“Airplane Mode”, in uscita il 6 novembre, è il disco con cui James Blunt dice di essersi ritrovato dopo essersi perso. Scritto tra Ibiza e la Svizzera e registrato ai Pig Music Studios di Banbury con la sua band di sempre, nasce come un dialogo con se stesso più che con il pubblico o le radio. Blunt ripercorre il successo di “Back to Bedlam”, il contraccolpo della fama e gli anni passati a scrivere “per piacere agli altri”.

Racconta poi i brani più personali, da “Circles” a “Weight Of It All”, il “tocco umano” contro la musica generata al computer e il legame con l’Italia, le lezioni di canto lirico alla collaborazione con Laura Pausini. Da ex soldato riflette sulla guerra, che definisce una scelta dei politici pagata dai giovani. Poi l’annuncio di un tour europeo che toccherà Milano 27 febbraio 2027 all’Unipol Forum e Firenze il 28 febbraio al Nelson Mandela.

Abbiamo incontrato il cantautore, che si trova in questi giorni a Ibiza: “Passo metà dell’anno a Ibiza e metà in Svizzera, a Verbier: in montagna d’inverno, al sole d’estate”.

“Parte di questo album nasce dal fatto che ho smesso di tornare in studio a Londra, trattando la musica come un lavoro. – ha dichiarato – Ho detto alla mia etichetta: sarò a Ibiza o in Svizzera, e chi vuole lavorare con me verrà lì. Abbiamo allestito uno studio nella mia camera da letto e uno studio qui. Mi è sembrato di scrivere canzoni come da ragazzo, ma parlando del mondo reale, della mia vita e delle mie esperienze, invece di scrivere su commissione. Per questo l’album è forse diverso dai precedenti”.

Qual è la differenza con la prima fase della tua carriera?
Il mio primo album l’ho fatto da giovane con un sogno, e quel sogno si è realizzato in tutto il mondo, con un enorme successo commerciale.

E dopo il successo cos’è accaduto?
Sono arrivate le difficoltà: l’essere una figura pubblica, i media, il contraccolpo. Sono scappato a Ibiza e ho scritto un album molto solitario, pieno di anime perdute (All the Lost Souls, ndr): si capisce dal titolo che non è un disco felice, è quello di qualcuno che lotta.

Qual è stata la conseguenza di tutto questo?
Mi sono ritrovato dentro il music business: un album ogni due anni, canzoni scritte per finire in radio, pensando al pubblico, all’etichetta, ai desideri delle radio. Ma se uno vuole il nero e un altro il bianco, il risultato è solo grigio. Alcune mie canzoni sono buone, ma non so se il mio cuore fosse in ogni brano o in ogni disco.

Stato d’animo attuale?
Oggi sono più grande, in un posto diverso e non devo più dimostrare niente alla casa discografica. Il mio greatest hits è uscito un paio di anni fa, e il greatest hits lo pubblichi quando muori. Se sono morto per il music business, non devo più preoccuparmi del lato commerciale e posso pensare solo alla musica.

E qui arriva “Airplane Mode”. Che approccio hai avuto?
Ho detto alla mia famiglia: non abbiate paura, non preoccupatevi, farò un album un po’ più introverso e scuro. Non una conversazione con il pubblico, ma con me stesso, la persona con cui parliamo di più al mondo, la voce che sentiamo nella testa.

Qual è il rovescio della medaglia?
Scrivere canzoni oneste con se stessi è la cosa più spaventosa, perché la gente le ascolterà e conoscerà i tuoi pensieri più oscuri, le tue debolezze. Ed è questo che ho catturato qui, per questo l’album mi è particolarmente caro.

Cos’hai scoperto di te stesso?
Oggi ho responsabilità diverse. Da giovani si pensa di essere il centro del mondo e che tutto giri intorno a noi. Poi, qualunque lavoro si faccia, si hanno responsabilità verso la famiglia e verso chi lavora con noi, stress e paure. Costruiamo un castello di carte intorno, con il rischio che crolli in qualsiasi momento.

A proposito di crolli, il mondo ha a che fare con una fase durissimi di conflitto e guerre. Sei un ex soldato che idea ti sei fatto?
Sono un musicista, non un modello da seguire: la mia opinione non conta granché. Ma la mia esperienza di guerra mi dice che sono i politici a volerla, per espandere il proprio potere, per avidità o per lasciare un’eredità. E lo fanno a spese delle persone che dovrebbero stare loro più a cuore. Mandano giovani uomini e donne a fare queste cose, e quei giovani perdono la vita. È tremendamente triste.

Qual è il problema di fondo?
Abbiamo politici che sottolineano di continuo le differenze, media che fanno lo stesso e social network basati su algoritmi che premiano commenti e litigi più della compassione e del dialogo. Tutte e tre le cose ci dividono e ci impediscono di vedere la prospettiva dell’altro. Se non capisci il punto di vista di qualcun altro, non puoi coesistere e finisci in guerra.

Esiste una prospettiva migliore?
Viviamo un momento molto triste, in cui sottolineiamo le differenze invece delle somiglianze. Suono in tutto il mondo e canto emozioni umane e in Italia, Germania, Cina, America la gente ama le canzoni perché si riconosce nelle stesse emozioni. Non importa il colore della pelle, la razza, la religione, il sesso o l’orientamento sessuale. Sono fortunato a lavorare in un settore che unisce le persone, mentre i politici no. Siamo arrivati al punto in cui bisognerebbe cominciare a votare in modo diverso.

Che idea ti sei fatto del “caso Ed Sheeran” e l’esclusione di Macklemore dal tour per il sostegno della Palestina?
Non credo che i musicisti siano per forza dei modelli. Non potete farmi domande come se fossi un politico: posso dare la mia opinione, ma sono solo un musicista e la mia competenza è limitata. Se un artista sente di non avere gli strumenti per esprimere un’opinione forte su qualcosa, va rispettato. E quando hai la pressione di un tour intorno, per chi sta fuori è difficile capire cosa sta vivendo quella persona.

L'articolo “Politici, media e social ci dividono, io canto ciò che ci unisce. Da ex soldato dico che se non capisci l’altro, finisci allo scontro. Il caso Ed Sheeran? Se non si sente di esporsi, va rispettato”: parla James Blunt proviene da Il Fatto Quotidiano.

Chi pensava a una parentesi passeggera dovrà ricredersi. Il 26 ottobre Amanda Bynes ha pubblicato su Instagram il teaser di un nuovo brano rap, accompagnato da una didascalia che non lascia dubbi sulle intenzioni: “Preparatevi a scatenarvi, perché la Trap House sta per arrivare, raga”. Ancora nessuna data di uscita per “Trap House”, ma il messaggio è chiaro: l’ex stella Nickelodeon fa sul serio.

Il pezzo vede la partecipazione di Zabba, produttore, autore, ingegnere del suono e musicista di Los Angeles, e di Lil Dexx. Dal teaser, la direzione sembra quella del rage, la costola più estrema e urlata dell’hip-hop contemporaneo, portata al successo da nomi come Trippie Redd e Playboi Carti. Il marchio di fabbrica: 808 distorti fino al limite, sintetizzatori da hyperpop, voci aggressive o altissime, il tutto passato sotto Auto-Tune.

Non è un fulmine a ciel sereno. Già nel 2022 Bynes aveva esordito a sorpresa con “Diamonds”, registrato insieme al fidanzato Paul Michael: il suo primo rilascio ufficiale. Il 10 aprile 2026 è arrivato “Girlfriend”, singolo EDM-rap in collaborazione con Fenix Flexin. Ad aprile ha anche firmato con Create Music Group, che distribuirà le sue prossime uscite.

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Da Roma al cuore della Cina. Tony Effe ha scelto di mettersi in gioco in un territorio dove la spavalderia, tradizionalmente, si lascia fuori dalla porta: il tempio Shaolin, culla del kung fu e luogo in cui si insegna, tra le altre cose, che il vero guerriero è “quello che non ha bisogno di dirlo”.

