacto no se limitará a un sector concreto. Ha señalado que empleos de oficina como la televenta, el telesoporte y la contabilidad podrían desaparecer. Esto es así porque la IA será capaz de realizar esas tareas de forma mucho más barata, rápida y precisa.
En el terreno de los trabajos manuales, su predicción apunta a los robots humanoides. Según Gates, si la sociedad no decide frenar deliberadamente el desarrollo de esta tecnología, los robots podrían llegar a construir viviendas, cultivar alimentos e incluso realizar cirugías. En ese escenario, gran parte del valor que hoy aporta el trabajo humano a la economía dejaría de ser necesario.
El cofundador de Microsoft ha reconocido que ese futuro plantea una cuestión profunda, si las máquinas pueden hacerlo casi todo mejor, ¿qué sentido tendrá el trabajo? Para él, el empleo no es solo una fuente de ingresos, sino también un mecanismo de propósito, relación social, aprendizaje y participación en la solución de problemas.
Bill Gates no cree que todas las actividades desaparezcan. Ha sugerido que ámbitos como el arte, el deporte, la cocina o el cuidado de los niños podrían seguir siendo realizados por personas, incluso aunque la IA llegara a hacerlos mejor. La razón no sería únicamente técnica, sino cultural y emocional. Muchas personas seguirán valorando el contacto humano y la experiencia de hacer cosas por sí mismas.
El multimillonario también ha planteado que algunas comunidades podrían optar por limitar el uso de la IA a determinadas funciones. Se inspiran así en modelos sociales que priorizan la ayuda mutua y la creatividad propia. En su visión, no todo el mundo tendrá que adoptar la tecnología con la misma intensidad.
Entre las posibles respuestas, Gates ha mencionado la jubilación anticipada y los límites a la jornada laboral como fórmulas para mantener cierto nivel de empleo humano. La idea es repartir de otra manera el trabajo disponible en lugar de concentrar los beneficios de la automatización en un grupo reducido.
Su planteamiento se parece al de otros líderes tecnológicos y empresariales. Jeff Bezos y Jamie Dimon, por ejemplo, han defendido una semana laboral más corta como alternativa menos traumática ante el desempleo provocado por la IA. Elon Musk ha ido más allá y ha propuesto cheques públicos para toda la población. Por su parte, Dario Amodei, de Anthropic, ha advertido de que el choque a corto plazo podría ser de una magnitud sin precedentes.
El discurso de Gates convive con visiones menos alarmistas. Sam Altman, director ejecutivo de OpenAI, afirmó en mayo que la IA no había eliminado tantos empleos de cuello blanco como esperaba y que ya no anticipa una "apocalipsis laboral". Además, pese a los despidos de grandes compañías tecnológicas, el desempleo nacional no ha aumentado de forma significativa.
La clave, por tanto, no está solo en la capacidad técnica de la IA, sino en la velocidad del cambio, las políticas públicas y la capacidad de las empresas y los trabajadores para adaptarse. Gates no descarta un futuro próspero, pero insiste en que llegar a él exigirá gestionar una transformación social de enorme envergadura.
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