Il rapper è partito per scoprire da vicino l’arte marziale più mitizzata del pianeta, quella che da cinquant’anni di cinema di Hong Kong ci ha consegnato un immaginario fatto di monaci volanti, pugni di ferro e allenamenti all’alba.

Ed lì, tra una posizione del cavallo e l’altra, ha deciso di cimentarsi nella celebre prova di rottura: spaccare, a mani nude, qualcosa che di norma non vorrebbe essere spaccato.

Va detto, per amor di precisione, che la parola con cui la prova viene spesso indicata, “tameshiwari”, è giapponese e appartiene alla tradizione del karate.

L'articolo Tony Effe prova a spaccare un mattone, ma si fa male ad una mano: il tentativo (non riuscito) di imitare il maestro di karate – VIDEO proviene da Il Fatto Quotidiano.

Sei anni dopo la prima battaglia legale, Neil Young torna in tribunale contro Donald Trump o meglio contro la macchina che ne finanzia la politica. Lunedì 26 ottobre il cantautore ha citato in giudizio per 10 milioni di dollari il comitato congiunto di raccolta fondi del presidente, davanti a un tribunale federale della Virginia, sostenendo che il comitato abbia violato un accordo del 2020 usando senza licenza “Rockin’ in the Free World” a un comizio in Ohio.

Secondo l’atto, il brano del 1989 sarebbe stato diffuso senza licenza poco prima che Trump salisse sul palco a Youngstown, in Ohio, il 12 ottobre.

Il difensore del comitato, per ora, tace. Alla richiesta di commento non hanno risposto per il momento né la Casa Bianca, né il Trump 47 Committee, né il Comitato nazionale repubblicano, che ha costituito con Trump il comitato congiunto.

Il querelante sostiene inoltre che l’uso non si sia fermato a quella sera: la registrazione sarebbe stata utilizzata anche in altri comizi repubblicani del 2026, ma il documento non indica quali.

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Jay-Z si esibirà sul palco dell’Apple Music Super Bowl LXI Halftime Show, in programma al SoFi Stadium di Los Angeles, in California, domenica 14 febbraio 2027. Lo hanno annunciato Apple Music, la NFL e Roc Nation.

È stato il primo artista hip-hop a fare il suo ingresso nella Songwriters Hall of Fame, vincitore di 4 premi Emmy e di 25 Grammy Award. Il 2026 ha visto le celebrazioni di “Jay-Z 30”, un progetto durato un intero anno per festeggiare il trentesimo anniversario dal lancio del suo album di debutto “Reasonable Doubt” con tre concerti da tutto esaurito allo Yankee Stadium di New York, seguiti dalle date sold-out di Londra, Parigi e Los Angeles.

“Da Reasonable Doubt fino a conquistare il palco dell’Halftime Show del Super Bowl è stato un percorso straordinario – ha dichiarato l’artista – Trent’anni di musica, lavoro e cultura portati sul palcoscenico più grande del mondo. Questo viaggio continua a essere un sogno che si realizza”.

“Per diversi anni abbiamo avuto il privilegio di lavorare a stretto contatto con Jay-Z e Roc Nation, e ho potuto toccare con mano l’impatto straordinario che ha avuto sull’Halftime Show del Super Bowl – ha commentato Roger Goodell, Commissioner della NFL – Quando abbiamo stretto per la prima volta l’accordo con Roc Nation per la produzione dello show, avevo un’unica richiesta: che un giorno Jay-Z salisse su quel palco in prima persona, quando avrebbe ritenuto giunto il momento opportuno. Non potrei essere più entusiasta all’idea che i fan di tutto il mondo possano vivere l’arte, la creatività e la carica culturale che saprà portare al Super Bowl”.

“L’impatto di Jay-Z sulla cultura musicale globale è tanto profondo quanto indiscutibile – ha sottolineato Oliver Schusser, Vice President of Music and International Content di Apple -. Negli ultimi anni abbiamo avuto il privilegio di collaborare con lui per portare sul palco dell’Halftime Show del Super Bowl alcuni degli artisti più emozionanti e prolifici al mondo, e siamo davvero entusiasti che quest’anno sia proprio lui a salire su quel palcoscenico. Sappiamo già che sarà uno spettacolo incredibile”.

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Si intitola “Magia Bianca, Magia Nera”, il nuovo progetto di Francesca Michielin in uscita il 30 ottobre. Sei tracce, sei figure femminili e altrettanti archetipi, dalla mistica Hildegard von Bingen a Ecate, da Diana a Brigid, fino alla leggenda di Excalibur, per un racconto simbolico che fa da contrappunto a “Magia Bianca”: se il primo capitolo guardava alla luce, il nuovo attraversa l’oscurità come spazio di conoscenza e consapevolezza.

Con questi sei brani Francesca Michielin sposta il pop in un territorio più oscuro e immaginifico, un bosco notturno abitato da streghe, mistiche, dee e cavalieri. C’è Ecate che accompagna nell’aldilà e riporta indietro in ”Hexoria”, c’è la ”ragazza sola” che balla con gli scheletri in ”Danza Macabra”, c’è la forza vitale di Ildegarda di Bingen in ”Viriditas”. In ”Esperienza Estatica” la cantante si dichiara, in prima persona, un’ex alchimista e mistica, e chiede a un bardo di amarla senza purezza di facciata.

A fare da contrappunto sono due brani più terreni, “La mia ragazza”, ritratto di una Katherina fraintesa e infine libera, e ”Una spada nella roccia”, dove l’amore è una prova che non si vince con la forza e una luce che resta accesa. Il filo che tiene insieme tutto è un buio che diventa verità, e il rifiuto di essere “un po’ troppo educata”.

Il messaggio è quello di un percorso di liberazione da paure e ruoli imposti: il buio non va combattuto ma abitato, per trasformare le fragilità in una risorsa e, come recita il finale, imparare non a mostrarsi più forti ma a essere più vicini. Il disco accompagna Michielin verso il Tour nei Teatri, in partenza a novembre.

Francesca Michielin ha presentato a FqMagazine il nuovo disco.

L'articolo “Streghe, gay, migranti: c’è sempre un capro espiatorio su cui sfogare il controllo. Preferisco rischiare, anche a costo di perdere visibilità. Mio marito al nostro Liceo era un campione, il mito”: così Francesca Michielin proviene da Il Fatto Quotidiano.

Chris Brown evita il carcere per l’aggressione al produttore musicale Abraham Diaw, colpito con una bottiglia di vetro in un nightclub di Londra nel febbraio 2023. Il cantante statunitense, 37 anni, è stato condannato dalla Southwark Crown Court di Londra a otto mesi di reclusione con sospensione della pena per 12 mesi, dopo essersi dichiarato colpevole di rissa, reato previsto dall’ordinamento britannico che sanziona l’uso o la minaccia di violenza illegale in luogo pubblico. La stessa accusa ha travolto anche Omololu Akinlolu, rapper e vocal coach di Brown, condannato a quattro mesi con analoga sospensione. Entrambi sono stati inoltre condannati al pagamento di 1.500 sterline ciascuno a titolo di spese processuali.

Secondo quanto ricostruito in aula, come riporta la Bbc, l’aggressione è avvenuta nelle prime ore del 19 febbraio 2023, all’interno del Tape, un club privato nel quartiere londinese di Mayfair. Le immagini delle telecamere di sorveglianza, mostrate durante l’udienza, documentano Brown mentre colpisce Diaw quattro volte con una pesante bottiglia di tequila, raggiungendolo due volte alla testa e una volta alla spalla. Akinlolu si sarebbe poi unito all’aggressione, sferrando pugni alla vittima.

Il giudice Tony Baumgartner ha definito l’episodio un atto di violenza grave, sottolineando la pericolosità dell’uso ripetuto di una bottiglia di vetro contro la testa. “Era chiaramente pericoloso”, ha affermato, evidenziando che la violenza avrebbe potuto provocare conseguenze ben più serie. Il magistrato ha inoltre precisato che l’aggressione, pur non essendo stata pianificata, è stata caratterizzata da un’intensità significativa e si è verificata in un locale affollato, mettendo potenzialmente a rischio anche le altre persone presenti.

Brown e Akinlolu si erano dichiarati colpevoli di nel luglio scorso. Le accuse più gravi inizialmente contestate al cantante, tra cui aggressione, tentativo di provocare lesioni personali gravi e possesso di un’arma offensiva, erano state successivamente ritirate.
Al termine dell’udienza, i due imputati si sono stretti la mano prima di lasciare l’aula. All’uscita dal tribunale, Brown è stato accolto da alcuni fan e si è fermato a firmare autografi.

L'articolo Chris Brown è stato condannato per rissa dal Tribunale di Londra. Il giudice: “Era chiaramente pericoloso”. L’artista evita il carcere, ecco perché proviene da Il Fatto Quotidiano.

Più di sessant’anni di carriera, e la stessa sensazione di chi guarda indietro con gratitudine. Massimo Ranieri è stato ospite di RTL 102.5, oggi 26 ottobre, dove ha ripercorso il suo cammino artistico e raccontato com’è nata “Perdere l’amore”, il brano vincitore di Sanremo 1988 che, a posteriori, sembra l’esito di una sliding doors.

La storia comincia al termine di una lunga tournée teatrale. “Io ero in giro con il teatro, tanto per cambiare. – ha raccontato l’artista – Dopo sette mesi di tournée, con questo mio carissimo amico, Marcello, che viaggiava con me con la sua macchina, una Uno diesel (non turbo, normalissima), arrivò l’ultima recita. Eravamo a Vicenza e dovevamo tornare a Roma. Ci mettemmo in macchina con i soliti panini per il viaggio in autostrada e arrivammo a Roma verso le sei o le sette del mattino”.

È a quel punto che l’amico gli fa una proposta: “Marcello mi fa: ‘Poi nel pomeriggio ti mando quest’autore, di cui ti avevo già parlato. Vuole farti sentire delle canzon’. Io gli rispondo: ‘Marcello, ma che mi mandi? Lo sai che non canto più da tanto tempo’. E lui: ‘Dai, per stavolta’”.

Nel pomeriggio si presenta Giampiero Artegiani, autore scomparso, che Ranieri ricorda con affetto. “Viene questo ragazzo, che pace all’anima sua, e al quale va sempre il merito di tutto. Un grandissimo autore. Arriva con questi occhiali e mi dice: ‘Scusi, io sono amico di Marcello.’. ‘Sì, lo so’. Mi fa sentire delle canzoni, una più bella dell’altra, ma l’ultima non me la fa ascoltare. Gli dico: “Mi piacciono, sono belle canzoni, ma Marcello ti aveva detto che io non canto più? Sei molto gentile, ma non ho nessuna intenzione di tornare a cantare. Non canto più, ragazzi”.

Il colpo di scena arriva sulla soglia di casa: “Perdere l’amore, invece, ancora niente. Lui, che mi aveva sentito dire che non cantavo più, sta sulla porta, mette la mano sulla maniglia, si gira e dice: ‘Te la posso far ascoltare? Me la sono dimenticata’. Io volevo solo andare a dormire, ma lui si siede e mi sciorina questa perla. Poi mi dice: “L’avevo dimenticata, però ci tengo. Che ne pensi? Si può fare un provino?”.

Ranieri accetta: “Feci il provino e lo mandai alla mia ex casa discografica, la CGD, che ovviamente accettò. Ma andare a Sanremo non era nei miei pensieri”.

L'articolo “Non volevo più cantare, sulla porta di casa mi fanno ascoltare ‘Perdere l’amore’. È stato il mio sliding doors. Più di 60 anni di carriera? Fortuna enorme”: parla Massimo Ranieri proviene da Il Fatto Quotidiano.

Se qualcuno mi chiedesse quali album mettere nella top ten di tutti i tempi, gli altri nove così su due piedi non saprei dirli, ma È rock ‘n’ roll di Ricky Gianco ci sarebbe senza indugi e pure in posizione altissima. Se non conoscete l’album (Gianco spero di sì, altrimenti sono dolori) andate su Youtube a cercarlo.

C’è tutto intero e pure di buona qualità. Oppure aprite lo scrigno autobiografico di Ricky, Non si può smettere di sognare, appena uscito in libreria per Baldini e Castoldi. Lì del disco del 1991 inciso a Los Angeles con Jeff Porcaro dei Toto a dirigere un’orchestra mostruosa, mezza sezione fiati dei Tower of Power, James Burton alla chitarra, Giorgio Gaber, Gino Paoli e Pino Donaggio a duettare con Gianco nei più incredibili brani rock italiani di fine cinquanta inizio sessanta, ci sono parecchi ricordi inediti di quella trasferta americana.

Del resto l’autobiografia di Gianco curata da Paolo Crespi è una macchina dei ricordi continua, riff personali e familiari di chitarra, graffi di rock limpidi e leonini come il timbro southern di Gianco stesso. Sfogli Non si può smettere di sognare (titolo, per inciso, che richiama il brano Non si può smettere di fumare) e rivedi Riccardo Sanna piccino nella Milano del dopoguerra, ciuffo e jeans, ugola d’oro minorenne nelle estati di Varazze, che spicca il volo tra gli ingranaggi della musica leggera italiana mentre sta diventando essa stessa un’industria gigantesca. Precipitati dallo swing (a Gianco piaceva il pezzo Crapa Pelada), dal jazz, Elvis e Ricky Nelson (da cui la trasformazione di Riccardo in Ricky), il rock italiano e le sue timide tracce, la sua curiosa ribellione sociale e culturale ante cantautorato.

“Tutti mi davano del ciula ma io lo rifarei”, canta Ricky proprio nel brano fiume È rock ‘n’ roll. Strani tizi con camici bianchi a registrare dischi, contratti che svolazzano, celentani che si incazzano. Gian Franco Reverberi e la Ricordi, Gian Pieretti (Il vento dell’est, Pietre) sodale storico, risse e pantomime al Cantagiro tra le vecchie ugole e i nuovi ragazzini del rock, le chiacchiere con John Lennon e Paul McCartney, Mike Bongiorno che accudisce in diretta tv il rocker con i basettoni finito all’ospedale, Andreotti che (probabilmente) lo fa riformare e scappare dalla naia. Poi, appunto, c’è Celentano con Il Clan. Gianco è tra i fortunati (o sfortunati) che hanno sfiorato l’Adriano dei 24mila baci. Il Molleggiato e la sua etichetta lo vogliono nel 1961 poi lo vampirizzano (Pregherò e Sei rimasta sola, bastano?). Nessun rancore, per carità, Celentano toglie la “r” alla parlata di Riccardo poi una notte gli telefona e gli dice di cambiare cognome: “che ne dici di Gianco?”. Però la storia è curiosa.

Dà, toglie, ridà di nuovo. Gianco incontra nei primi settanta Gianfranco Manfredi (“indimenticabile compagno di strada”, nel libro) ed è come se la ribellione rock and roll si fondesse naturalmente e plasticamente con l’iconoclastia politica anni settanta. Ascoltate Precipito, che poi tornerà nel 1979 live nel film Liquirizia di Salvatore Samperi con Gianco Jack Blues prima di John Belushi, in Cavallina rock o Siamo tutti nella merda, per capire un concept come Zombie di tutto il mondo unitevi (1977) e uno come l’Arcimboldo (1978). Gianco attraversa sempre a suo modo, sempre da ribelle, “non mi piace questo mondo che non vuole la fantasia” sia Sanremo, tre le partecipazioni alla “messa cantata della canzone italiana” tra cui la soul track Accidenti con il Supergruppo; il cinema – oltre a Liquirizia appare pure in un porno -; e perfino il Controfestival (vero!) di Mantova nel 2004 perché di là il “Festival” lo organizza Tony Renis. Lui dice: “Tutto ciò che ho realizzato è frutto dell’amore, degli sbagli e della passione”. Onesto, sincero, generoso Ricky.

Non c’è fiele per nessuno nell’autobiografia, solo gioia “per aver visto la luce”. E un capitolo che è un brano, solo testo (se la pagine potessero suonare), lungo lungo, quattro pagine: Un amore. È la canzone fiume stralunata, sporcacciona e malinconica che Gianco scrive dopo qualche anno di silenzio. Un capolavoro. Ascoltata dal vivo in un centro sociale tanti anni fa con Gianco e la sua instancabile chitarra a tracolla. Alla faccia dell’AutoTune.

L'articolo “Tutti mi davano del ciula, ma io lo rifarei”: la vita pazzesca del rocker Ricky Gianco che è stato “battezzato” da Adriano Celentano proviene da Il Fatto Quotidiano.

Ad “Amici 26″, oggi 25 ottobre, il caso del cantante Erness ha posto il dilemma in diretta. Il ragazzo che stacca dalla cucina di un pub all’una di notte e ha un’ora al giorno per la musica ha portato come inediti brani che, secondo Samurai Jay, inediti non erano: stessa tonalità, stesso BPM, stesso giro armonico di un pezzo già esistente. Gli è stata data una seconda possibilità. Una settimana in studio, un nuovo brano sull’ossigeno e sugli amori che tolgono il fiato. Il pezzo ha convinto tutti. Non è bastato. Perché, quando “qualità ed etica prendono strade diverse, a decidere è l’etica”. E il banco è saltato.

Dopo una serie di ascolti, Samurai ha notato che tutti i brani proposti da Erness hanno come riferimento altri brani, per cui di inedito “non c’è quasi niente”. Il cantante prova a darsi una spiegazione e chiede a Erness che lavoro faccia. La risposta: lavora in cucina in un pub e stacca all’una, all’una e mezza. Alla musica può dedicare poco più di un’ora. Il direttore artistico ne deduce che l’unica spiegazione possibile sia la mancanza di tempo.

La decisione, a quel punto, è di sospenderlo. Erness resta lontano dalla scuola per una settimana, in studio con dei professionisti, per scrivere un inedito che sia davvero suo. Il banco resta al suo posto, ma Samurai gli lascia un avvertimento: deve evitare di farselo “strappare via”.

L'articolo “Hai presentato brani che sono plagi”: Erness sospeso e poi eliminato da Samurai Jay ad “Amici 26”. Amadeus: “Se fossi stato il suo insegnante, sarebbe stato fuori subito” proviene da Il Fatto Quotidiano.

Forse il suo nome non è notissimo, ma la sua voce se la ricordano in tantissimi. Caterina Rappoccio è la voce del brano “Aeroplano”, contenuto nell’album degli 883 “Nord Sud Ovest Est” del 1993. La cantante compare nel quarto episodio della serie tv cult “Nord Sud Ovest Est – La Leggendaria Storia Degli 883” grazie al volto dell’attrice Rosa Barbolini.

Dunque nella puntata, in esclusiva su Sky e in streaming solo su Now, Mentre Max Pezzali (Elia Nuzzolo) e Mauro Repetto (Matteo Oscar Giuggioli) si chiedono se adesso siano o no presentabili nel mondo della musica, un ciclone chiamato Caterina investe le loro vite con la forza di un “Aeroplano”.

“Claudio Cecchetto restò colpito dalla mia voce e dalla mia grinta. – ha raccontato Caterina a Il Corriere della Sera – Mi serviva una canzone da portare in finale a Castrocaro e lui mi propose Aeroplano. La cosa divertente è che la mia prima reazione fu ‘sì, è bella ma è moscia’. Per fortuna Cecchetto mi rispose che la potevamo farla più rock, più nel mio stile. Alla fine Castrocaro non l’ho vinto, ma ci ho guadagnato un contratto con Cecchetto”.

Gli 883? “Non li conoscevo. L’estate precedente, quella del 1992, avevo ascoltato ‘Hanno ucciso l’Uomo Ragno’ in continuazione, era diventato praticamente l’inno della mia estate ma non sapevo di chi fosse. Cecchetto voleva una voce femminile per Aeroplano e, secondo lui, la mia era perfetta. Ma non so perché ad un certo punto decise di far cantare insieme me e Max Pezzali”.

L'articolo “Per cantare Aeroplano con gli 883 ho preso un milione di lire. Un giorno Cecchetto mi ha detto ‘non siamo le persone giuste per te, meglio chiudere il contratto'”: parla Caterina Rappoccio proviene da Il Fatto Quotidiano.

Eugenio Finardi, concorrente di “Ballando con le stelle” in coppia con Rebecca Gabrielli, ha conquistato il pubblico non solo con la sua esibizione ma anche con un racconto personale molto intenso. Dopo la puntata di sabato 24 ottobre e lo scontro a distanza con Matano, il cantautore ha ripercorso il suo passato legato alle droghe, la storia d’amore complicata con la prima moglie Patrizia, l’esperienza della comunità e il legame con la figlia Elettra.

“Io ho reagito al commento di Matano – ha spiegato il cantautore risponde alle critiche del conduttore sul suo stile di danza – perché prima di tutto ho avuto l’impressione che lui volesse suscitare in me una reazione. Poi non credo sia stato affatto un disastro. Credo che Matano non tenga conto dell’età e che fino a ora non si fossero resi conto che dietro quell’uomo c’è un uomo di 74 anni. Io ho tre quarti di secolo”.

Poi il racconto personale: “A 13-14 anni sono arrivati i Rolling Stones, Jimi Hendrix, tutto quel tipo di immagine, e quindi io ho scelto di essere un hippie. Mi è capitato una sera, quasi per caso, di provare sostanze diverse da un amico che le aveva. C’era la paura, poi cosa fai, dici di no? Ti senti fuori. Provo, cosa vuoi che sia. Dall’altra parte c’era l’angoscia: ‘Oddio, cosa sto facendo?’. Per due anni non ho quasi fatto altro: non ho suonato, ho fatto l’amore”.

“Il periodo più brutto è stato prima della nascita di Elettra, all’inizio degli anni Ottanta. Io stavo con Patrizia, che poi è diventata mia moglie. – ha continuato – Era bellissima ma, purtroppo, era dipendente da sostanze. Ho vissuto con lei una storia d’amore complessa, intensa, estremamente sensuale, d’amore e di dipendenze. Tutti quelli che sono in preda alla dipendenza sognano di essere salvati, di essere tirati fuori, ma da qualcuno che li capisca. E chi li capisce? Uno che sta facendo la stessa cosa. Non andava neanche tanto male, finché non è arrivato il momento in cui non si poteva più andare avanti così. Il fatto di essere tossicodipendenti non era più una cosa rock e romantica, ma era una vergogna“.

L'articolo “Mia moglie era bellissima, ma dipendente da sostanze. Se n’è andata a 56 anni per l’epatite C, un anno prima che trovassero la cura. Nostra figlia è rimasta senza mamma”: parla Eugenio Finardi proviene da Il Fatto Quotidiano.

Levante si è raccontata nel salotto di “Verissimo” ieri 24 ottobre, per parlare della sua famiglia, del passato e del presente con il nuovo album “Dell’amore, il fallimento e altri passi di danza”. Inoltre è stata annunciata la terza data live a Milano, il 4 dicembre, dopo il tutto esaurito per i due appuntamenti del 17 e 22 novembre alla Santeria Toscana 31 di Milano.

La cantautrice ha detto: “È un bel momento, di grande rinascita. Sono serena, felice, in equilibrio, e questa è una cosa bellissima. Ci sono arrivata dopo un lungo percorso. Ormai sono quasi quarantenne e a quasi quarant’anni mi accorgo di avere una consapevolezza e un’esperienza che prima non avevo”.

“Da bambina ero una monella, con tanta creatività e tanta fantasia. – ha raccontato – Ero l’ultima di quattro figli e i miei fratelli erano molto più grandi di me. Ero molto amata, sempre al centro dell’attenzione, e avevo tanti maestri in casa. Con fratelli così grandi è stato facile crescere in fretta. Poi è arrivata la morte di mio padre, che è stata l’ennesimo scalino”.

E ancora: “Avevo nove anni e ormai sono passati trent’anni. Ricordo un uomo estremamente affettuoso con me, ma anche molto duro. Era cresciuto a sua volta con una certa durezza, e con lui non sapevi mai se dalla gioia si potesse passare alla tensione da un momento all’altro. Bastava che qualcosa non gli piacesse e subito scattava l’insegnamento. Una specie di educazione siberiana, ovviamente scherzo. Però è stato un uomo che mi ha amata tantissimo. Essendo la più piccola, mi ha dato tutto quello che non si era concesso con gli altri. Di foto con lui ne ho poche”.

L'articolo “Quando è morto papà mi è crollato il mondo addosso a 9 anni. Depressa da bambina e nessuno se n’è accorto, piano piano la sto superando, conoscendomi”: così Levante proviene da Il Fatto Quotidiano.

Quasi quarant’anni di affitto mai pagato, un’ispezione negata e una battaglia a colpi di avvocati. Stevie Wonder ha deciso di andare in tribunale per sfrattare Carmen Efferson, che da luglio 1988 occupa senza versare un euro una casa di sua proprietà a Studio City, quartiere di Los Angeles.

Il cantante, 76 anni, il cui vero nome è Stevland Morris, ha depositato giovedì una denuncia presso la Corte superiore della contea di Los Angeles. La donna, secondo il sito TMZ, sarebbe stata in passato la sua promessa sposa. I legali di Wonder non hanno commentato né chiarito la natura del loro rapporto. Efferson, contattata più volte dal Los Angeles Times, non ha risposto. Il musicista è sposato dal 2017 con Tomeeka Bracy.

Stando agli atti, nel 1988 i due avevano stretto un accordo verbale: Efferson avrebbe potuto vivere nell’immobile di Oak Glen Drive senza pagare alcun canone mensile. A rompere l’equilibrio sarebbe stata, la scorsa estate, la richiesta dei rappresentanti di Wonder di accedere alla casa “per aggiornare e mantenere la polizza assicurativa“.

Il 23 luglio un avvocato del cantante ha comunicato un’ispezione fissata per la settimana successiva. La risposta, via email il 25 luglio, è stata durissima: Efferson ha accusato il legale di un tono “razzista” e “a sangue freddo”, parlando di “privilegio maschile bianco”. “Mi sento molestata”, ha scritto, ribadendo di non dare alcun consenso all’ingresso nell’abitazione. Due giorni dopo è arrivata la replica dei legali di Wonder: l’avvocato in questione “non è né razzista, né a sangue freddo, né bianco, né uomo“.

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Biondo (nome d’arte di Simone Baldasseroni) ha partecipato alla diciassettesima edizione di “Amici di Maria De Filippi”. Bello, carismatico e popolare, il cantante ha attraversato l’onda lunga del successo. Poi piano piano i riflettori si sono spenti, fino a quando la prova da attore in “Fabbricante di lacrime” nel 2024 lo ha messo al vertice della classifica globale dei film più visti su Netflix e quindi a un ritorno in pista. L’attore e cantante si è cimentato ora anche nella scrittura con il romanzo “Sette vite non bastano”, scritto con la fidanzata Anna Dvalishvili. Poi sarà la volta della seconda stagione di “The Traitors Italia”, lo show Prime Original italiano, dal 6 novembre.

“Con la mia ragazza va benissimo: ci sposiamo tra un anno, l’abbiamo deciso da poco – ha detto Biondo a Vanity Fair -. Abbiamo avuto una crisi che, però, è servita perché ci ha permesso di ripartire da zero e ridarci la spinta iniziale. Evidentemente serviva affrontare il buio per ritrovare insieme la luce”.

E ancora: “Il libro che ho scritto insieme alla mia fidanzata, che è una grande scrittrice è quasi autobiografico: anche io, quando stavo al liceo e facevo il cuoco, ho avuto uno slancio musicale grazie a una canzone, Quattro Mura, che è riuscita a spaccare. All’inizio ero molto preso in giro, un po’ bullizzato, finché la canzone è esplosa ed è diventata disco d’oro. Da lì le persone cominciavano a incrociarmi per i corridoi della scuola dicendomi: bravo, ti rispetto. Quindi sì, ho dovuto rischiare”.

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Femmicidio, politicamente corretto e le morti sul lavoro sono solo alcune delle tematiche che Paolo Jannacci ha affrontato all’interno del suo nuovo disco, “Scimmie ovunque”. L’album, composto da undici brani caratterizzati da testi ironici e critica sociale, alterna sapientemente temi più duri e momenti di leggerezza, a cui si affiancano, inoltre, storie d’amore e una dedica al padre Enzo. Due sono le collaborazioni: con Elio per “Politically topless”, e con Stefano Massini per “L’uomo nel lampo”. Quest’ultima è una delle tracce più intense ed è stata presentata al Festival di Sanremo 2024, dove i due artisti sono stati ospiti.

In occasione della pubblicazione del progetto, Paolo Jannacci ha raccontato, a FqMagazine, il difficile rapporto con l’autocensura e condiviso alcune storie inedite legate al suo complice di sempre, papà Enzo. L’artista si è inoltre espresso sui disordini avvenuti nel centro di Milano, definendoli una “perdita di stile”, soprattutto “quando i giovanissimi si sono messi a rubare le scarpe e a bruciare i libri”.

Jannacci sarà in concerto il 3 novembre nella Sala Petrassi dell’Auditorium Parco della Musica Ennio Morricone di Roma con lo spettacolo “Jannacci arrenditi! La città ascolta”.

Qual è il significato di “Scimmie ovunque”?
La traccia “Scimmie ovunque” nasce come ultimo brano che ho scritto col mio amico autore Paolo Re. Avevamo avuto dei ripensamenti sul fatto che avevamo dato il titolo all’album ma eravamo senza la famosa title track. Così ci siamo un po’ impuntati, e come ultima cosa è venuta fuori veramente di getto: è stato bellissimo. Perché è uno di quei brani, insieme a “La rosa e il fiorista”, nato come ultimi, ma con tanta energia e tanto desiderio di scrivere bene. A volte capita di limare delle canzoni che hai già fatto mentre, il creare dal nulla due brani, è stata una cosa che a noi è piaciuta molto. Infatti secondo me si nota una bella energia.

Soprattutto in “Scimmie ovunque” e ne “Il mercato nero degli abbracci”, vengono in mente riferimenti cinematografici e letterari che richiamano Stanley Kubrick e George Orwell: l’associazione è ricercata?
Sì, è centrata. Poi c’è chi, avendo una sensibilità particolare, lo avverte di più. Chi invece non ha quel tipo di sensibilità, però, coglie una distopia latente che può suggerire un elemento più visivo, che non invece solo musicale o prettamente poetico. C’è proprio la ricerca di un’ambientazione visiva cinematografica.

Il disco è uscito pochi mesi prima di Sanremo: hai fatto un tentativo per partecipare alla prossima edizione?
Ho proposto due brani a Stefano De Martino. Il primo, “Il giorno prima”, è una ballad molto elegante e educata di Emiliano Bassi. Poi, io e Paolo Re, abbiamo scritto il testo. L’altra canzone è “Scimmie ovunque”, perché può essere particolarmente divertente. La puoi far andare sul palco con una grande verve e con una particolare voglia di stupire. A Sanremo non ci andrei solo e unicamente per fare promozione al mio disco, perché so benissimo che quello è uno spettacolo che ci vede tutti coinvolti, in cui si fa parte di un grande gioco comunicativo che se va bene, va bene per tutti.

Hai avuto riscontri sulle due tracce?
Non ho ricevuto nessun cenno. Non è che volessi sapere, anche perché sarebbe stato irrispettoso per gli altri. Però se per caso mi avessero comunicato che c’era un minimo interesse, avrei posticipo il disco. Purtroppo non mi è stato detto nulla. Magari non hanno visto neanche il messaggio, hanno buttato via il telefono, o stanno pensando ad altre migliori cose. Ma ho voluto far uscire questo disco, che era già fermo da un po’ di mesi, perché aveva proprio voglia di cantare e di esprimersi.

Hai scritto una canzone sulla “disgrazia del femminicidio”: che effetto ti fa sentire che, alcuni rilevanti esponenti politici, neghino il fenomeno?
Penso sia uno stile di comunicazione. Che, tuttavia, non mi coinvolge tanto. Sono sicuro che ci sono certe donne che sono molto più intelligenti degli uomini con cui stanno, ma sono anche molto più sensibili. E questa loro grande sensibilità diventa, purtroppo, un lato di non autodifesa. Fanno fatica a convivere con questa grandissima e bellissima sensibilità che magari l’altro non capisce. Perché se tu hai, brutalmente, una forza maggiore e la scarichi contro una persona che non riesce a contenerti, si parla comunque di femminicidio. Non è che possiamo tanto girare la questione. È un po’ un sofismo. Io sono sicuro che il femminicidio ci sia, perché è sempre stato così nel mondo. Le donne, essendo spina dorsale del nostro Paese, ho imparato ad apprezzarle molto.

Ti reputi femminista?
Mi sento un grande femminista in questo caso perché, essendo loro molto più intelligenti di noi, ci hanno dato la via sempre, a noi ragazzini. Storicamente sono sempre state soggiogate e messe a rogo. Le chiamavano streghe, le bruciavano vive. Perché mettevano in luce delle gravità dell’essere umano che l’uomo, invece, non voleva accusare. Dunque, si tratta di una cosa drammatica che non deve più succedere.

“Siamo nudi, in topless, di fronte al politicamente corretto”, che rapporto hai con l’autocensura?
Brutto perché, purtroppo, anche nel disco precedente, qualsiasi pensiero, una qualsiasi frase, una qualsiasi quartina che potesse venire in mente, la mettevo subito alla berlina. Pensavo subito quale potesse essere il lato negativo o la problematica che quella parola poteva suggerire. Mi facevo, e me la faccio tuttora, dell’autocensura preventiva. E questo, per un artista, credo non sia funzionale. Poi ci deve essere stile.

Ovvero?
Un artista deve avere buon gusto. Se hai stile, se hai buona educazione, anche nella trivialità, allora il gioco diventa divertente e affascinante. Se invece la trivialità è fine a sé stessa, allora non l’accetto. Ed è giusto farsi anche autocensura. Per qualsiasi cosa sono “costretto” un po’ a pensarci, però mi dà molto fastidio.

Nel disco è presente un omaggio a tuo papà Enzo: che aria si respirava a casa?
Riavvolgendo il nastro, la vita non era così diversa da oggi. C’era, intanto, un altro tipo di libertà di pensiero. Tant’è che, nel 2005-2006, da produttore, cominciavo a sentire la problematica del politicamente corretto.

Ne parlavi anche con tuo papà?
Gli dicevo “Ma questa cosa si può dire?”. E mio padre rispondeva “Sì, perché sto dicendo la verità”. Sarebbe grave se un artista dicesse il falso, o comunque dicesse qualcosa di non coerente con la verità. Su Instagram ho scritto “è un pezzo di vita in mezzo a due fogli di cartone”. E mi piace tantissimo la possibilità di creare qualche cosa che non siano solo delle vibrazioni che si perdono nell’etere.

Hai raccontato di esserti abbracciato spesso con papà Enzo e che “vi sareste buttati nel fuoco” l’uno per l’altro: eravate complici?
Sì, assolutamente. Quando mi sono innamorato ho avuto un colpo di fulmine, a ventidue anni, e ho detto “vado a vivere con la mia ragazza”, da un momento all’altro. Mia madre purtroppo era via per curare mia nonna che non stava bene e, quindi, non era a Milano. Allora ho preso i miei bagagli e sono andato via di casa, e mio padre mi ha coperto! Mia madre era poi tornata e fa: “ma dov’è finito Paolo?”. Poi era venuto fuori tutto quanto ed è stato un disastro perché momento più sbagliato non potevamo trovarlo (sorride, ndr). Mio papà mi ha sempre coperto e mi sarei buttato nel fuoco per lui. Ad esempio, quando è stato male, per tutti gli anni della sua malattia, non ho minimamente fatto trasparire nulla, anche se sarebbe stato magari più facile farlo. Invece Enzo Jannacci è sempre stato quello che vi siete immaginati. L’artista che ha dato tanto, poco, il giusto. Quello che fa divertire, piangere. Queste cose successe ci aiutavano, comunque, a sorridere dei guai.

Il primo a darti fiducia è stato Gaber: cosa aveva visto in te?
Giorgio, oltre ad essere un grandissimo artista, era anche un grande imprenditore. Molto più di mio padre. Enzo diceva “Ciao, usciamo, andiamo in scena”, “Ma cosa dovevo fare?”, “Lo invento io, non ti preoccupare”. Poi aveva il bagaglio delle ancore teatrali, sapeva cosa doveva fare. Però per il 60% era qualche cosa di fuori controllo.

In questo Gaber era diverso?
Giorgio per il 90% sapeva che lo spettacolo doveva essere tenuto in piedi con determinati cambi. Poi c’era un 10% di immaginazione al potere, marcusiano. Invece il papà no, perché gli piaceva avere quello stimolo creativo che gli dava l’adrenalina in più e che gli conferiva la gioia di creare sul momento anche se, poi, lo faceva stancare molto di più.

Quando hai avuto il primo contatto professionale con Gaber?
Avevo cominciato a bazzicare in studio e Gaber, probabilmente, mi ha sentito accompagnare il papà. Avevo uno stile un pochino più moderno e i grandi artisti, come lui e mio padre, hanno sempre apprezzato l’influsso dei giovanissimi. Quella linfa vitale che arriva da uno che ha voglia e che non sa ancora cosa sta facendo ma sente che può essere giusto. È ciò che, a volte, gli anziani perdono un po’ perché cercano di andare sul sicuro oppure cercano di limitare i danni. Oppure anche per stanchezza o difficoltà. Perché, alla lunga, non è che per forza devi puntare tutto sul nero o sul rosso. Giorgio, probabilmente, ha visto che avevo questa forza della novità e mi ha affidato un piccolo arrangiamento che ho fatto alla bene e meglio. Anche lì il papà era arrivato, ha messo due note di flauto, e mi aveva dato una mano.

Invece che ricordo hai di Dario Fo?
Ho avuto la grande fortuna di viverlo a casa sua quando mio padre mi portava, da lui, per avere un consiglio o per organizzare un’idea di introduzione teatrale. Si andava dal maestro e gli si chiedeva un giudizio e da lì potevano nascere cose e si avvertiva veramente il peso culturale di Dario. Perché tutto quello che toccava dal punto di vista della fabulazione, della parola, del racconto, aveva un connotato di grande importanza ed interesse. A volte si perdeva in battute meravigliose, però si sentiva il peso di questo grand’uomo, anche perché era veramente importante dal punto di vista dell’immaginario. Non a caso l’ho chiamato “maestro”.

Enzo Jannacci, Giorgio Gaber e Dario Fo assieme: cosa ti viene in mente?
La fotografia di Guido Harari fatta ai trent’anni di carriera, a Milano, al Castello Sforzesco. Tutti e tre si sono ritrovati, e si sono messi a posare, ognuno col suo stile. Enzo con la voglia di riabbracciarli, con questo sorriso incredibile. Dario, che sapeva di poter svettare sui suoi ragazzi, e Giorgio che stava dietro Enzo sapendo, comunque, di essere compagno della vita.

Da milanese che effetto ti ha fatto vedere i disordini di questi giorni?
Si parlava prima di stile. Provo grande tristezza. E non faccio nessuna fatica ad essere reazionario, come si suol dire. Grande tristezza nel vedere, innanzitutto, il dover manifestare per questo caro vita che sta arrivando e che non ci darà la tregua e che fa e farà stare in allerta molte famiglie. Questa è la prima cosa.

La seconda?
Mi è piaciuto il fatto che le scuole, i maestri, i professori abbiano coinvolto i ragazzi che, spesso, vengono descritti un po’ come addormentati. Mi fa piacere vederli attivi verso una problematica sociale. Ma è stata una grandissima tristezza e perdita di stile quando i giovanissimi si sono messi a rubare le scarpe e a bruciare i libri. Come dice il professore Recalcati: “Questo non lo dovevate fare, non dovete bruciare i libri e non dovevate rubare”. Ho il cuore che piange quando vedo quelle scene. Avevamo la possibilità, a mio giudizio, di porci a livello europeo come una delle città, come uno dei Paesi più alti dal punto di vista culturale e anche filosofico. Perché abbiamo i francesi che sono esplosi nella loro spinta rivoluzionaria. Che posso capirla, anche se non la condivido. Perché fanno sempre così. Quindi è diventato un modus operandi, il loro. Potevamo porci come forza di critica sociale e politica pulita e, allo stesso tempo, ancora più forte. Invece siamo caduti in una debacle che mi fa piangere il cuore. Mi sono quasi messo a piangere. Poi non l’ho fatto perché sono anche molto cinico. Però mi ha dato molto fastidio.

Il 3 novembre ti esibirai a Roma: cosa ci puoi anticipare del live?
È uno spettacolo che parla delle nostre città. È un modo per raccontare le storie che ci legano, perché alla fine le città siamo noi che le costruiamo, e siamo noi che le distruggiamo. È il nostro modo di essere e di vivere che crea una città. Le città però ci tengono sotto controllo, ci guardano e osservano tutte le nostre storie. E la musica diventa il collante che va ad enfatizzare queste emozioni. È uno spettacolo musicale dove i miei musicisti, che sono anche dei bravissimi attori, si prestano alla simpatia del momento. Raccontiamo delle storie di guerra: quindi città che sono state distrutte, ricostruite. Ci sono amori che vivono al terzo piano e che hanno il cuore urgente. Ci sono artisti, in quella luce in alto, in quel piccolo appartamento sempre acceso di notte, che hanno l’angoscia di raccontarci che domani sarà un giorno migliore. Quindi Luigi Tenco che ci parla. Oppure le storie di Parigi, di Paolo Conte. Tante storie che cercano di alzare, anche in piccolo, il livello culturale del nostro Paese.

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“Vertebre” lo ha incornato vincitore al Festival di Sanremo nella categoria Nuove Proposte nel 2025. Poi nei mesi a seguire sono cambiate tante cose nella vita di Settembre: nuovo team, nuovo tour, brani inediti come “Due settimane” e l’ultima “Lentiggini”. Napoletano, 25 anni, il cantautore ha una penna piena di sensibilità, sfumature ed è mosso da tanta voglia di fare. Il percorso è ripreso grazie al management La Tarma di Marta Donà. I feedback sono tutti positivi, non resta che aspettare e vedere se un altro tassello si aggiungerà al percorso professionale dell’artista: il Festival di Sanremo 2027.

Quando nasce “Lentiggini” e cosa ti ha ispirato a tirare fuori sentimenti così forti?
Il brano è nato, se non ricordo male, tra fine gennaio e inizio febbraio di quest’anno. Era un periodo difficile per me, non solo per i temi di cui parla la canzone: era un periodo di vita strano, non proprio dei più felici. Paradossalmente in quei mesi scrivevo poca musica, avevo scritto solo due o tre cose, e una era ‘Lentiggini’. Tra vari problemi personali mi interrogavo, ancora una volta, sui sentimenti, sulle relazioni, sulle mancanze. Non necessariamente per un fatto accaduto pochi giorni o poche settimane prima: era qualcosa che mi frullava in testa.

Cosa c’era nella tua mente in quel periodo?
Tante domande come il non sentirsi abbastanza, magari perché si viene rimpiazzati o perché da uno dei due lati il sentimento si spegne. Allora ti ritrovi da solo a chiederti se non sei stato abbastanza, se c’era già qualcuno meglio di te. C’è poi il tema di provare ad andare avanti, come nella seconda strofa, dove cerco di dirmi, e di dire, che ci sto provando e che ho imparato a non farmi più male. Però chissà se un giorno tornerai da me… È già un passo successivo, un progredire della storia.

Dal video sembra che tu abbia anche un talento per la recitazione. È un pallino che hai sempre avuto?
Non penso! Però mi piace molto: amo l’arte in generale, la musica, la scrittura, il canto, la danza, il teatro, la recitazione. Con l’arte mi metto a nudo: è un modo per entrare in contatto con parti di me che, come esseri umani, spesso tendiamo a nascondere perché ci sentiamo deboli o non abbastanza forti. Sto imparando, e non ti nascondo che è difficile, ad accettare sempre di più la mia vulnerabilità. Quando canto, anche canzoni di altri, mi sento vulnerabile. È un posto difficile in cui stare, ma cerco di abbracciarlo e di accoglierlo.

Dalla vittoria a Sanremo sono passate tante cose: il nuovo management, un nuovo percorso artistico, un nuovo messaggio. Che cosa hai imparato?
Credo molto nel percorso del destino: le cose vanno come devono andare, le accogliamo e ci insegnano. Ho imparato tanto dal Sanremo dell’anno scorso a oggi, e ho ancora molto da imparare. È stato un anno impegnativo a livello personale, perché ho cercato di capire tante cose e di dare le giuste priorità. A livello professionale sono contento di essermi preso del tempo per scrivere nuove canzoni e tornare nel momento in cui ero davvero pronto.

Hai già in testa il disco, la traccia fondamentale?
No, il disco lo sto mettendo in sesto adesso. È un periodo in cui comincio a farmi domande più serie su questo progetto, che mi piace chiamare “diario”: ogni pagina è una canzone, e Lentiggini è una di queste pagine. Questo diario ha tante bozze, tante cose scarabocchiate, ma anche molte pagine già più ordinate che faranno sicuramente parte del pacchetto finale.

Tu sei di Napoli, una regione di cui si parla molto in questi giorni per la protesta degli autotrasportatori. Che cosa percepisci intorno a te?
È un tema che mi sta molto a cuore: essendo napoletano, sento vicine queste problematiche che riguardano il Sud. Andare al supermercato e non trovare gli alimenti fa strano, ma non è questo il punto centrale. Il punto è il timore, la paura che noi giovani abbiamo di non riuscire a immaginare un futuro stabile e di non avere certezze. Come Clementino e come Gigi D’Alessio, mostro la massima solidarietà agli autotrasportatori e a tutto il settore, che sta vivendo un periodo non semplice. Io mi lamento, tra virgolette, della mancanza di alimenti, ma la questione è molto più seria.

In che senso?
Sono contento che se ne parli, perché nei notiziari si parla di tante cose e di questa ancora poco. Non riguarda solo la benzina e le altre ragioni per cui si sta manifestando, pacificamente, qui al Sud: va più a fondo e riguarda ancora di più noi giovani, perché c’è sempre più paura del futuro. Io però ho molta fiducia nelle nuove generazioni. Non posso parlare per tutti, ma nella mia generazione e in quelle che stanno arrivando vedo uno spirito ribelle e impaziente di cambiare le cose, e di farlo al meglio. È fantastico.

E sui disordini di Milano invece cosa ti ha colpito?
Ciò che è successo dovrebbe spingerci a riflettere. La violenza non è mai la strada giusta e non porta alla vittoria di queste manifestazioni, anzi finisce per mettere in ombra le ragioni di chi scende in piazza pacificamente per far valere le proprie idee. Non è mai condivisibile. Detto questo, ripeto: non voglio generalizzare, ma nella mia generazione e in quelle subito dopo la mia vedo uno spirito ribelle, la voglia di correggere ciò che prima è stato fatto. È bello, e me ne accorgo anche con i miei amici. Finché è pacifico, lo sottolineo, è sempre bello provare a cambiare le cose: finché non c’è violenza, finché non ci sono saccheggi.

Forse non tutti lo sanno che sei appassionato di numerologia, ma qual è il tuo numero ricorrente in questa fase della vita, e cosa rappresenta?
Mi hai fatto questa domanda poco prima delle 15:15! Ultimamente è tornato il 2, vicino al 4, che mi è stato molto vicino, ma il 9 è sempre stato il numero che mi accompagna. E, manco a farlo apposta, il 9 marzo 2027 parte il mio tour nei club. Quando mi hanno comunicato che la prima data sarebbe stata il 9 marzo ho detto: “Mi state prendendo in giro?”. Inizierò da Pozzuoli, al Duel Club, poi sarò a Roma il 15 marzo al Largo Venue e a Milano il 20 marzo ai Magazzini Generali, dove ti aspetto. Spero di vedere questo nove da tutte le parti: per me i numeri sono messaggi angelici, poi ognuno li interpreta come vuole.

Cosa proporrai in tour?
Ci stiamo pensando proprio in questi mesi. C’è tanto lavoro da fare, anche con il pezzo appena uscito, ma stiamo iniziando a pensare le prime cose e io a scriverle. Sarò onesto: il mio concerto dei sogni lo farò, se Dio vorrà, quando avrò strutture più grandi. Ma le cose si fanno step by step, e iniziamo adesso dai club. Non vedo l’ora, sono famelico, entusiasta a mille.

Parlavi del due e il nove… Meglio un secondo posto o un nono posto a Sanremo 2027?
Lì va bene tutto!

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Elisa Toffoli è sbarcata, ieri 23 ottobre, sul tappeto rosso della Festa del Cinema di Roma, dove ha presentato il documentario “Kintsugi… e sono la mia opera”. Un racconto di dolore, trasformazione e rinascita nato durante la lavorazione del suo nuovo album “Kintsugi”, in arrivo il 27 novembre.

“Io ho quasi 50 anni e sto vivendo la perimenopausa, una fase molto particolare che ti rende anche più vulnerabile. – ha spiegato – Quello che ho imparato finora è che l’evoluzione passa attraverso la naturalezza. Viviamo in una società molto dura con le donne, a tutte le età. Fin da giovani ci viene chiesto di essere perfette, performanti, belle, impeccabili. Standard che non sono né naturali né reali. Ho una figlia di 17 anni e vedo da vicino quanto questa pressione colpisca anche le generazioni più giovani”.

E ancora: “L’antidoto? Sicuramente la condivisione. Oggi, per una donna, essere anticonformista significa andare contro questa società. La sorellanza, non la competizione. Aprirsi le une alle altre con onestà, semplicità e naturalezza. Ci è stato tolto il tempo per stare insieme: siamo tutti di corsa, frenetici, sempre in superficie e mai abbastanza in profondità. Ed è qualcosa che crea un disagio profondo”.

L’artista ha ricordato il passato: “Penso alle donne di una volta, alle mamme, alle nonne, alle zie, ai cortili dove ci si ritrovava a parlare, a sbucciare i fagioli, a lavorare a maglia. Erano momenti di convivialità e di scambio tra generazioni che oggi quasi non esistono più. Eppure erano fondamentali: magari una frase della nonna ti tornava in mente mesi dopo, proprio quando ne avevi bisogno”.

La società di oggi, osservato Elisa, “ci offre sempre meno occasioni per vivere queste esperienze di comunità. Per questo dobbiamo ricercarle consapevolmente, anche in modo ribelle e curioso. Dobbiamo inseguire ciò che ci riaccende e ci fa stare bene. Oggi le risposte ce le dà più l’anima che il rispetto di regole spesso assurde e incapaci di farci stare bene”.

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Mara Sattei torna nei club. Dopo il tour estivo nei festival, la cantautrice parte il 13 novembre da Roma con il Mara Sattei Live 2026, una serie di concerti che portano sul palco le canzoni di “Che me ne faccio del temo”, album frutto di quattro anni di lavoro, gli stessi in cui l’artista si è tenuta lontana dai live. Il tour, che chiude un anno di ripartenza artistica, punta su una dimensione più raccolta e diretta. In collaborazione con _resetfestival, ogni data aprirà con un artista emergente scelto per la propria città, che dividerà il palco con Sattei davanti a un pubblico più ampio.

“Anche a me è stata data un’opportunità nella vita, ed è giusto restituire qualcosa alla musica e all’arte“, ha detto la cantautrice a AdnKronos. E proprio dei giovani sulle proteste che stanno accendendosi da Nord a Sud ha aggiunto: “C’è una disperazione generale che non può andare avanti così, è giusto che sia data la dignità e che siano soddisfatti i bisogni primari delle persone. Credo che la violenza non vada mai accettata e sia sempre da condannare”.

Dalla protesta al sentimento comune: “Mostrare le proprie emozioni è una delle cose più belle che possiamo fare. Viviamo in un mondo dove ci dicono di non essere tristi, di essere felici. Invece è bellissimo anche essere vulnerabili, farsi vedere umani, farsi vedere persone emotive”.

Cresciuta in una famiglia di fede evangelica, Mara mette in evidenza l’importanza di un rapporto autentico e personale con Dio, che va ben oltre il semplice rispetto di regole o pratiche religiose. “Sono una persona profondamente credente e vivo la mia fede ogni giorno: è la mia fonte di forza. Senza di Lui non sarei in grado di fare nulla. Si tratta però di una scelta individuale, di un legame intimo e personale, di un incontro che viene dal cuore, non di una mera osservanza di precetti”.

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“Putin può uccidere chiunque in una situazione che abbia a che fare con lui”. Masha Alyokhina, fondatrice delle Pussy Riot, non usa mezzi termini all’Adnkronos, in occasione del ritorno in Italia dello spettacolo “Riot Days”. Lo show sarà in scena il 17 febbraio 2027 all’Arci Bellezza di Milano, il 18 febbraio al Locomotiv di Bologna e il 19 febbraio al Largo Venue di Roma.

Creato nel 2017 dal produttore Alexander Cheparukhin insieme ad Alyokhina, ‘Riot Days’ intreccia teatro, testimonianza, musica dal vivo e immagini d’archivio a partire dai libri ‘Riot Days’ e ‘Political Girl’ di Masha. Non è mai rimasto uguale a sé stesso: l’ultima trasformazione è arrivata lo scorso anno, quando metà dello spettacolo è stata tagliata per lasciare spazio al racconto degli anni che hanno portato all’invasione su larga scala dell’Ucraina.

La nuova versione ricostruisce quella che il collettivo chiama la ‘Road to Hell’, la strada percorsa dalla Russia verso la guerra, passando per la repressione, la prima invasione dell’Ucraina e la vicenda di Alexei Navalny. “Volevamo mostrare quello che Vladimir Putin ha costretto i cittadini russi a vivere”, spiega Masha, che ha lasciato il Paese nel 2022, dopo l’inizio dell’invasione su larga scala.

Il rischio di essere uccisi, secondo Alyokhina, è diventato ancora più evidente dopo la morte di Navalny. “Putin ha reso chiarissimo che può uccidere la persona più protetta e conosciuta, davanti a tutti, e nessuno farà nulla. I leader occidentali dicevano che, se avesse ucciso Navalny, ci sarebbero state conseguenze mai viste prima. Ma non è successo nulla. Da quel momento è chiaro che chiunque può essere ucciso in una situazione che abbia a che fare con Putin”.

E quanto resta dell’Unione Sovietica nella Russia di oggi? ”Gran parte della vita russa è ancora molto legata alla tradizione sovietica. Putin la porta avanti”. In Europa, per Masha il pericolo va oltre la guerra combattuta in Ucraina. “Putin invade l’Ucraina con l’esercito e le bombe, ma in molti Paesi europei il suo Stato usa il soft power – dice -. Un’enorme quantità di denaro proveniente dal petrolio e dal gas viene immessa nella politica per far collassare i Paesi dall’interno. È pericoloso e succede da molto tempo”. In Italia, aggiunge, “Alexander Dugin è l’ideologo della spiegazione che Putin dà delle sue guerre e occupazioni, ed è molto ben accolto. Anche sua figlia, uccisa nel 2022, è diventata una sorta di eroina nei libri che si trovano nelle vostre librerie”.

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